MUNDO DE BABEL

Black Star Riders - Killer Instinct. Segundo disco del proyecto surgido de las cenizas de Thin Lizzy y creado por su mítico guitarra Scott Gorham, acompañado por el gran cantante irlandés Ricky Warwick (The Almighty), el guitarrista Damon Johnson, el bajista Robbie Crane (Ratt) y Jimmy DeGrasso a la batería (Alice Cooper, Ozzy o Megadeth). Un grupazo que con Killer Instinct supera, en mi opinión, lo ofrecido en su disco de debut. Ayudados por una gran producción del gurú Nick Raskulinecz, que hace un gran trabajo y nos muestra un grupo con un sonido retro hard rock irlandés, pero debidamente tamizado por la modernidad. El hard rock clásico, combinado con sonidos folk irlandeses, está muy presente desde el inicio con la homónima Killer Instinct, grandes guitarras electro-acústicas y mucho ritmo, con Bullet Blues, basado en una gran melodía y mucha energía, o con la contagiosa y de gran estribillo Finest Hour. Pasamos al ritmo y el divertimento de Soldierstown, todo un ejercicio de combinar el festivo folk irlandés con el rock, muy bueno. Para seguir con aires blues y retro rock en Charlie I Gotta Go o el medio tiempo Blindsied, de gran melodía a lo southern rock. El buen rollo, los grandes ritmos y la energía se mantienen en las finales Sex, Guns & Gasoline, puro hard rock, unas guitarras muy anglo de Turn in Your Arms y rematan el disco con You Little Liar, muy potente a lo The Almighty, 100% old school. Divertido, variado e Interesante disco de Black Star Riders, si eras fan de Thin Lizzy y el hard rock irlandés de la vieja escuela con dejes escapar Killer Instinct.

Eclipse - Armageddonize. Los suecos Eclipse llevan tiempo postulándose como una de las grandes bandas de hard rock melódico del siglo XXI, y con Armageddonize no hacen más que confirmarlo. Desde mi punto de vista, alcanzan su madurez musical, ya suena a Eclipse, y superan su ya destacado Bleed And Scream de 2012. Eclipse asienta su sonido basado en unas gloriosas melodías, unas líneas vocales magníficas y muy trabajadas, envolventes teclados y potentes guitarras en composiciones pensadas para escuchar una y otra vez. Una madurez liderada por el gran compositor, cantante y multi-instrumentista Erik Martensson, junto con las grandes guitarras de Magnus Henriksson, los colchones de teclados de Johan Berlin, y la base rítmica descomunal del batería Robban Back. Unos soberbios músicos que facturan uno de los discos de hard rock del año, desde la inicial I Don’t Wanna Say I’m Sorry, marcando las señas de identidad de Eclipse: una sobrenatural melodía combinada con mucha potencia y pegada, junto con ultra adictivos estribillos y teclados alucinantes. Como el single Stand On Your Feet, paradigma de hard rock melódico del siglo XXI, dedicada a los que dicen que el género está muerto. Seguimos con la pegadiza The Storm, una verdadera delicia de melodía con un estribillo y coros para enmarcar. El inicio inmejorable se completa con Blood Enemies, muy potente y aires de folk irlandés. El nivel no baja, todo lo contrario, sube con las siguientes: Wide Open, melodía marca de la casa y un trabajo vocal impresionante de Erik y Live Like I´m Dying, cenit melódico del disco, soberbio medio tiempo que va in crescendo y está lleno de feeling a lo Coverdale, de mis favoritas. Al igual que Breakdown, con una rollo potente, rítmico y sureño, que me recuerda a los sublimes Gotthard, pero con un estribillo 100% Eclipse. Love Bites, cañazo de hard rock potente y directo y un adictivo estribillo, al igual que la poderosa y pegadiza Caught in The Rush. Calidez y elegancia en One Life - My Life, donde Erik luce todas sus cualidades vocales, y potencia melódica en grado sumo de la final All Died Young, que resume a la perfección el sonido y cualidades de Eclipse. Sobresaliente disco, que coloca a Eclipse en la cima del hard melódico actual, sólo nos queda disfrutar. Otra joya, y ya son muchas, que se perderán aquellos que mantienen la obstinada idea de que no hay buena música actual.

Revolution Saints - Revolution Saints. Otro proyecto de la prolífica factoría Frontiers que une tres grandes de la historia hard rock, nada más y nada menos que Deen Castronovo (Journey o Bad English), Jack Blades (Night Ranger o Damn Yankess) y Doug Aldrich (Burning Rain, ex Dio o Whitesnake). Un trío espectacular que se dedica a sublimar las composiciones de Alessandro del Vecchio, y en menor medida de Erik Martensson (Eclipse). Esta vez Alessandro ha dado en el clavo (no como otros proyectos como Level 10, muy decepcionante) y ha creado unas composiciones y un sonido, también es el productor, que se acoplan como anillo al dedo al bajo de Jack, a la guitarra de Doug y sobre todo a la potente y maravillosa voz de Deen, el mejor batería cantante desde Phil Collins. Estamos ante uno de los mejores discos de hard rock que he escuchado, parece que 2015 está siendo el año del hard rock, con unas melodías magníficas, gloriosos duetos vocales y estribillos que hacen afición, logrados coros, mucha energía y variedad, lo tiene todo. Aquellos que dejan pasar discos como este debían hacérselo mirar y ponerse al día, desde la inicial Back On The Trail, todo un decálogo de hard rock melódico, la melodía y la potente línea vocal de Castronovo es sensacional, un estribillo sublime y gran ritmo de guitarras. Turn Back Time es otra joya hard melódico, basada en un gran riff de guitarra y con una armonía vocal de impresión en las voces del duo Jack-Deen, para escuchar una y otra vez. Pasamos a la suprema elegancia y clase del medio tiempo-balada You’re Not Alone, la armonía vocal es alucinante para un juego vocal compartido por Deen y Arel Pineda (nuevo cantante de Journey), todo feeling y emoción. Locked Out Of Paradise, destacada por su soberbio estribillo y un ritmo de guitarras de Doug lleno de energía. Continuamos con Way to the Sun, un maravilloso tema electro-acústico llevado por las guitarras de Doug y, nada menos, que Neal Schon (el que faltaba de Journey) que añade un elegante solo de guitarra, junto con otro armónico estribillo y los grandes teclados de Alessandro, tema para poner en las academias de rock. Dream On (compuesto por Erik) tema con un ritmo adictivo, directo y lleno de energía, una combinación de Eclipse y Journey, pasado y presente se dan la mano, con la voz de Castronovo luciendo sobremanera en un contagioso estribillo. Don´t Walk Away, tema lleno de sentimiento y elegancia, de nuevo, Deen aporta personalidad con su profunda voz, en una bella armonía vocal y estribillo. Luego Here Forever, lleno de soul en un inicio reposado y con un gran cambio, gozada de línea vocal, emotividad pura. Strangers To This Life, basado en un gran ritmo y riff de Doug, mucha armonía y un gran ritmo. Better World, otro adictivo medio tiempo lleno de energía y emoción en un estribillo sensacional. En How To Mend a Broken Heart se nota la mano de Martensson, corte directo y potente lleno de ritmo en crudas guitarras, hard melódico actualizado y otra melodía de impresión, mucha pegada y estribillo adictivo. Y para terminar In The Name of The Father, basado en preciosas líneas de guitarra acústica y una armonía vocal superlativa que deriva en un estribillo que te deja sin palabras. Sublime rúbrica para un disco Sobresaliente, excepcional que los verdaderos fans del hard melódico no deben dejar escapar, de haber sido compuesto hace 25 años serían un clásico imperdible, para mi ya lo es.

Scorpions - Return to Forever. Cuando escribí sobre su anterior y sobresaliente Sting in The Tail dije que podía ser el último picotazo musical de mis amados Scorpions, puesto que habían anunciado su retirada, pero tres años después nos ofrecen un nuevo disco para nuestra colección. Evidentemente, agradezco el poder escuchar nuevas canciones de Scorpions y que haya nueva gira de despedida, pero eso no me gusta, si anuncias tu adiós, pues te vas. Sin embargo, este cambio de idea nos permite disfrutar de Return to Forever un disco muy digno, buen disco de despedida (aunque nunca se sabe con Scorpions), que, no obstante, no llega al superlativo nivel de Sting in the Tail. En mi opinión, estamos ante un disco elegante, de grandes melodías, muy radiable y comercial, como siempre en Scorpions, por otra parte. Hay temas 100% Scorpions clásicos, otros muy pegadizos y sus grandes temas lentos y baladas, y todo sublimado por la nasal y maravillosa voz de Klaus Maine, que lo inunda todo, sólo por eso ya merece la pena. Y esta opinión se corrobora cuando veo, escucho y leo duras críticas de la vertiente obstinada (por decirlo suavemente) del rock duro, me parece un disco superior a otros antiguos de Scorpions, por mencionar uno diré el Humanity Hour 1, que también me gustó, por cierto. Return to Forever cuenta con 12 temas, 4 bonus track (y otros 3 temas extra más de la edición japonesa y la digital), un epílogo en el que han puesto sobre su “edificio del rock” todo lo que les quedaba y es agradecer. La reseña sería eterna, por lo que voy a mencionar los temas que más me han gustado. Como los dos iniciales, en un gran inicio de disco: Going Out With a Bang, de los temas más potentes y hardrockeros del disco, gran ritmo y un magnífico estribillo para corear sin parar. Y We Built This House, toda una declaración de intenciones hecha letra y single, accesible, de gran melodía y hit 100% Scorpions clásicos. La marchosa y divertida Rock My Car, que aúna energía y sencillez, o la gran balada House Of Cards, marca de la casa total, elegante y preciosa, que con la voz de Klaus irremediablemente emociona. En la línea marchosa y que desprende buen rollo están también All for One y Rock ’n’ Roll Band, con buenas guitarras del incombustible duo Mathias y Rudolf. Otra de mis favoritas es Cath Your Luck and Play, gran tema pegadizo y adictivo con otro gran estribillo estribillo que se graba a fuego, ideal para sus “últimos” directos. La comercialidad bien entendida regresa con un Rollin’ Home, lleno de clase y armonía vocal. El ritmo y el dinamismo de Hard Rockin’ The Place, con las guitarras más potentes del disco y otro gran estribillo, tema totalmente Scorpions. La voz de Klaus luce en la balada Eye Of The Storm, muy suave y elegante, y destacar la original The Scratch, que gana mucho con las escuchas, tiene un rollo diferente a lo musical, con una linea de bajo genial en un tema marchoso y rítmico. Al final otra demostración de calidad vocal en la balada Gypsy Life, Scorpions se acabarán, pero la voz de Klaus será inmortal. En definitiva, disco Notable, comercial, pegadizo, lleno de elegancia y clase, con grandes momentos, para seguir disfrutando de unas de las grandes bandas de la historia del rock.

Steven Wilson - Hand. Cannot, Erase. Nuevo disco del genio polifacético Steven Wilson, cuarto disco en solitario, carrera en la que parece que se va a centrar dejando de lado sus Procupine Tree. Y nos ofrece un disco muy diferente a su anterior y sobresaliente The Raven That Refused To Sing (and other stories), que era una especie de jam session o improvisación en directo, verdaderamente sublime. Se mantienen las grandes melodías y las sempiternas influencias del jazz, pero es un disco más relajado y calmado, con voces femeninas, en concreto de Ninet Tayeb y un coro infantil, que abunda en la faceta emotiva y melódica del disco. Y que se enlaza con el concepto del disco, que está basado en la historia real de una chica joven que encuentran en su casa muerta tras tres años sin que nadie se percatará de su ausencia. Por lo tanto, estamos ante un disco mucho menos directo, muy melancólico, lleno de atmósferas y pasajes calmados con mucha emoción y variedad de estilos musicales. Obviamente, estamos ante un disco para escuchar en su conjunto, y disfrutar de sus melodías y eclepticismo. No tiene mucho sentido ir analizando tema por tema, si te gusta el rock prog inquieto y heterogéneo disfrutarás de Hand. Cannot, Erase. Destacar temas como la compleja 3 Years Older, de los más directos y potentes con grandes guitarras y cambios improvisados, sublime. La belleza melancólica del single Perfect Life, con la bella voz de Ninet, al igual que Happy Returns. Otros temas destacados son: Routine de preciosa melodía, Home Invasion de ritmo entrecortado y grandes teclados, o Ancestral, lleno de belleza y sentimiento para abrir los oídos y desconectar. Si disfrutas del rock caleidoscopico y heterogéneo disfrutarás de otro disco Notable de Steven, que vuelve a demostrar que es un músico diferente y superlativ.

The Neal Morse Band - The Grand Experiment. Pues estamos ante otra joya, otra maravilla musical que nos regala Neal Morse, en mi opinión, el mejor músico del momento, que demuestra estar en estado de gracia en cada uno de sus lanzamientos, que no son pocos. El año pasado ya nos emocionó con Transatlantic y su "kaleidoscópica" obra maestra y ahora con su The Neal Morse Band se saca de la chistera otra sublime obra de rock atemporal, con mayúsculas, que me deja absorto. De nuevo 5 canciones, para que más, si lo tienen todo, ritmos, teclados, cambios, sublimes estribillos, melodías que enamoran, compleja instrumentación pero a la vez todo es adictivo y efectivo, una suprema combinación de elementos y estilos (rock duro, el jazz y el rock clásico) aderezados con una maestría sin parangón en la actualidad. The Call es la primera de las joyas musicales, 10 minutos llenos de sublimes melodías marcadas por la emotividad, coros gospel al inicio, potentes ritmos de guitarra, de batería (de nuevo Mike Portnoy hace un gran trabajo) y de teclado, que culminan en líneas vocales y estribillos vibrantes y pegadizos, atención a su apoteosis metálica e instrumental de su parte central. Según Neal quería hacer un “gran experimento”, improvisar en el estudio, captar la esencia y la brillantez inmediata de una banda y unos músicos en estado de gracia, ya vaya si lo logra. Luego tres temas “cortos”: The Grand Experiment, pegadiza, llena de ritmo y basada en un gran riff de guitarra y una estribillo adictivo, donde lucen las melodías vocales de Neal y los grandiosos coros. La balada bella y preciosista llamada Waterfall, las melodías son sobrehumanas y emocionantes confluyen en un estribillo y, de nuevo los coros y los juegos vocales son brutales, y es que todos los miembros del grupo tienen grandes cualidades vocales, y se nota. Y el trio de temas lo completa la directa y pegadiza Agenda, basada en unos teclados futuristas, potente ritmo y delicado coro que antecede al estribillo que se graba a fuego, ejemplo de rock accesible y diferente. Y al final la grandilocuente, en el buen sentido de la palabra, Alive Again (Into The Blue fue la canción del 2014, Alive Again pinta que va a ser la de 2015) difícil de superar su majestuosidad musical, combinación de pasajes y estilos, desde un inicio al más puro jazz-rock improvisado pasando por el rock clásico y el hard rock rebosante de teclados, preciosas melodías que se funden en un estribillo embaucador que genera adicción, montaña rusa cambios guitarras y ritmos de bajo y batería, todos luciendo en su justa medida, sin innecesario virtuosismo. Demostrando, una vez más, que Neal Morse es el mejor músico de rock actual, con un Sobresaliente y prodigioso "Gran Experimento" musical para deleite de nuestros oídos, otra joya para la colección.

Thunder - Wonder Days. Uno de los grandes nombres del hard rock de finales de los 80 regresa a la actualidad siete años después de su anterior disco Bang!. Thunder con su hard rock puro y sin artificios es un de mis grupos favoritos de rock, que alcanzó su cenit en sus tres primeros trabajos, soberbios e insuperables. El hard rock perdió fuelle a principios de los 90 y ellos fueron intercalando sus lanzamientos sin llegar al nivel de sus primeros trabajos. Pero en 2015, que parece el nuevo año del hard rock, Luke Morley y sus huestes recuperan sus “días maravillosos” o de gloria con un disco magnífico. Su titulo es una total declaración de intenciones facturando un disco de rock clásico con mayúsculas en el que encontramos todos los elementos musicales que les hicieron muy grandes. El sonido es genial, con la ayuda del gurú Mike Fraser en la producción, retro y, a la par, moderno, muy acorde con unas composiciones que lo tienen todo. Arrancamos con el homónimo Wonder Days, y nos encontramos con sus clásicos ritmos de guitarra, sus coros y unos estribillos sublimes guiados por la gran voz de uno de mis cantantes favoritos de rock, Danny Bowes. Grandes guitarras y pianos en temas muy pegadizos con estribillos que se graban a fuego en tu cabeza como la genial y marchosa The Thing I Want. Grandes coros llenos de soul y sus típicos medios tiempos electro-acústicos con aires de southern rock y blues, combinados con unas sublimes líneas vocales en The Rain o Black Water. El rock clásico lo revisten de una sorprendente crudeza en la rotunda The Prothet, basada en una base rítmica potente y cabalgante, son los Maiden o son Thunder, toda una sorpresa de tema sublimado por otro gran estribillo. El rock clásico elegante y pegadizo continúa con Resurrection Day, 100% Thunder, Chasing Shadows o la magnífica Broken, derroche absoluto de clase guitarrera y feeling vocal lleno de personalidad. Los medios electro-acústicos que rebosan blues y rock sureño se mantienen hasta el final con: When The Music Played, marchosa y pegadiza, las grandes guitarras de Serpertine o la final y elegante I Love The Weekend. Con un SobresalienteWonder Days, Thunder regresan a aquellos maravillosos días en los que el rock duro lleno de elegancia reinaba, sus fans estamos de enhorabuena por escuchar un disco tan brillante e inesperado a estas alturas.

Reconstrucción del interior de la Biblioteca de Alejandría, según O. Von Corven.

Año 331 a.C., Alejandro Magno fundó Alejandría para que fuera la gran ciudad del Mediterráneo y la nueva capital de Egipto. Una sublime ciudad ex novo en el Delta del Nilo, que fue diseñada por el arquitecto Dinócrates de Rodas, basada en un plano hipódamico u ortogonal. Con grandes y rectas calles que se cortaban en retícula y que la convirtán en una ciudad cómoda, muy amplia, llena de grandes jardines y lagos. Con gran importancia de su puerto, con su célebre Faro, una de las siete maravillas de la Antigüedad, construido en el siglo III a.C. y que contaba con unos 100 metros de altura.(ver Maravillas del Mundo Antiguo IX: La Alejandría de los Ptolomeos). Entorno al puerto se situaba el distrito real de los Ptolomeos, sucesores de Ptolomeo I, gran general de Alejandro, donde estaban los templos y palacios principales, además estaba el Museo que albergaba la famosa Biblioteca de Alejandría.

Plano de los Reinos Helenísticos, destacan el de Seleuco y el de Ptolomeo, dos generales de Alejandro.

Dicha Biblioteca, gran centro del conocimiento en el mundo antiguo, fue creada pocos años después de la fundación de la ciudad, para contener y salvaguardar la totalidad de las obras del saber universal, de todos los reinos e imperios. La colección va creciendo y a mediados del siglo III a.C., cuando estaba dirigida por Calímaco de Cirene, gran poeta clásico, la Biblioteca contaba, según Aulo Gelio, con unos 500.000 volúmenes. Fondos que se fueron incrementado hasta las 700.000 obras con otros míticos bibliotecarios como Demetrio de Falero o Apolonio de Rodas. El puesto de director o bibliotecario era de gran trascendencia y fue ocupado por ilustres editores como Zenódoto o Eratóstenes, que editaron las primeras ediciones canónigas de Homero, Euclides o Arquímedes. La Biblioteca como otros centros del saber de los Ptolomeos no eran públicos, eran centros de investigación exclusivos para sabios.

Fundación de la Biblioteca de Alejandría por Ptolomeo I, según Vincezo Camuccini.

Otras fuentes hablan de 500.000 rollos de papiro (unos 900.000 manuscritos), su catálogo de volúmenes ocupaba más de 120 rollos. Cifras engrosadas por la tradición, que, no obstante, dejan bien claro que estábamos ante del centro supremo del saber antiguo. Y nos dan una idea del impacto que para la cultura y el conocimiento tuvo su destrucción, toda una hecatombe cultural que aún hoy continúa siendo un misterio para los historiadores. La garante de la cultura y sabiduría universal clásica desaparecía con todos sus volúmenes, y no podemos concretar ni la fecha exacta del desastre ni quienes fueron sus autores materiales. Solamente, nos queda centrarnos en las fuentes históricas sobre el tema e intentar hacer una línea temporal que nos aclare el enigma de la Biblioteca de Alejandría.

Ptolomeo I, fundador de la Biblioteca a inicios del siglo III a.C.

Sabemos que en el 124 a.C., tras una sangrienta guerra civil, llegó al trono de Egipto Ptolomeo IV, iniciándose el declive de Alejandría. Se inaugura un periodo de inestabilidad, que lleva a la fuga de muchos intelectuales y sabios de la capital de los Ptolomeos, y como consecuencia una importante crisis científica y cultural. En el 47 a.C., el historiador romano Plutarco, nos atestigua la guerra por el trono entre Cleopatra VII y su hermano Ptolomeo XIII. Una guerra en la que Roma, la nueva gran potencia del mundo conocido, va a intervenir por mediación de Julio César, que apoyaba a Cleopatra en sus aspiraciones al trono. César y Cleopatra vencen tras defender el Palacio de los Ptolomeos, que sufrió un largo asedio. Durante el ataque parte del palacio real sufrió un incendio, se dice que se quemaron numerosos libros que César tenía pensado llevar a Roma. Plutarco llegó a acusar a Julio César de la destrucción de la Biblioteca, obviamente se equivocó, lo más seguro es que apenas fuera afectada por este incendio. Además se sabe que, posteriormente, Marco Antonio, cuando busca refugio en Alejandría junto a Cleopatra, donó numerosos libros a la Biblioteca que precedían de Pérgamo, en compensación por la parcial destrucción anterior.

Julio César y Cleopatra, según Jean-Léon Gérome..

Marco Antonio y Cleopatra son derrotados por Octavio (Augusto), Cleopatra fue la última reina de la dinastía de los Ptolomeos, que durante tres siglos gobernaron Egipto. Desde ese momento Egipto pasa a formar parte del Imperio Romano. Alejandría, aunque mantuvo durante cierto tiempo su brillantez, fue decayendo de forma lento y constante, en lo comercial y político, pero también en lo cultural y con ella su magnífica Biblioteca. En principio, se mantuvo como gran centro del saber clásico al que acudían intelectuales de la talla de Estrabón, el gran geógrafo romano, Estrabón mencionó el carácter cosmopolita de Alejandría, su amalgama racial y social, y lo difícil de gobernar de sus gentes. Entre ese carácter y la falta de un gobernante fuerte, Alejandría irá perdiendo, lógicamente, pujanza ante Roma. La Biblioteca se ve afectada dejando de lado su idea de albergar la globalidad del saber universal y centrándose en mantener y conservar sus fondos, además de seguir con las traducciones al griego. Los siglos II y III d.C., con la gran Crisis del Imperio Romano, la decadencia de Alejandría se vería aseverada. En el siglo II una terrible peste arrasa Egipto, y el siglo III con constantes guerras y conflictos políticos remataron la otrora gran capital ptolemáica. La grave crisis económica, social y política hace que cada vez sea más compleja la labor de centro cultural de la Biblioteca.

Grabado que representa el incendio en Alejandría durante la guerra por el trono del año 47 a.C.

Así llegamos al año 272 el emperador Aureliano en su guerra contra la reina Zenobia de Palmira irrumpe en Alejandría y la deja muy dañada. Posteriormente, en tiempos de Diocleaciano, Alejandría es arrasada y el barrio palacial, que contenía la Biblioteca, quedo muy afectado. Es muy probable que en esas dos destrucciones la biblioteca fuera vaciada y/o destruida, la gran Biblioteca del Museo. Pero es que había otra biblioteca en Alejandría, la del Serapeo (templo dedicado a Serapis, dios sincrético creado por Ptolomeo I) por lo que la confusión aumenta.

Escasos restos actuales del Serapeo.

La proclamación del Cristianismo como religión oficial del Imperio en el año 380, con Teodosio, no fue tampoco la salvación de la Biblioteca, que ya estaba muy dañada. Los volúmenes que contenía eran el paradigma del paganismo, y los edictos radicales de Teodosio, contra el paganismo, instigaron a cristianos exaltados a destruir templos y centros del conocimiento pagano y clásico. En ese contexto antipagano, en el año 391, la Biblioteca del Serapeo, que muchos confunden con la Biblioteca original, fue destruída por la barbarie absurda del patriarca Teófilo. Cirilo, sucesor del intransigente Teófilo, azuzó en el año 415 un movimiento contra el paganismo que acabó con la vida de última gran intelectual de Alejandría, la filósofa y científica Hipatia de Alejandría, y se destruyó su relevante biblioteca personal. Poco quedaba ya de la gran Alejandría como centro del saber universal, sucesivas destrucciones habían acabado con ella y con su Biblioteca. En ese siglo V, el teólogo Osorio la visitó y da fe de no queda casi nada, sólo templos y archivos vacíos.

Plano de Alejandría en tiempos de Hipatia, incios del siglo V.

Las destrucciones y males contra Alejandría no cesaron, a inicios del siglo VII otra guerra absurda, en este caso por el trono de Imperio Oriental o Bizancio entre Focas y Heráclito, el legitimo emperador, arrasa lo queda de Alejandría. Al poco, en el año 618, Cosroes y su imperio Persa conquista Egipto y deja su huella de destrucción en la antigua sede del saber universal, aunque, finalmente, Heráclio, el nuevo emperador de Bizancio, recuperó Egipto. Y por si fuera poco, en el año 640 el Imperio Bizantino es atacado e invadido por los árabes, Egipto y Alejandría caen en manos de líder árabe Amr Ibn al-As. Según las fuentes tradicionales, árabes y cristianas, esa conquista supone la definitiva destrucción de la Biblioteca de Alejandría. Ya que a pesar del intento de intercesión del teólogo Juan Filopono, Amr Ibn acatando una orden del Califa Omar destruyó todos los libros, los pocos que quedaban tras siglos de constantes destrucciones, que se oponían a la única verdad del Corán.

El imperio Romano en tiempos de Teodosio, hacia el año 400.

Un hecho fue puesto en duda y desmentido por el historiador inglés del siglo XVIII Edward Gibbon, que afirmaba que la destrucción árabe era una forma de disculpar a los verdaderos responsables de la destrucción de la Biblioteca de Alejandría, los cristianos. Pero, como ocurre con muchas de las fuentes históricas clásicas y actuales, Gibbon se dejó llevar por su ideología, la Ilustración era anticlerical, y culpó de todo a Teófilo y a los fanáticos cristianos. Pero, en parte, estaba errado, ha quedado demostrado que el fanatismo de Teófilo destruyó la Biblioteca del Serapeo, que no era la célebre gran Biblioteca del palacio de los Ptolomeos, aunque eso no quita relevancia a su acto infame. La idea de Gibbon ha calado en muchos investigadores posteriores, pero no tiene sentido dejarse llevar por la ideología, y simplificar un proceso tan complejo como la destrucción de la Biblioteca más célebre de la Humanidad.

La magnífica Biblioteca de Celso en Efeso, la tercera en discordia en la Antigüedad, tras Pérgamo y Alejandría.

En definitiva, la explicación más plausible, desde mi punto de vista, es la de un proceso progresivo y una destrucción paulatina de la famosa Biblioteca Real alejandrina. Los constante asedios, incendios y guerras, que hemos ido relatando con anterioridad, acabaron con ese gran centro del saber antiguo y universal. Seguramente, cuando llegaron los musulmanes de la Biblioteca clásica poco o nada quedaba, pero si había nuevos textos, muchos de ellos cristianos y otros clásicos, se sabe la presencia de escritos de Aristoteles cristianizados. En mi opinión, lo más probable es que la famosa Biblioteca Real de Alejandría ya quedó dañada de muerte en los siglos IIII y IV con las destrucciones de Aureliano y Diocleciano. El problema principal es que aún hoy se producen este tipo de hechos, destrucciones culturales y de patrimonio por motivos religiosos e iconoclastas. El ejemplo más reciente son las destrucciones del Museo Nacional de Mosul (Irak) o de los yacimientos de las ciudades milenarias de Hatra o Nimrod, que el denominado Estado Islámico está perpetrando con total impunidad. La historia se repite y el ser humano no aprende de sus errores, una pena.

Bibliografía:

E. M. Forster. Alejandría. Seix Barral, Barcelona, 1984.

H. Escolar. La Biblioteca de Alejandria. Gredos, Madrid, 2001.

D. Hernández de la Fuente. El final de la Biblioteca de Alejandría. Historia de National Geographic, nº 130, 2014.
Fotos: Wikipedia y National Geographic.

A inicios del siglo XVI las Repúblicas Italianas gozaban de una preponderancia económica, comercial y cultural muy superior al resto Europa, que sólo tenía parangón con la Brujas flamenca. Destacan Florencia y Venecia, donde va a surgir un humanismo cívico y un gran renacimiento cultural. Banqueros y comerciantes hacen grandes fortunas y se convierten en Mecenas de este gran Renacimiento humano y artístico. Estamos inmersos en el Cinquecento, a inicios del siglo XVI, uno de los momentos cenit de la Pintura Universal.

Autorretrato de Tiziano, hacia 1567.

Con Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano o Veronés la evolución de la pintura es excelsa y sin precedentes. Ya que la pincelada y el color se manejan de forma más suelta, mientras que el dibujo y el contorno pierden su imperio. De forma que, la luz y el color predominan sobre el dibujo. Las formas con claroscuro de sombras y luces adquieren un aspecto redondeado en detrimento de la apariencia plana. La obtención de volumen se convierte en un objetivo capital a través de los sombreados o de juegos de luces y sombras. La luz adquiere mucha importancia y se apaga la obsesión por la perspectiva, adquiriendo los cuadros una profundidad natural. Además el paisaje se enriquece en vibraciones lumínicas, fondos neblinosos, rocas, crepúsculos, matices románticos. Y la composición es clara, las figuras se relacionan con las manos y los ojos, se utiliza la perspectiva aérea.

Daáae recibiendo la lluvia de oro, 1553, ejemplo de su culto al cuerpo femenino.

Venecia, una gran metrópoli comercial, con una floreciente economía, se llena de clientes y mecenas que, para satisfacer su lujo y vanidad, impulsan la producción pictórica. Dentro de una sociedad veneciana marcada por alegría por vivir, el esplendor de sus procesiones y el boato de sus fiestas. Ese esplendor veneciano conduce se plasma en la Escuela Veneciana liderada por Tiziano, Veronés o Tintoretto. Una escuela caracterizada por su culto al color, que prevalece sobre el dibujo que queda en segundo plano. La neblina de la urbe de los canales venecianos sensibiliza la pupila de los pintores, para otorgar más interés a los colores vivos. Dan mucha relevancia a temas secundarios, a la anécdota, a lo trivial, con exaltación del lujo y la riqueza de palacios, telas, música o vestimentas. Se desarrolla una contemplación poética del paisaje, todo se llena de una luz que se siente con pasión romántica.

Venus recreándose con el Amor, 1555, paradigma de esos cuerpos femeninos de Tiziano que influyeron en Rubens.

Tiziano es la gran figura y retratista de la escuela, no olvidemos su Retrato ecuestre de Carlos V en la batalla de Mühlberg. Se inició en el taller de los Bellini (Gentile y Giovanni), su pincelada es suelta y es el maestro de las formas blandas y redondas. Como demuestra en su predilección por los desnudos femeninos e infantiles como en Venus recreándose con el Amor, o Dánae recibiendo la Lluvia de oro. Destaca por su colorido cálido, su suavidad de la piel y gracia flexible de las telas, y su culto a la belleza y al cuerpo de la mujer, que influyó tanto en Rubens.

La ofrenda de Venus, 1518.

Baco y Ariadna, 1520-23.

No obstante, su cenit pictórico es La Bacanal de los Andrinos (Museo del Prado). La Bacanal fue encargado por Alfonso I del Este, III Duque de Ferrara, para su Camerino de Alabastro en el Palacio Ducal. Formaba parte de un conjunto pictórico de temática mitológica, junto con La Ofrenda de Venus y Baco y Ariadna (que podemos ver arriba), también de Tiziano. Y obras de otros autores como el Festín de los Dioses, de su maestro Giovanni Bellini, que fue rematada y modificada por Tiziano. Como tantas otras veces el discípulo superó al maestro con su sublime Bacanal. Pinturas que en 1598 fueron trasladadas al Palacio Aldobrandini en Roma. Posteriormente, en 1637, Niccolo Ludovisi se las entregó a Felipe IV, por medio del conde de Monterrey, como pago del Estado de Piombino (antiguo señorío independiente de la Toscana), por ello se encuentra en el Museo del Prado.

Dinamismo absoluto en el grupo central de personajes de la Bacanal.

Tiziano convierte, una vez más, un tema mitológico en un cuadro social, en una fiesta alegre y distendida. La bacanal era la fiesta en honor al dios del vino Baco (Dioniso griego) en las que se ingería vino de forma desmesurada, se bailaba, cantaba y se liberaban los sentidos. Un sublime Tiziano exalta el culto al vino enmarcado en la Isla de Andros, una de las Cícladas. El tema está inspirado en la obra Imágenes de Filóstrato, en concreto era una ekfrasis, artificio retórico de la Antigüedad que servía para describir obras de arte. En este caso, Filóstrato describe cuadros mitológicos de una Villa cercana a Nápoles. La idea del Duque de Ferrara era recrear esas villas clásicas y Tiziano quiere homenajear a la llamada "pintura de los antiguos". La recreación de las glorias de la pasado, principal aspiración de la sociedad del Renacimiento. También se inspiró en la literatura de poeta Cátulo, revisando la visión clásica de las festividades de Baco, en la que tenia mucha relevancia el vino y Venus, como Diosa del amor y el deseo carnal.

Detalle del lema en la partitura de papel y de Violante con la firma de Tiziano.

Tiziano facturó una sublime loa al vino y a sus efectos desinhibidores en los personajes que habitan la isla de Andros, animados por la música y la danza. Una isla en la que por intrecessión de Dioniso/Baco el vino fluye como el agua, por arroyos y ríos. Es curioso como en el parte inferior central el pintor sitúa un trozo de papel en el que consigna el siguiente lema del músico flamenco Adrian Willaert: “quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber”. Junto a esa declaración de intenciones aparece una mujer recostada en primer plano, que se relaciona con Violante, el amor de Tiziano, es curioso como el pintor firma en el escote de Violante.

Detalle del sublime desnudo de Venus/Ariadna junto con el niño.

Un culto a Baco y al vino lleno de dinamismo personificado en el numeroso grupo de personajes que se mueven al ritmo de la danza y la música dionísiaca. Movimiento en audaces escorzos y posturas mientras bailan, hablan, y, sobre todo, beben y se sirven vino. Con una atrevida composición. que aprovecha para colocar en un ángulo un espléndido desnudo femenino, que bien podría ser Venus, o Ariadna, hija de Minos, personaje siempre ligado a Baco. Junto a ella, la grácil figura de un niño orinando en uno de esos arroyos de vino.

Detalle de la jarra de vino, que capta toda nuestra atención.

La maestría del pintor logra hacer que nuestros ojos perciban la húmeda y vaporosa atmósfera de la isla de Andros a través de un colorido cálido, fantástico y variado. Obtiene brillos de las telas y de los vidrios y efectos de luz azulada en el cielo. De paso rinde culto a la alegría de vivir veneciana, centrado en la exaltación de la jarra de vino en el centro. Todas nuestras miradas se dirigen hacia el jarro de vino, que es elevado por uno de los personajes del centro. Con un magnífico tratamiento del vidrio y del vino, símbolo dionísiaco por excelencia. Tras la jarra, al fondo, se puede contemplar un senecto hombre barbado, que aparece tumbado presa de los efectos del vino y la celebración en honor a Baco.

Detalle del fondo vaporoso y sensual de la isla de Andros, con la jarra y hombre tumbado con elementos destacados.

La Bacanal sublima el género mitológico superando, ampliamente, a sus maestros y convirtiéndo a Tiziano en uno de los grandes de la pintura universal. Su influencia es tremenda en el tratamiento del desnudo femenino y de como afrontar un tema mitológico. Destacar que fue gran fuente de inspiración para Pedro Pablo Rubens, que llegó a copiar buena parte de las obras del maestro del Cinquecento italiano, y entre ellas la sublime Bacanal. Prueba de que estamos ante otro imperecedero icono universal que ha marcado nuestra mirada y que merece la pena contemplar una y otra vez.

La Bacanal copiada por Rubens

Bibliografía:

F. Checa. Tiziano y la pintura veneciana del siglo XVI, Madrid: Alianza Editorial, 1997.

M. Morán Turina. Tiziano. Madrid, Historia 16, 1993.
Imágenes: Wikipedia.

Apocalyptica - Shadowmaker. Los fineses Apocalyptica han dado el paso definitivo y acertado en su carrera al contar con un cantante como miembro fijo, el elegido es el americano Franky Perez (Scars On Broadway). Los maestros del hacer rock duro y metal con el violoncello han madurado y modernizado su sonido de forma notable. Shadowmaker es un disco muy agradable de escuchar y que con sucesivas escuchas aprecias el potencial de composiciones como: la moderna y fresca Cold Blood, con un gran estribillo ideal para la voz de Franky, la progresiva, llena de cambios Shadowmaker, paradigma de su evolución musicales hacia descomunales melodías y desarrollos instrumentales. Esas melodías excelsas continúan con la balada Slow Burn, delicada y llena de fuerza y sentimiento, con Reign Of Fear, ejemplo perfecto de su amalgama entre música clásica y metal, o con otra gran melodía en la sinfónica Hole in my Soul. Junto con la melancólica Sea Song o la furiosa técnica instrumental de Till Death Do Us Part. En definitiva, Notable disco en el que Apocalyptica renuevan y maduran su propuesta músical, 100% recomendable para oídos metálicos abiertos, alejados de clichés y el hieratismo tan típico del Metal.

Europe - War Of Kings. Otro grupo que se aleja del conservadurismo y que regresó hace ya tiempo con energías renovadas y haciendo una música variada, madura y diferente, llena de clase y calidad. Después de su anterior, Bag of Bones, muy blues y con aires a los años 70, regresan a su línea más potente, moderna y oscura con War of Kings, mostrando todo su repertorio musical. Desde la potente, moderna, oscura y con teclados ultramodernos War Of Kings, la rockera y pegadiza Hole in the Pocket, hasta la tremenda melodía y sentimiento de Second Day. Mencionar el gran estado de la voz de Tempest, con su elegante registro da color y calidad a los temas de Europe como en la rítmica y guitarrera Praise You, deleite vocal y gran solo de Norum. Para pasar al tema del disco, un Nothin’ to Ya, muchos grupos debían tomar ejemplo de esta canción, de como sonar espectacular sin sonar recurrentes y trillados, soberbios riffs y melodías modernas. Magníficas son también: la intima California 405, y el buen rollo rockero de Days of Rock and Roll, con un ritmo y melodía que se graban a fuego en tu mente, y la moderna, oriental y zeppeliana Rainbow Bridge. Notable disco de Europe que no dejan de sorprenderme y señalar el camino a seguir a otras bandas de como sonar renovados y maduros sin repetirse.

FM - Heroes and Villains. Steve Overland y sus huestes regresan con otro gran disco de hard rock melódico para la colección. FM son pura clase y elegancia, y con Heroes and Villains nos regalan uno de los discos del año para los fans del Hard Rock/AOR. La voz de Steve lo inunda todo, es uno de los mejores cantantes melódicos, parece que los años no afectan a su elegante tono vocal, en composiciones llenas de buen rollo y gancho. Como la inicial Digging Up The Dirt, con un pegadizo estribillo y sugerente melodía/coro, que te hace escucharla una y otra vez. You’re The Best Thing About Me es pura clase y elegante melodía, tema totalmente adictivo, al igual que Call Me, de glorioso estribillo, 100% Steve. El rock melódico y el buen rollo rockero continúan con Life Is a Highway, Shape I’m In o Somedays I Only Wanna Rock n Roll, todo diversión y energía. Y para cerrar un disco Notable la preciosa balada acústica Walking With Angels, de preciosista melodía. Cada vez que FM saca un disco los fans del AOR estamos de enhorabuena.

Jim Peterik & Marc Scherer - Risk Everything. Otro soberbio disco de AOR y hard rock melódico el que nos ofrece el gran y veterano Jim Peterik (Survivor, Pride Of Lions). En este caso con el cantante Marc Scherer, gran desconocido y también veterano cantante, con una potente y versátil voz, que viene como anillo al dedo a las composiciones y armonías de Jim. El disco es genuino positivismo, grandes melodías y guitarras, y mucho ritmo desde la inicial Risk Everything, puro AOR maduro y enérgico, con un glorioso estribillo. 100% clase y optimismo en brillantes, pegadizas y rítmicas melodías como en Chance Of a Lifetime, de gran armonía y estribillo donde luce Marc, en el single Cold Blooded o en Desparate in Love. Pasando al tema del disco por bailable y contagioso, In Crescendo, todo un ejercicio de armonías y melodías llenas de encanto, para poner en las escuelas de AOR ochentero. Grandes medios tiempos y baladas destacando: Broken Home y, sobre todo, How Long Is A Moment, super balada que derrocha clase y sentimiento. Muy Notable disco, para deleite de los seguidores del rock melódico.

Kamelot - Haven. Kamelot son, desde mi punto de vista, uno de los mejores grupos de las dos últimas décadas. Desde su sobresaliente Karma no han parado de evolucionar, madurar, ampliar su particular sonido y su espectro musical, mejorando las orquestaciones, los teclados, las guitarras... Un afán de maduración y perfeccionismo de Thomas Youngblood y los suyos que les ha colocado en la cima del metal melódico actual. Además los cambios y nuevas incorporaciones al grupo han dotado de más calidad y variedad al grupo, como el teclista Oliver Palotai y, sobre todo, Tommy Karevik un vocalista superlativo, con una inagotable capacidad de interpretación y de registros, y que enriquece con sus letras y líneas vocales las composiciones de Kamelot. Haven (“refugio”) es un disco pegadizo y complejo a la vez. que por su belleza llama la atención desde la primera escucha, pero que según los escuchas vas encontrado nuevos matices y elementos. Se abre con la soberbia y bella Falling Star, con su evocador inicio de piano y la maravillosa voz de Tommy, ejemplo de tema lleno de matices, pasajes elegantes y gran estribillo, muy cinematográfico. Los estribillos y las melodías reinan en el disco, junto a los arreglos orquestales y pasajes de gran calidad intrumental, en temas como: la potente y llena de pegada Insomia, de grandes guitarras y teclados, al igual Veil Of Elisum. Con el contrapunto de temas como Citizen Cero, original, diferente, oscuro y lleno de belleza acústica, o la sublime balada folk Under Grey Skies, donde colabora Troy Donockley (Nightwish) y la interpretación vocal sobrenatural del dueto entre Tommy y Charlotte Wessels (Delain). Las originales y soberbias melodías continúan con My Therapy, Beutiful Apocalypse, y, especialmente, Liar Liar (Wasteland Monarchy), un espectáculo de tema a nivel instrumental y vocal, Tommy se revela como uno de los grandes, con una voz de versatilidad infinita. Como vemos en la otra balada Here’s to the Fall, totalmente orquestal, donde su interpretación vocal ralla la perfección y emociona. Para terminar Revolution, otro tema glorioso, potente, lleno de contundencia y agresividad en las guitarras y las voces, con Alissa White-Gluz (Arch Enemy). Sobresaliente absoluto para este “Refugio” musical de Kamelot, soberbia demostración de variedad, complejidad y belleza.

Kiske / Somerville - City of Heroes. La segunda entrega de otro de los proyectos estrella de la factoría Frontiers Records, que une las grandes voces de Amanda Somerville (Avantasia, Aina, Luca Turilli, Kamelot) y Michael Kiske, que no necesita presentación. City of Heroes mejora, en gran medida, a su predecesor gracias a la gran labor en la composición del prolífico Magnus Karlsson y Matt Sinner, que esta vez si aporta calidad, y es raro, a unos temas que encajan a la perfección con las voces de Amanda y Michael. Destacan los ritmos, las melodías y los estribillos como en las iniciales: City Of Heroes, corte potente y épico de gran estribillo, al igual que Walk of Water, mi tema favorito, con una melodía vocal muy teatral, y un estribillo “avantásico” para enmarcar. Temas muy enérgicos y pegadizos que harán las delicias de los fans del metal melódico como: Salvation o Rising Up. Soberbias melodías vocales de Lights Out, o la trepidante Last Goodbye, el trabajo vocal de ambas voces es soberbio y las guitarras de Magnus son muy buenas. También cuenta con temas evocadores y orquestales como: Run With a Dream, Breaking Neptune, Oceans Of Tears o el bello medio tiempo After The Night Is Over. Notable disco de metal melódico que no hace más que sublimar a dos grandes voces, que era lo que se le pedía, por otra parte.

Leprous - The Congregation. Cuarto disco de Leprous, los soberbios progresivos noruegos, con su estilo metal progresivo colmado de oscuridad, lirismo y brillantez instrumental y vocal. Leprous son calidad técnica, experimentación, pasajes instrumentales entrecortados y sobrenaturales, apabullante base rítmica, bellas melodías e innovadoras texturas. Pero, sobre todo, son los excelsos y gloriosos matices y registros vocales de Einar Solberg, los que llevan a Leprous y su música a la excelencia. Las grandilocuentes y evocadoras canciones se tornan sublimes con su voz, aguda y grave a la par, la verdad es que musicalmente son de lo mejor del panorama actual. Se aprecia su nivel desde la inicial y tremenda The Price, con un adictivo ritmo entrecortado y magnífico estribillo. Las melodías muy técnicas y los juegos vocales toman protagonismo con la sensacional Rewind, o The Flood, llenas de cambios de ritmo in crescendo. El lirismo máximo de la suave y cadenciosa Triumphant, esa lírica barroca y energía continua con Red, con sorprendente coro que sublima la voz de Einar, uno de los grandes de la actualidad, sin duda. El nivel no decae en ningún momento, soberbias también son: la oscura y emocionante Moon, medio tiempo de desbordante instrumentación que va creciendo, el progresivo técnico y ecléctico de Down y Lower, que pone el broche de oro a una obra sensacional y muy notable, para amantes del metal prog más técnico y evocador.

Luca Turilli's Rhapsody - Prometheus, Symphonia Ignis Divinus. El señor Luca Turilli, después de revolucionar la escena power metal sinfónico con Rhapsody, con algunos discos verdaderamente descomunales. Y viendo que ya Rhapsody no daba para más evolución decide irse y continuar su carrera en solitario. Ahora con un joven y versátil cantante italiano llamado Alessandro Conti, da una vuelta de tuerca a su sonido, creando lo que Luca ha denominado "Cinematic Metal". Que tiene mucho de banda sonora, pero también de soberbios coros, lirismo, un sonido barroco y cargado de épica con grandes atmósferas y arreglos orquestales. Luca ha sublimado y ha intentado llevar más allá su sonido, y yo eso siempre lo agradezco, como la original inclusión de letras y voces en tres idiomas (latín, italiano e inglés), ampliando las miras y musicalidad de su sonido. Destacar la melódica, coral y operística de Rosenkreuz (The Rose and the Cross), el sonido oriental/flamenco y las guitarras de Anahata, tema super original, con gran interpretación de Conti, que demuestra tener una variedad de registros más que sobresaliente. También la magnífica Il Tempo Degil Dei, de preciosa melodía de piano y lineas vocales geniales en latín e italiano. La potente y sinfónica One Ring to Rule Them All, la descomunal belleza y lirismo de Notturno, una soberbia balada, o la orquestal y épica Prometheus. Me ha encantado el orientalismo arabesco de King Solomon and the 72 Names of God, y para terminar el cenit de su metal cinemático, la larga y llena de pasajes Of Michael the Archangel and Lucifer’s Fall Part II: Codex Nemesis, que confirma que estamos ante un disco Notable para escuchar en su totalidad y disfrutar de sus matices. Luca arriesga, y por lo que puedo leer eso no gusta a la escena metálica, pues una pena, yo celebro siempre la evolución y la sorpresa.

Muse - Drones. Muse son, en mi opinión, la banda de hard rock moderno de 2015 por sus directos, su calidad, su sonido, su capacidad de mover fans de un amplio espectro musical, y, sobre todo, por sacar su mejor disco desde aquel sensacional Black Hole And Revelations. Drones es su disco más potente, más rock duro, con unas guitarras sobresalientes, un sonido que roza la perfección. Y ser su disco más heavy, no le resta ni un ápice de melodía ni de comercialidad bien entendida. Una base rítmica apabullante y unas soberbias melodías vocales de Matt Bellamy, cuyos teclados y sintetizadores subliman el sonido de Drones. Han dejado atrás su senda musical electrónica, progresiva, ampulosa y sinfónica de sus dos últimos discos (The Resistance y 2nd Law), para dar una verdadera lección de como hacer hard rock moderno en el siglo XXI. Y es que Muse se muestran en un estado de gracia absoluto, desde el concepto de su portada y letras, hasta unas composiciones que rallan lo sublime como: la inicial Dead Inside, de ritmo adictivo y melodías vocales pegadizas y soberbias, Psycho basada en un riff genial y una batería potente, paradigma de rock duro contemporáneo, o la magnífica Mercy, accesible y, a la vez, llena de calidad con un estribillo para enmarcar, posiblemente el mejor del año. En nivel, en lugar de bajar, sube con: Reapers, cuyas guitarras pueden ser las mejores de la carrera de Muse, Matt ralla el virtuosismo, el ritmo es superlativo de Christopher Wolstenholme y Dominic Howard, el trio está inspirado a nivel instrumental en un tema diferente, cañero, técnico y pegadizo, causi insuperable. The Handler es otra soberbia demostración musical, de inicio fue mi favorita (luego fueron todas), melodía vocal 100% Muse con unos sublimes agudos de Matt, y un cambio en el centro con un solo de guitarra espectacular. Defector, es potencia y melodía combinadas con un estribillo “free yeah I am free” tremendo.Revolt, por su parte, es otra demostración de ritmo adictivo y estribillo para enmarcar, como la gran balada Aftermath, con unas guitarras iniciales super clásicas en un tema lleno de clase y sentimiento. Y para finalizar un disco Sobresaliente, la compleja y barroca The Globalist, de inicio muy cinematográfico (rollo western), y llena de cambios de ritmo y atmósferas musicales, soberbia, como el estado de forma del grupo del momento en el rock, desde mi punto de vista.

Nightwish - Endless Forms Most Beautiful. Otro grupo que, para mi, lidera la escena de metal sinfónico, junto con Kamelot, y que a pesar de los cambios de cantante, mantiene un nivel superlativo en cada uno de sus lanzamientos. Ahora reclutan a la heavy/gótica cantante Floor Jensen, obviamente tiene una gran voz, pero sus melodías vocales me han tardado en encajar en Nightwish, no es el rollo operístico de Tarja, ni la pegadiza y teatral Annette, es una voz más clásica, quizás en el siguiente disco ya se acople totalmente. Su trabajo es bueno y Endless Forms Most Beautiful es un disco barroco, complejo, 100% Thomas Holopainen. Composiciones muy teatrales, variadas, con mucha carga de banda sonora, de folk, con la definitiva inclusión como miembro permanente de Troy Donocley y su sección de viento. Con grandilocuentes teclados, potentes riffs, además de unas melodías y estribillos cenit del metal melódico. Y, sobre todo, un disco que gana con las escuchas, por su inmenso repertorio de matices, como unas letras de marcado carácter ecológico. El inicio, tras las palabras del científico Richard Dawkins, es fantástico con Sudder Before The Beautiful, con un ritmo y sonido puro/maduro Nightwish que te atrapa por su gran estribillo, y Weak Fantasy tiene una excelente base rítmica y riffs, potente tema con soberbios momentos orquestales y acústicos. Así llegamos a Elan, clásico medio tiempo accesible de Nightwish, con mucha carga de folk y una preciosa sección de viento, genial. Para seguir con Yours Is An Empty Hope, perfecta combinación de potentes guitarras y arreglos orquestales, junto con un gran estribillo lleno de teatralidad. Our Decades In The Sun es una preciosa balada de coral inicio y preciosistas guitarras acústicas, junto con una lograda y dulce línea vocal de Floor. Las deliciosas y bellas melodías reinan en: My Walden, una canción diferente, con un ritmo folk celta escandinavo que encandila, un estribillo y arreglos de cuerda y viento que la convierten en toda una maravilla. En Endless Forms Most Beautiful, su melodía y estribillo gustan desde la primera escucha, grandes teclados y un ritmo embaucador, con unos potentes riffs de guitarras que sorprenden por su crudeza. En Edema Ruh, otro tema diferente marcado por una melodía que es una delicia y, a la par, que la línea vocal confluyen en un estribillo que enamora. En el final: Alpenglow, otra perfecta fusión entre orquesta, teclados y guitarras, con un estribillo marca de la casa, The Eyes Of Sharbat Gula bello tema instrumental donde la fusión entre los teclados, la sección de viento-cuerda, el coro y orquesta es perfecta, para sentarse y disfrutar. Como en su ampuloso y barroco final con The Greatest Show On Earth, su tema más largo, donde combinan todo lo que saben hacer y llevan más allá sus orquestaciones, sus pianos, cambios de ritmo unidos sonidos de la naturaleza, junto al duelo vocal entre Floor y Marco Hietala, que en este disco lo han reservado para final. Sobresaliente para Nightwish, con un disco fiel, maduro y variado.

Paradise Lost - The Plague Within. Cada disco de Paradise es un mundo diferente y yo siempre agradezco eso, su anterior Tragic Idol, suponía, en mi opinión, el cenit de su evolución musical hacia canciones con unas melodías y estribillos que enamoraban. Parecen olvidar, en parte, ese sonido y regresar a sus orígenes más oscuros y extremos, algo que agradecerán sus fans clásicos, siempre descontentos con la variedad musical de Paradise, y que, obviamente, a mi no me ha gustado tanto. The Plague Within es un disco muy doom, death y gothic en el que Nick Holmes recupera sus líneas vocales más guturales y rasgadas, dejando de lado sus melodías limpias, que, en mi opinión, son su fuerte, a día de hoy, como pude comprobar en directo. En el inicio si encontramos algo del sonido moderno de Nick y Greg Mackintosh en No Hope In Sight, sabía combinación de melodías limpias y con otras agresivas unidas a un gran estribillo, que pensé que iba a ser la línea a seguir del disco, pero no es así. Las melodías oscuras y doom se van imponiendo en Terminal, aunque es un tema que me gusta por su estructura y estribillo, en An Eternity of Líes, tema muy doom y original con combinación de voces melódicas y limpias femeninas, de mis favoritas. Junto con Punishment Through Time que abunda en esa interesante amalgama de líneas crudas y lúgrubes con otras preciosistas y limpias. El doom y la oscuridad reinan en el disco desde Beneath Broken Earth, un pelotazo de estremecedor metal oscuro al igual que: Sacrifice The Flame, de evocador inicio con voces guturales y guitarras rasgadas, Flesh From Bone, es lo más extremo y death que han hecho en años, el reino de las voces guturales. También Victim of the Past, con grandes arreglos orquestales y combinación de voces en un gran estribillo. Terminando con la diferente y stoner Cry Out, que también me ha gustado por diferente, con soberbias guitarras de Greg, y el final, puramente doom con la oscura Return to the Sun. La producción es espectacular, y Paradise hacen un gran trabajo ofreciendo otro disco diferente y Notable, que, en mi opinión, regresa demasiado a los orígenes, pero que será disfrutado al máximo por los clasicómanos.

The Answer - Raise a Little Hell. Quinto disco de los norirlandeses The Answer que son, para mi, uno de los mejores grupos del siglo XXI haciendo hard rock, con una de las voces más soberbias del momento, el gran Cormac Nelson. Con cada lanzamiento asientan y maduran su sonido, clásico y moderno a la par. Un hard rock muy cargado de sonidos retro, blues, pero también elementos de rock moderno y directo, con grandes riffs de guitarra y ultra pegadizos estribillos, donde lucen los múltiples registros de la voz de Cormac. One, two, tree, four.. y Long Live The Renegades toda una declaración de intenciones y de lo que saben hacer este cuarteto norirlandés, base rítmica espectacular, mucho feeling y boogie, el estribillo es magnífico hecho a la medida de la cruda y potente voz de Cormac. Los ritmos sencillos y con gancho se suceden en temas para no parar de mover la cabeza como: The Other Side, pegadiza y con una melodía de guitarra sencilla y genial, Aristocrat, tiene un inicio original con un riff vacilón y ritmo cabalgante sensacional, Cigarettes & Regret es diferente, mucho feeling y una melodía vocal que atrapa y confluye en otro estribillo marca de la casa, o el soberbio medio tiempo Last Days of Summer, con aires psicodélicos y cambios de ritmo adictivos, y descomunal solo de guitarra de Paul Mahon. Seguimos con la preciosa balada Strange Kinda’ Nothing, Cormac pone los pelos de punta, derroche de feeling vocal y acústico, me encanta su rollo in crescendo y su estribillo. Luego rock duro sencillo y directo con dos cañonazos llenos de ritmo como: I Am What I Am y Whiplash. Para continuar con dos temas de su línea más americana y comercial, aunque con su personalidad, como: Gone Too Long y, sobre todo, Red, sobresaliente single que se graba a fuego en tu cerebro, paradigma de uno de los mejores grupos de hard rock del siglo XXI. Para terminar este Notable disco, otro más para la colección, la homónima The Raise a Little Hell, con aires a los 70, armónicas sureñas geniales y un estribillo para enmarcar. The Answer demuestran que siguen siendo la verdadera respuesta y luz en el futuro del Hard Rock.

The Darkness - Last Of Our Kind. Otro gran grupo de Hard Rock, que tras dos grandes discos iniciales se separaron por los insondables del rock, pero que en 2012 se reunieron con un gran disco como Hot Cakes. Ahora regresan a la actualidad siempre liderados por Justin Hawkins, cuya personalidad y voz marcan la trayectoria de este grupo, que si no se llega a separar tras aquel One Way Ticket to Hell…, quizás hubieran sido los nuevos llena estadios, yo los vi en directo en aquella gira y sonaban sensacional. Ahora no llenan estadios, pero nos regalan otro gran disco de hard rock divertido, bailable, sencillo, directo, con grandes coros y estribillos todo sublimado por la voz y falsetes de Justin, que son soberbios y dan mucha personalidad los temas. El inicio es sorprendente con la super original Barbarian, de curioso ritmo que te atrapa y un estribillo donde lucen los gorgoritos de Justin, una gozada de tema. Open Fire, es diferente con un rollo de los 80 (con una aire a The Cult en las guitarras iniciales) pero con su ritmo cuasi bailable y con un estribillo muy pegadizo. Last Of Our Kind es 100% The Darkness, ritmo que te hace mover la cabeza y un estribillo tan efectivo como soberbio. Luego más hard rock sencillo y pegadizo en Roaring Waters, y Wheels of The Machine, un medio tiempo que engancha por su gran melodía y línea vocal. Otro tema diferente es Mighty Wings, de mis favoritos, con un inicio futurista, rollo musical, tema basado en grandes y crudos riffs de guitarra que van creciendo, y con un genial estribillo. La diversión, el buen rollo y el rock no cesan con: Muslide, con mucho boggie, Sarah O’Sarah, de gran melodía y línea vocal que confluyen en un estribillo diferente por la percusión, otra de mis favoritas. Para terminar Hammer & Tongs, más rock bailable que te atrapa, y el gran medio tiempo Conquerors, lleno de sentimiento vocal y buenas guitarras. Notable muy merecido para una banda que, desde mi punto de vista, merece más reconocimiento del que tiene ahora mismo.

The Night Flight Orchestra - Skyline Whispers. Curioso y sorprendente proyecto de Björn "Speed" Strid (cantante de Soilwork), junto con otros reputados músicos escandinavos en la línea heavy y death melódico, como Sharlee D’Angelo. No obstante, The Night Flight Orchesta nada tiene que ver con eso, son puro rock clásico, vacilón y bailable de raigambre setentera u ochentera, que nos acerca a Kiss, a Survivor o, incluso, a ABBA y a los Bee Gees. La segunda entrega mejora si cabe la primera, de nuevo estamos ante un disco valiente, diferente y lleno de personalidad, además es aún más variado y pegadizo, asentando su sonido sonando absolutamente originales y propios. Son rock suave y bailable desde la inicial Sail On, llena de ritmo y con un estribillo embriagador, aires cuasi discotequeros (un cruce entre Bee Gees y Survivor) en la genial Living For The Nighttime, cuyo ritmo atrapa tu mente y la hace moverse, original y sensacional tema con glorioso estribillo, de lo mejor del año, sin duda. Continúan haciendo mover nuestras cabezas con Stiletto, un "estilete" musical de melodía y ritmos llenos de buen rollo. El rock lleno ritmo y las melodías elegantes no cesan con Lady Jade, potente línea vocal en la que apreciamos la variedad de registros de Björn, I Ain’t Old, I Ain’t Young (me gusta el titulo) otro estribillo para fiebre del sábado noche, y una melodía muy Broadway. El nivel no decae en ningún momento, pasamos a All The Ladies, directa y pegadiza con uno teclados clásicos y estribillo que se graban en tu mente. Luego las originales guitarras españolas en el inicio de Spanish Ghosts, tema diferente con un ritmo delicioso y cadencioso, las melodías vocales de Demon Princess, que destaca por su gran estribillo y cambio de ritmo, gran trabajo del teclista Jonas Källsbäck. En el final influencia de Kiss y el divertimento de Road Less Traveled, y la trabajada llena de rollo de los 70 The Heather Reports, tema que va creciendo sobre una gran melodía y un gran cambio de ritmo con unas guitarras espectaculares. Broche de oro para un disco que por valentía, originalidad, calidad y capacidad de alegrarte el día (al menos conmigo lo logra) se merece un Sobresaliente, geniales.

Tremonti - Cauterize. Esperado, por mi, segundo disco Mark Tremonti (Creed, Alter Bridge) que ya en 2012 nos regaló un sorprendente disco de debut, All I Was era un discazo de rock duro/metal americano potente y melódico a partes iguales. Ahora regresa con Cauterize y mantiene el gran nivel de su primera obra. De nuevo, podemos apreciar su gran voz, que en Creed o Alter Bridge queda en segundo plano, y su descomunal técnica a la guitarra, con unos solos de un virtuosismo brutal, aseverándose como uno de los mejores guitarristas americanos de la actualidad. Cauterize abunda en la formula de melodías trabajadas y potentes riffs guitarra, gran sonido y variedad al combinar potentes y crudos cortes con magníficos medios tiempos y baladas. 10 grandes temas, para que más, desde la potente y cañera Radical Change, con un gran estribillo y unas guitarras tremendas, la cruda y de ritmo entrecortado Flying Monkeys, cuya melodía vocal central es sensacional y desemboca en otro pegadizo estribillo. La caña y la velocidad continúan con la homónima Cauterize, crudos riffs combinados con una melodía genial y un estribillo que te tiras repitiendo todo el día (time and time again…), como el gran estribillo de Arm Yourself. Luego Dark trip, el primer medio tiempo de melodía soberbia, la crudeza y ritmo cortante del primer single Another Heart, de gran melodía y mejor estribillo, y Fall Again, medio tiempo marcado por un poderoso cambio de ritmo. Para terminar la original y diferente Symphathy, pegadiza marcada por una melodía vocal y estribillo para enmarcar, y Providence, el mejor medio tiempo del disco de grandes guitarras y cambios de ritmo. Notable disco para uno de los músicos más en forma de la escena metal/rock actual.

La Columna Trajana sobre las ruinas del Foro de Trajano, rematada por la estatua de San Pedro colocada en el Renacimiento, y a la derecha el imponente y clasicista monumento en honor a Victor Manuel II, rey unificador de Italia.

Enero del año 98 el emperador Nerva, sucesor de Domiciano e iniciador de los llamados cinco buenos emperadores, muere de forma inesperada y le sucede TRAJANO, hijo adoptivo de Nerva y el primer emperador no itálico. Trajano era hispano, de Itálica, una ciudad muy cercana a Hispalis (Sevilla). En ese momento Trajano se encontraba en el Danubio defendiendo con éxito las fronteras del Imperio, de forma que viajó a Roma con celeridad para ser nombrado emperador. Y desde el inicio de su reinado se muestra cabal en su gobierno y respetuoso con el Senado. Tras una larga carrera militar plagada de victorias le tocaba ser emperador, y una de sus más relevantes decisiones es acabar con los bárbaros enemigos del imperio, y en ese momento la amenaza eran los Dacios. Pueblo bárbaro del norte del Danubio (actual Rumania), que desafió con éxito al Imperio en el año 87, cuando su rey Decébalo derrotó a una legión de Domiciano, lo que le obligó a pactar con los bárbaros, toda una humillación para Roma. Para impedir que Decébalo y su reino bárbaro se hicieran poderosos, Trajano decide marchar y ocupar la Dacia en el año 101, con la idea de crear una nueva provincia romana al norte del Danubio. La campaña fue un éxito y en el año 102 los Dacios son derrotados en Adamclisi, y su rey no tiene más remedio que firmar un tratado de paz con Trajano.

Estatua triunfal de Trajano

No obstante, Decébalo rompe con rapidez el acuerdo, al no estar conforme con sus condiciones, y en el año 105 ataca territorio romano, de modo que se inicia la segunda ofensiva contra los Dacios. Una campaña que se asentó en la gran estrategia de Trajano, de colocar torres de vigilancia a lo largo del Danubio. Y, sobre todo, de la construcción de un puente sobre el Danubio para facilitar el paso de las legiones. Una maravilla de la ingeniería de más de un kilómetro de longitud, que se construyó entre los años 104-106 bajo la dirección del gran arquitecto de la época, Apolodoro de Damasco. Un puente que facilitó la victoria romana en el año 106, tras duros combates, los romanos vencen y saquean Sarmizegetusa, la capital de los Dacios. Trajano había logrado su objetivo inicial, que era convertir el reino de los Dacios en una provincia romana, hecho que se consumó en el año 107. El imperio tenía una nueva provincia, pero además la exitosa campaña de Trajano supone un inmenso botín, el llamado tesoro de Decébalo, formado por grandes cantidades de oro y plata de las minas Dacias. Que sirvió para consolidar el reinado de Trajano y sanear las arcas del Imperio, muy afectadas por los desmanes de Domiciano.

Mapa de la Dacia Romana en el siglo II.

En ese año 107 Trajano regresó triunfal a Roma recibiendo las loas de su sobrino Adriano y del Senado. y se organizó un glorioso ceremonial acorde con el éxito del emperador. Incluso se repartieron monedas entre la plebe con la leyenda “Dacia Capta”, mientras Trajano, ataviado con la una suntuosa toga púrpura, avanzaba en un espectacular carro. Se hicieron sacrificios de miles de animales y se decretaban en honor de Trajano unos eternos juegos en el Coliseo, tres meses de juegos en los que murieron miles de gladiadores. Incluso seis días de naumaquias, las impresionantes recreaciones de batallas navales en lagos artificiales de los romanos. Tras la magna celebración Trajano utilizó el gran botín y riquezas de los Lacios para crear un programa de obras públicas que modernizaran Roma. Entre ellas destacan la reforma del puerto de Ostia, de la Vía Apia, y de las cloacas y red de alcantarillado. Construyó unas grandes termas en su nombre, y sobre el solar de la ostentosa y destruída Domus Aurea de Nerón levantó el llamado “Palacio del Pueblo”.

El Foro de Trajano y su inusitada escala comparado con los foros de César, Augusto y Nerva, con la gigante basílica Ulpia en transversal y el mercado también construido por Trajano y Apolodoro.

No obstante, la obra pública más ambiciosa era la creación de un gran Foro, el llamado Foro de Trajano. Diseñado por su arquitecto de cabecera, Apolodoro de Damasco, era fastuoso y de una escala nunca vista en la Antigüedad. Una enorme plaza porticada y con exedras en los laterales, dos bibliotecas y una inmensa Basílica o edificio para los asuntos públicos, la Basílica Ulpia, que estaba dispuesta de forma transversal. Un foro inédito en la Historia de Roma y del mundo en cuyo centro Trajano levantó su famosa Columna Trajana, inaugurada en mayo del año 113, como símbolo de una nueva era paz bajo el reinado de Trajano. Una columna de más de 30 metros de altura, formada por 19 bloques de mármol de Carrara de 40 toneladas cada uno, decorada con sublimes bajorrelieves que conmemoraban y vanagloriar las gestas de Trajano contra los Dacios.

Grabado del siglo XVII de G.B. Piranesi, que describe las escenas de la parte superior de la Columna.

Se relatan las batallas y campañas del emperador en la Dacia a lo largo de una cinta que se enrolla en forma de hélice o espiral, como si fuera un guión cinematográfico (un rollo de unos 200 metros en extensión) cuyas secuencias se disponen un sentido temporal y muy realista. 155 escenas en bajorrelieve de un detallismo soberbio alejado del idealismo, con un gran sentido narrativo e histórico, y un tratamiento plástico de un inusitado matiz impresionista y gran dramatismo. Un relato en espiral que el visitante podía completar desde su base hasta su cúspide, gracias a unas escaleras de caracol con 185 peldaños que llegaban hasta la parte superior o mirador coronado con una estatua de Trajano (desaparecida y sustituida por una de San Pedro en 1588 durante el Renacimiento). Dichas escenas cuentan con 2.662 figuras que muestran todas las vertientes y episodios de las campañas Dacias (ente los años 101 y 106) sobre una sólida base con una inscripción en soberbia escritura cuadrata romana que rezaba “El senado y el pueblo romano al emperador César Nerva Trajano Augusto Germánico Dácico (…) Imperator por sexta vez, cónsul por sexta vez, padre de la patria …".

Otro grabado de Piranesi en el que podemos apreciar la magna base con la cuadrata inscripción.

Los sublimes bajorrelieves estaban totalmente policromados, un colorido que daría mucho más realismo y detallismo a las escenas de arengas de Trajano, movimientos de tropas, batallas, asedios… en los que Trajano se muestra omnipresente, al parecer unas 59 veces a lo largo de su narración. La pérdida de color no ha restado calidad a unas escenas fantásticas cargadas de dramatismo, desde la inicial travesía por el Danubio y consejo de guerra de la primera campaña en la Dacia, pasando por el campamento, donde Trajano supervisa su construcción, por la marcha y los primeros prisioneros Dacios. Hasta la rendición de Decébalo y sus huestes, que aparecen suplicantes entregando sus armas a Trajano.

Magnífica recreación de National Geographic de los colores originales de los relieves de la Columna.

Se representa con igual detallismo la segunda campaña Dacia, desde la llegada a la costa Dalmata por la rebelión de los Dacios, pasando por escenas de batallas ganadas con Trajano, que es representado como vencedor dirigiendo los sacrificios a los dioses. Hasta la escena de la caída de la capital Dacia, Sarmizegetusa, siendo representados, con todo realismo, a sus habitantes deportados con sus enseres y animales. Y también, la muerte de Decébalo, ya en la cúspide de esta narración helicoidal, aparecen soldados romanos que llevan a Trajano, que está en el campamento, la cabeza del rey del Dacio, que se había suicidado antes de ser derrotado por Roma. Según el historiador romano Dion Casio, en una obra de un siglo posterior a Trajano, “ocupada su capital y todo su territorio, en peligro de caer cautivo, Decébalo se quitó la vida; su cabeza fue llevada a Roma. De este modo la Dacia quedó bajo dominio romano”. Todo una alarde de realismo y dramatismo que, obviamente, no es exacta al 100%, es una historia inspirada en Trajano, que hay que analizarla con toda la cautela histórica de lo que es una magnífica obra de propaganda.

Replica en yeso de una de las escenas de la Columna, Trajano, a la izquierda, es un omnipresente héroe que contempla como le entregan las cabezas de sus enemigos Dacios.

La columna narra el relato de la gesta de un héroe, el emperador Trajano, para algunos como el historiador del arte Filippo Coranelli es una obra fabulosa de grandes artistas, para convertir en eterna la memoria de Trajano, hecha por y para el gran emperador. Sin embargo, para Jon Coulston, experto de la Universidad de Saint Andrews, sus relieves son obra de canteros sin proyecto previo y nos salieron de la mente de un maestro. Coulston también llega a decir que “la gente está empeñada en verla como el “telediario” de la época (…) y caen en sobreinterpretaciones, como siempre. Los relieves de la columna son genéricos, la obra de obreros ordinarios. No podemos creer ni una palabra de lo que vemos en ella”. Respetando sus palabras creo que Jon también está reinterpretando bajo una visión muy sesgada la columna trajana. Comparto con él que se han interpretado ideas de la columna que no son ciertas, y que como con cualquier narración de propaganda de la Historia hay que tomar sus escenas con cautela. Pero no comparto para nada su trivialización de los maravillosos relieves de los que podemos sacar veraces conclusiones históricas:

Otra escena en la que apreciamos a las legiones romanas cargando con el célebre tesoro de Decébalo.

Como la vastísima dimensión del Imperio Romano en época de Trajano, momento de cenit de su extensión, al aparecer representados dentro de las legiones de Trajano soldados africanos, iberos, hispanos, germanos, todos podían ser y eran romanos. Y, por supuesto, ilustra de forma veraz y dramática las violentas batallas de las campañas de Trajano en la Dacia, las feroces legiones romanas contra los barbudos guerreros dacios. La columna no es ni más ni menos que la conmemoración de la gloria eterna de Trajano y la demostración ante el pueblo romano del poder del Imperio sobre los bárbaros (igual que Abu Simbel para Ramses II) basada en unas campañas bélicas reales que, evidentemente, al ser esculpidas pues se toman una serie de licencias. Es la contraposición entre la civilización romana y la supuesta barbarie de unos Dacios (exagerada por las fuentes romanas), ya que carecían de escritura pero manejaban con asombrosa habilidad la metalurgia y al orfebrería.

Vista actual de la imponente Columna Trajana.

En definitiva, tras 1900 años la Columna Trajana sigue siendo símbolo del glorioso poder de una Roma, que estaba en su gran momento del siglo II d.c. y del primer emperador hispano que lleva al imperio a la mayor extensión y prosperidad de su Historia. Toda una maravilla universal creada para hacer eterna la memoria de Trajano, que tras morir en sus campañas contra los Partos en Asia Menor en el año 117, es llevado por última vez a Roma. Sus cenizas fueron depositadas en la base de su columna, en el centro de su foro, gran epílogo de su vida y su reinado.

Fuentes y Bibliografía:

G. Bravo y J. Mangas. Roma. Vicens Vives, Barcelona 1998.

J. Alvar y J.M. Blázquez. Trajano. Actas, Madrid, 2003.

J.P. Sánchez. Trajano conquista la Dacia. Historia de National Geographic nº 122, 2014.

A. Curry. Descifrando la Columna Trajana. National Geographic, abril 2015.

Enlaces web recomendados:

http://www.nationalgeographic.com/trajan-column/

(Recreación interactiva e impresionante de la espiral de escenas de la columna por National Geographic)

http://www.nationalgeographic.com/trajan-column/article.html

(Artículo original de Andrew Curry y fotografías de Kennet Garret)

Fotografías:Wikipedia y National Geographic.

Diógenes sentado en su tinaja, Jean-León Gérome.

Hacia el año 412 a.C. nació Diógenes en Sinope, colonia griega fundada por los jonios en el Mar Negro (en la actual Turquia). Los primeros años de su vida son muy oscuros, realmente, conocemos su vida gracias a su homónimo Diógenes Laercio, historiador y filósofo griego del siglo III d.C. y su magna obra Vidas, opiniones y sentencias de los filósofos más ilustres. En la que repasa la biografía de los más importantes filósofos griegos desde Tales de Mileto hasta Epicuro, pasando por el maestro Sócrates y sus discípulos entre los que se encuentra la escuela cínica a la que perteneció Diógenes de Sinope. Gracias a Diógenes Laercio sabemos que su padre era un prestamista y banquero llamado Hicesias, que un día consultó al oráculo y decidió falsificar moneda, Diógenes ayudó en tal delito a su padre, y ambos fueron desterrados de Sinope. Curiosamente, la arqueología parece confirmarlo por el gran número de monedas falsas encontradas en Sinope datadas en esa fecha y firmadas por Hicesias.

Muerte de Sócrates, Jacques-Louis David.

Un hecho que marcó su vida, al verse obligado a errar por Esparta o Corinto hasta llegar a Atenas, donde se convirtió en discípulo de Antístenes, uno de los primeros discípulos de Sócrates, y que, según Platón, estaba presente en la muerte de Sócrates en el 399 a.C. Los pupilos de Sócrates, el gran maestro de la filosofía griega, fueron muchos, entre ellos destacan Aristoteles o Platón, este último que describe a su maestro como un pensador capaz de impulsar hacia la virtud a los demás y de dominarse a si mismo. La grandeza de Sócrates fue tal que surgieron numerosos escuelas filosóficas por la dispersión de sus pupilos tras su muerte. Una de ellas era en cinismo de Antístenes, que partiendo de las ideas socráticas llegó a la conclusión de que la civilización era el mal que lastraba la felicidad del hombre, la forma de vida ideal para alcanzar la felicidad es llevar una vida muy sencilla cercana a la naturaleza, despreciando las riquezas y los bienes materiales, esto es, lo superfluo. Antístenes vivía en las afueras de Atenas, al margen de las leyes y los convencionalismo sociales de Atenas.

Diógenes buscando el hombre honesto. Jacob Jordaens.

Diogénes decepcionado la forma de vida y superficialidad ateniense, conoce a Antístenes se empapa de su cinismo (muy diferente a lo que hoy entendemos por cinismo, como tendencia de falta de fe en la bondad humana expresada a través de la ironía y el sarcasmo) y llevó al extremo las directrices de la escuela cínica. Diógenes fue un alumno aventajado y superó a su maestro llevando al límite la forma de vivir austera, viviendo en la indigencia total al margen de leyes y costumbres de Atenas. Diogénes sublimó el cinismo filosófico griego al entregar su vida a la austeridad y el abandono personal de lo mundano, para denunciar la vanidad y lo superficial y artificioso de la conducta humana. Diógenes, el “Sócrates delirante” como el llamaba Platón, estableció su vivienda itinerante en su célebre tinaja y dormía a la intemperie en los pórticos de ágoras y templos.

Diógenes por Jules Bastien-Lepage.

Caminaba descalzo ataviado con su humilde capa, pero siempre estaba buscando nuevas formas de reducir su ya escasa dependencia de lo material. Como ejemplo en una de sus múltiples anécdotas (que habría que entender como una combinación de mito y realidad, pero son tantas que nos hacen ver que estábamos ante un indudable genio), un día caminando por Atenas ve a un niño bebiendo agua de la fuente con sus manos y entiende que no necesitaba cuenco o escudilla para el agua. De esta forma, Diógenes dice “este muchacho me ha enseñado que todavía tengo cosas superfluas", mientras tiraba su escudilla. Otro día al ver a otro niño que se le rompía su plato, se deshizo del suyo y empezó a comer sus lentejas en un agujero en su madrugo de pan. Además se dedicaba a llevar al extremo la libertad de la palabra, a criticar, satirizar con cinismo y denunciar los limites de la libertad del hombre como riquezas, leyes e instituciones. Otra de sus anécdotas fue que mientras Diógenes comía sus lentejas fue visitado por el filósofo Aristipo, que transigía y adulaba a las instituciones de Atenas y al rey. Aristipo le dijo “… si aprendieras a ser sumiso al rey no tendrías que comer esa basura de lentejas”, a lo que Diógenes replicó “… si hubieras tú aprendido a comer lentejas, no tendrías que adular al rey”.

La fábula de Diógenes, Giovanni Benedetto.

El cínico de la tinaja es célebre por su carácter irreverente y su actitud provocadora y obscena, ya que actuaba con total libertad en su vida. De manera que, para Diógenes ninguna actividad humana requería intimidad, hacía sus necesidades en público, en la calle, a la vista de todos. Incluso, un día se masturbó en el Ágora, plaza y centro neurálgico de Atenas, un acto que fue reprendido por muchos atenienses a los que el filósofo contestó “¡Ojalá, frotándome el vientre, el hambre se extinguiera de una manera tan dócil!”. Otro de sus grandes momentos fue cuando un hombre poderoso de Atenas le invitó a un banquete a su lujosa casa, con el único óbice de que no escupiera en su casa. Diógenes, en ese momento, empezó a aclararse la garganta con varias gárgaras y lanzó un esputo directo a la cara del noble ateniense, en su defensa dijo “que no había encontrado otro lugar más sucio donde desahogarse”.

Diógenes con su candil buscando hombres honestos, J. H. W. Tischbein.

Diógenes se enfrenta, constantemente, a las normas sociales y a los poderosos, se consideraba ciudadano del mundo. Rechazaba el politeísmo vigente, por considerarlo algo impuesto, humano y superfluo, y no procesaba ninguna fe en la humanidad, casi la despreciaba. Como ilustra su anécdota del candil, que alguien le había dejado en su tinaja. Diógenes entiende que no lo necesita y medita que hacer con el candil, finalmente, decide ir con el candil encendido en la mano y a plena luz del día por las calles de Atenas gritando “busco un hombre honrado que ni con el candil encendido puedo encontrarlo”, dando a entender que no podía encontrarlo ni de día y con la ayuda de la luz del candil. Contemporáneo de Platón, un día en la Academia escuchó la definición de Sócrates y Platón del hombre como “bípedo implume”. Para Diógenes era demasiado bondadosa con el hombre, de modo que, Diógenes desplumó un gallo, regresó a la Academia y soltó el gallo desplumado vociferando “Platón, te he traído a tu hombre” provocando las risas de sus discípulos y obligando a Platón a replicar ante los suyos. Platón acabó completando la definición de hombre como “bípedo implume de uñas anchas”, respondiendo con acierto al genio de Diógenes.

Diógenes mereció un lugar central en la Escuela de Atenas de Rafael, con su célebre pose tumbado y reflexionado, debajo de Aristoteles y Platón.

Nuestro delirante cínico era satirizado y admirado a partes iguales por los atenienses, a pesar de su indigente modo de vida era respetado por los ciudadanos de Atenas, por su feroz crítica a los convencionalismos sociales, a las diferencias de clases sociales y su nulo respeto de las normas autoimpuestas por la sociedad. Sublimó la doctrina del cinismo, como por ejemplo que los animales eran el paradigma perfecto de felicidad, como modelos de vida rebelde y autosuficiente. Por ello, Diógenes se hacía acompañar siempre de una jauría de perros con los que dormía y compartía su escasa comida y lentejas. Por ello muchos le llamaban “perro” y Diógenes les replicaba diciendo “¡Perros vosotros, que me rondáis mientras como!”. Cosmopolita y hombre de su tiempo también era crítico con los literatos que decía de ellos que leían los “sufrimientos de Odiseo” pero se desentendían de los suyos o los de la sociedad del siglo IV a.C.

Diógenes, John William Waterhouse.

De forma sorpresiva la vida de Diógenes le lleva a Corinto, según la fuente clásica cuasi mítica del también cínico Menipo de Gadara, Diógenes fue capturado por unos piratas cuando viajaba a Egina, y fue vendido como un esclavo. Al ser vendido se le cuestionó que sabía hacer y el gran cínico contestó “Mandar. Comprueba si alguien quiere comprar un amo”. Y es comprado por un noble llamado Xeniades de Corinto, que al comprobar el potencial del filósofo le convirtió en un hombre libre y en tutor de sus hijos. Lo que es seguro es que en Corinto residió hasta su muerte y fue donde se produjo la más relevante y destacada de sus anécdotas.

Alejandro y Diógenes, Gaspar de Grayer.

Alejandro Magno antes de marchar a conquistar Asia pide pasar por Corinto para conocer a Diógenes, el “cínico de la tinaja que vivía entre perros”. Alejandro, que había sido educado por el gran Aristoteles, al ver a Diógenes quedó admirado por ser diferente a todos los grandes sabios que había conocido. Se cuenta que Alejandro encontró a Diógenes reflexionando y tumbado al sol en la vía pública, como siempre. Al encontrarse frente al filósofo Alejandro inició la conversación diciendo “Yo soy Alejandro Magno”, a lo que Diógenes contestó “y yo, Diógenes el cínico”, entre el séquito del gran Alejandro corre el estupor ante la osadía de Diógenes “el perro”. Alejandro que pregunta el motivo de que le llamen “perro” y Diogenes le contesta de forma ingeniosa “porque alabo a los que me dan, ladro a los que no me dan y a los malos les muerdo”. Acto seguido el rey macedonio al ver sus condiciones de vida le pregunta que podía hacer para ayudarle, a lo que el filósofo replicó “puedes apartarte que me estás quitando el sol, no necesito nada más”. El séquito del gran rey bramaba contra el cínico de la tinaja, pero el magno Alejandro les mandó callar y dijo “si yo no fuera Alejandro querría ser Diógenes”, al quedar impresionado por el autocontrol y dominio de si mismo que tenía nuestro delirante cínico.

Estatua de Diógenes en Sinope.

Según la tradición, Diógenes murió en Corinto en el 323 a.C., año en el que también muere Alejandro Magno, al igual que sobre su vida, sobre su muerte también se cuentan distintas versiones y leyendas. Yo me quedó con la que cuenta que se suicidó por propia voluntad aguantando la respiración hasta su muerte, es la que más se amolda a la delirante y genial personalidad de Diógenes, Otra versión, también muy curiosa, cuenta que murió por un cólico provocado por la ingestión de un pulpo entero y vivo, aunque creo que es poco probable ya que comía bien poco. Sea como fuere el mayor cínico de la historia murió y sus últimas palabras fueron “tras mi muerte echadme a los perros. ya estoy acostumbrado”. En la actualidad se conoce a Diógenes, por un trastorno del comportamiento que en los años 70 del siglo XX fue bautizado con el nombre del cínico de la tinaja. El llamado “Síndrome de Diógenes”, esto es, un total abandono social y personal combinado con acumulación compulsiva de objetos y basura en las casas. Obviamente, es un error llamar a ese síndrome con el nombre de Diógenes de Sinope, ya que él hacía cualquier cosa menos acumular objetos materiales. En definitiva, estamos ante una mala utilización y inexactitud histórica de la ciencia, que al menos ha servido para el nombre del “cínico de la tinaja”, uno de los grandes pensadores de la Historia, se mencione en las televisiones y prensa del siglo XXI.

Bibliografía y fuentes:

Diógenes Laercio. Vidas, opiniones y sentencias de los filósofos más ilustres. Editorial Omega, 2003.
C. Garcia Gual:
- La secta del perro, vida de los filósofos cínicos. Alianza, Madrid, 2005.

- Vida de los Filósofos ilustres. Alianza, Madrid, 2007.

C. Cervera.La Historia de Diógenes de Sinope, el filósofo griego que vivía en el indigencia. ABC, Madrid. 2015.

Imágenes:Wikipedia y Wikimedia.

Reconstrucción del rostro de la niña de Dikika, National Geographic.

El extraordinario hallazgo se produce en diciembre del año 2000 cuando el equipo de Zeresenay Alemseged, director del Proyecto de investigación en Dikika, exploraba una árida ladera de esta región. Justo al otro lado del río Awash, en la zona del Rift Valley de Etiopía, a pocos kilómetros del lugar donde se descubrió el fósil más mediático de todos los tiempos, Lucy. Una hembra de australopithecus afarensis de 3,2 millones de años hallada en 1974. El nuevo fósil descubierto corresponde a una niña afarensis de 3,3 millones de años, cuyo esqueleto se revela como el fósil más completo de una cría de australopithecus.

Célebre esqueleto de Lucy.

La diferencia fundamental entre la niña de Dikika y Lucy, es que la niña, que murió siendo una lactante, tiene la cara y el cráneo completos, y puede arrojar mucha luz sobre como evolucionaban las crías de los afarensis, y sobre los orígenes de nuestra evolución. La niña más antigua del mundo fue hallada en esa depresión del Afar, una zona desértica marcada por el calor, las luchas tribales, el peligro de leones y hienas. Un sitio complejo para la búsqueda de fósiles de homínidos, pero que es quizás la cuna de nuestra evolución. En los trabajos de prospección de una de sus áridas colinas un colaborador de Zeresenay, Tilahun Gebreselassie, sacó a la luz el cráneo de una niña, muy simiesca pero que por su frente lisa y caninos rápidamente identificaron con un homínido. Un cráneo completo y en un gran estado de conservación, unido a muchos huesos de la parte superior del cuerpo y de sus extremidades.

Vista Satélite de la depresión del Afar en Roft Valley de Etiopía.

Zeresanay desconoce la causa de la muerte de la niña aféresis, no obstante debío ser arrastrada por el río Awash y sepultada bajo sedimentos, un hecho que sirvió para protegerla durante millones de años. Su esqueleto nos informa sobre los australopithecus, que combinaban rasgos simiescos con otros más dulcificados y humanos. Se sabe por sus hombros que aún trepaba a los árboles, pero el ángulo del fémur, desde la rodilla a la cadera, ilustra que ya era bípedo, que se desplazaba eficazmente sobre sus dos piernas. Por lo tanto, los afarensis eran bípedos en la estepa africana pero trepaban a los arboles en caso de necesidad. Muy probablemente nuestra niña de Dikika iría en brazos de su madre como nuestros bebes actuales. La niña de Dikika ofrece elementos hasta ahora inéditos en fósiles de australopithecus, a saber: tiene todas sus costillas colocadas como en vida pegadas a una simiesca columna vertebral, el juego completo de dientes de leche y dientes aún sin salir. Y lo que es más relevante conserva su hueso hioides, básico en la evolución del habla humana, y que puede dar mucha información sobre el aparato fonador de nuestros más lejanos antepasados.

Cráneo de la niña de Dikika.

La niña de Dikika es muy diferente a nosotros en la parte superior de su cuerpo: una cara muy simiesca con frente huidiza, nariz exigua y chata, cara alargada (aire a un chimpancé), platifecalia y arcos supraorbitales muy marcados, unido a unos hombros y brazos aún adaptados a la trepa de árboles. Pero, curiosamente, es muy similar a nosotros en la parte inferior de su cuerpo: en su rodilla, que tiene la rotula completa, en el hueso largo o fémur que se une a la cadera como un homínido más moderno, es decir, estaría bien adaptado a caminar erguido y bípedo.

Vista del río Awash.

Un detalle muy importante es que cuando nuestras extremidades inferiores se adaptan al bipedismo nuestros pies evolucionan y pierden la capacidad prensil de asir objetos. Lo que supone que las crías debían ser transportadas en brazos de sus madres, limitando la capacidad de supervivencia de las hembras de australopithecus y las hacía más dependientes del grupo y los machos. Un hecho que para muchos investigadores fortalece, con el paso de las generaciones y el andar del tiempo, los vínculos sociales, incluso puede ser nuestro germen de la generalización de la monogamia. Para Dean Falk, experto en desarrollo cerebral, esa indefensión de crías y hembras sería un estimulo que podría haber desarrollado la evolución del habla, la comunicación y el lenguaje. Es evidente que sería una gran ventaja evolutiva a la hora de proteger y tranquilizar a las crías en un grupo de homínidos.

Reconstrucción de un Australopithecus afarensis.

Tras estudiar el desarrollo de su dentición se llegó a la conclusión de que la niña de Dikika tenía tres años de edad, al no haber emergido aún sus molares permanentes. Su cerebro tiene un volumen de 330 centímetros cúbicos muy similar al de un chimpancé de la misma edad. No obstante, otros fósiles de afarensis adultos nos dicen que tienen un volumen cerebral superior a un chimpancé adulto, aproximadamente 600 centímetros cúbicos. Esto tiene una gran relevancia en el evolución humana, ya que nuestro cerebro tiene un periodo de crecimiento mucho mayor que el cualquier otro mamífero. Esto es, otros mamíferos al terminar la lactancia ya son independientes, sin embargo nuestra dependencia de los progenitores es mucho más dilatada.

Mapa de los hallazgos de australopithecus en África, cuna del proceso de hominización

Los australopithecus afarensis son vegetarianos, pero ese crecimiento cerebral va a tener otra consecuencia muy importante a largo plazo, el cambio de la dieta. Un millón de años después de Dikika o Lucy el Homo Habilis tenía un cerebro capaz de fabricar útiles para abastecerse de carne y tuétano de los huesos, cuyas proteínas son capitales en nuestra evolución. Abastecer nuestra materia gris supone un gasto de 1/5 parte de las calorías que consumimos. A medida que nuestro cerebro crece nuestra dieta tiene que ser más rica en nutrientes y proteínas. En consecuencia, al mejorar nuestra dieta nuestro cerebro se desarrolla y crece aun más, una retroalimentación que nos lleva a nuevas innovaciones y cerebros cada vez más desarrollados. Esa es clave la evolución humana, y el cerebro de la niña de Dikika estaría en el inicio de ese excepcional proceso de hominización. El extraordinario hallazgo de la niña más antigua del mundo nos retrotrae al momento fundacional de nuestra evolución, en el que el bipedismo y el crecimiento cerebral van a ir conformando homínidos cada vez más inteligentes y evolucionados.

Bibliografía:

Zeresenay Alemseged y otros. A juvenile early hominin skeleton from Dikika, Ethiopia. Nature 443, 296-301, 2006.

C. P. Sloan. La niña más antigua del mundo. National Geographic. Vol 19, nº 5. 2006.

Fotografias:Wikipedia y National Geographic España.

Impresionante vista del ábside vidriado de la Sainte Chapelle.

En el año 1226 Luís IX es proclamado rey de Francia, hijo de Luís VIII“el león” y la infanta Blanca de Castilla, hija de Alfonso VIII, que fue regente en sus primeros años. La influencia de su madre es muy relevante, al educar a Luís en el misticismo cristiano y la devoción absoluta. De modo que, Luís IX combinó sus tareas de rey con un radical ascetismo anacoreta, se autoflagelaba, compartía su mesa con leprosos o lavaba los pies a pobres en Jueves Santo. Por todo ello, también fue conocido como San Luís de Francia, perteneció a la orden de los franciscanos, toda su vida y gobierno estuvieron guiados por la devoción, además de su participación en las Cruzadas para recuperar Tierra Santa. Como rey devoto y asceta era conocido por su afán de coleccionar las grandes reliquias del cristianismo.

Luís IX "el santo". por El Greco a fines del XVI.

De manera que, Balduino II, último emperador latino de Bizancio, por necesidad de pecunia le ofrece la compra de la supuesta corona de espinas de Cristo, una de las grandes reliquias cristianas, y Luís no dudo en comprarla. La corona con la que crucificaron a Cristo llegó a Troyes en 1239 y, posteriormente, al Palacio Real de París. El devoto rey inicia su colección de reliquias del cristianismo, que completó hacia 1241 con la adquisición de otras nueve reliquias de la Pasión de Cristo, la mayoría del tesoro de Bizancio, esto es, Constantinopla. Destacando un fragmento de la Vera Cruz, la esponja empapada de vinagre que pusieron a Cristo en la boca en su crucifixión, parte de la supuesta sangre de Cristo, una pieza del Santo Sepulcro, y la célebre lanza de hierro con la que el soldado romano Longinos atravesó el costado de Cristo dándole muerte en la Cruz. Una colección de tal calado y culto para Luís IX que decidió levantar una capilla, junto al Palacio Real en la Isla de la Cité, para custodiar sus valiosas reliquias.

Miniatura de Las muy ricas horas del Duque de Berry, el libro de plegarías más importante del XV, ilustra el Palacio Real con la Sainte Chapelle a inicios del siglo XV.

Hacia el año 1242 se inicia la construcción de la Sainte Chapelle y en tan sólo seis años fue terminada, como la mayoría de las obras góticas se desconoce su arquitecto, aunque siempre se ha señalado como posible autor de tan magno proyecto a Pierre de Montreiul, que también fue el ideólogo que la ampliación de Notre Dame, orientado muy de cerca por Luís IX. La Sainte Chapelle es la cima absoluta y paradigma del gótico radiante francés, caracterizado por la sublimación de la altura de la bóvedas y de la luz, con reducción máxima del muro, que pierde definitivamente su función de sustento, y se llena de gloriosos vanos vidriados de colores.

Vista suprema del relicario de cristal y luz policroma.

Es el cenit de la luz divina del gótico siendo ideada como un enorme relicario traslucido de cristal. Se pensó y logró crear una capilla a modo de colorida obra de orfebrería en piedra, un grandioso relicario cuyo fin era contener las reliquias de la pasión. Sobre todo, esa corona de espinas de Cristo, mofa de los romanos en su crucifixión, era una pieza muy especial para los cristianos al simbolizar el reinado de Cristo sobre los cielos y la tierra, unión de poder divino y terrenal, que la Sainte Chapelle vinculaba a la monarquía de los Capetos. Una bóveda celeste y llena de luz multicolor para otorgar carácter sacro a la corona francesa. Luis IX quería supeditar el poder eclesiástico a la corona, el clero de la Sainte Chapelle era autónomo del obispo de París. En abril de 1248 se terminó y consagró el nuevo templo, y el obispo de París no acude al acto.

Fachada principal, único elemento integro del siglo XIII, rematada por la aguja de 75 metros de altura.

La lumínica y multicolor bóveda celeste fue creada gracias a la sublimación técnica y constructiva del gótico, gran empeño ascensional y perdida del carácter sustentante del muro, por el sistema extraído de la naturaleza de arbotantes y contrafuertes. Un cenit técnico que permitía llenar la Sainte Chapelle de vanos con vidrieras hasta cotas desconocidas hasta el momento. Las vidrieras tamizaban una sublime luz llena de múltiples colores, símbolo absoluto de Dios en el gótico, generando un edificio que parece levitar en ingravidez, liviano y lleno de una atmósfera de ascetismo espiritual. El refugio perfecto para el piadoso Luís IX, que entiende su capilla santa como lugar elevado y divino donde realizar sus constantes oraciones y actos de flagelación. Pasaba horas y horas en su capilla e incluso decía sentirse incomodo al escuchar misa en otro templo. Un capilla de una técnica constructiva audaz concebida como superposición de dos pisos o iglesias, siguiendo el esquema habitual de las capillas medievales, pero llevando al límite las posibilidades del gótico.

Vista de la capilla inferior con las flores de lis, símbolo de la corona francesa, y las columnas con castillos dorados, símbolo de Castilla.

La capilla inferior es la base o podium de la construcción por ello tiene mucha menos altura, vanos y luz, al sostener el peso de la gloriosa y sublime iglesia superior, cuyos sus muros casi desaparecen y se llenan de vidrieras. La capilla inferior es de unos 6,6 metros de altura y cuenta sublimes bóvedas ojivales con columnas azules y flores de lis, símbolo de la corona francesa, también columnas rojas con castillos dorados que simbolizan a la Castilla de su madre Blanca. Ambas miden 33 metros de largo por 10,7 de largo, pero la iglesia superior alcanza los 20,5 metros de altura. El edificio completo mide 36 metros de largo, 17 de anchura, y más de 42 metros de alto, sin contar la soberbia aguja que llegaba hasta los 75 metros de altura, la actual es del siglo XIX y es de madera, luego analizaremos la razón de esos cambios.

Capilla superior y su etérea e ingravida bóveda celestial

La capilla superior era la que albergaba las reliquias y estaba reservada al rey y la familia, se accedía a ella por una escalera de caracol desde la capilla inferior. La superior es una alarde cuasi sobrenatural del gótico, las verticales bóvedas de crucería trasladan los empujes hacia los pilares laterales exteriores, el muro se libera y es un horror vacui de ventanales vidriados. El reducido a la mínima expresión muro y la bóveda parecen flotar, un relicario de vidrio celeste y eterno en el que la luz lo inunda todo. Una luz celestial que llega por miles de ventanales con vidrieras: los de la nave miden más de 15 metros, y los vanos del ábside más de 13 metros. 15 gloriosas vidrieras que son el paradigma de la luz mística en consonancia con las palabras de Cristo “yo soy la luz del mundo”. Y Sainte Chapelle es el imperio de la luz divina del gótico, con la que querían lograr la abstracción y generar una sensación en el fiel de abandonar el mundo material y llegar al mundo espiritual, elevado y místico.

Otra vista de las vidrieras de la capilla superior, cenit de la luz del Gótico.

Orientada hacia el este, como todas las iglesias de la época mirando hacia donde nace el sol, la luz solar entra por las vidrieras generando efectos policromos y lumínicos sobrenaturales que debían sobrecoger al fiel del siglo XIII. Entre ventanales, en los finísimos pilares, las figuras de los doce apóstoles, las cuales han sufrido muchos destrozos y transformaciones, aunque se sabe que portarían los símbolos de cada apóstol. Nada menos que 750 metros de vidrieras, cenit de luz y color, cada una de las enormes vidrieras contaba con más de 100 escenas (unas 1113 escenas en total) que ilustraban la Biblia. Tanto el Antiguo como el Nuevo Testamento y la Pasión de Jesús, desde la historia del rey David hasta las últimas horas de Cristo. Además de menciones recurrentes a la corona francesa que quedaba vinculada al linaje de Cristo, incluso se representa a Luís IX con la célebre corona de espinas.

Rosetón del Apocalipsis en la fachada principal.

La fabricación de las vidrieras góticas era un trabajo de precisión y complejidad máxima, primero se hacía un boceto que se traslada a un cartón a tamaño natural. Luego se colocaban sobre el cartón las láminas de vidrio y eran cortadas con hierro al rojo vivo siguiendo las lineas del boceto. Tras eso se aplicaba el color, los perfiles y caras eran trazados con un pincel. Finalmente, se volvían a hornear esos fragmentos ya policromados de vidrio, y se unían como un complejo puzzle con laminas de plomo soldadas, verdaderos tapices o mosaicos de vidrio traslúcido. El conjunto de vidrieras se completa con un descomunal rosetón en la fachada principal, única parte que se conserva intacta como en el siglo XIII. Un gran vano circular de 9 metros de diámetro que contiene 87 escenas que narran e ilustran el Apocalipsis. En una tribuna, sobre un altar elevado, en el centro del abside de este relicario de cristal, se conservaban las reliquias de la Pasión de Luís IX.

Centro del ábside donde se colocaron las célebres reliquias de la Pasión.

Otra vista del sobrenatural y magno relicario de cristal.

Luís IX "el santo" muere en 1270, en el transcurso de la novena cruzada siendo víctima de la disentería que sufría todo su ejercito en Túnez. Y su divina y mística Sainte Chapelle quedó como su gran y admirado legado durante siglos. No obstante, la celestial capilla sufrió los estragos del tiempo, quedó muy dañada en un incendio en 1630, y fue totalmente expoliada y desmantelada durante la Revolución Francesa, siendo destruidas sus reliquias. El edificio estaba tocado de muerte y requirió una gran restauración en el siglo XIX, cuyo resultado fue magnífico, y es que la Sainte Chapelle que podemos disfrutar hoy en día guarda la esencia de luz divina y verticalidad gótica con la que fue construida. Quitando la fachada principal, todo es del siglo XIX, pero eso no resta ni un ápice de su sublimado y luminoso goticismo, que debe ser contemplado al menos una vez en la vida.

Bibliografía:

G. Duby.

- La Europa de las catedrales, 1140-1280. Skira, Barcelona. 1966.

- La época de las catedrales, arte y sociedad. Cátedra, madrid, 1996.

I. Monteria. La Sainte Chapelle. Historia de National Geographic nº 138, 2015.

Web:

http://sainte-chapelle.monuments-nationaux.fr/es/

Imágenes:

Wikipedia y National Geographic.

De nuevo nos sumergidos en la primera mitad del siglo XIX, un siglo convulso en lo político y romántico en lo artístico, momento de revoluciones y de un nuevo estilo artístico, el romanticismo. Marcado por la intensidad, el dramatismo, la pasión, el movimiento exótico y los contrastes violentos y lumínicos, que alcanzan su culmen en La Balsa de la Medusa del maestro romántico francés Théodore Géricault. Un autor que crea una monumental obra alejada de cualquier paradigma académico, llevando al extremo el ideario romántico de libertad absoluta en la creación, y extrayendo belleza del horror. Géricault utiliza para este monumental óleo (491 cm x 717 cm) la inspiración de un hecho real, una gran tragedia. En concreto el naufragio acaecido en julio de 1816 cuando la célebre fragata Medusa de la marina francesa encalló en la costa de África occidental, en la actual Mauritania. Quedando a merced del mar a unos 147 marineros, que estuvieron a la deriva durante 13 días en una balsa mal construida e improvisada. Murieron todos menos 15, presa de la desesperación, la sed, el hambre y el canibalismo. La tragedia se convirtió en un escándalo, ya que el inepto capitán, los oficiales y los tripulantes (de clase alta) utilizaron los barcas salvavidas, dejando al resto de la tripulación abandonada. Un acto de crueldad, que salpicó a la recién restaurada Monarquía borbónica francesa.

Centro de la doble composición piramidal que emana dramatismo.

El Vizconde Hugues Duroy de Chaumereys fue nombrado capitán de la fragata a pesar de que llevaba 20 años sin navegar. La misión de la fragata era la devolución a Francia de la colonia inglesa de Senegal tras la Paz de Paris, favorable a los franceses. La navegación fue rápida e inexperta y provocó el naufragio de la fragata con sus 400 tripulantes, en los barcos salvavidas sólo cabían unos 250, el resto se apiñaron en una balsa construida con celeridad. En inicio, la balsa fue arrastrada, pero tras unas pocas millas quedó a la deriva. La primera noche ya fallecieron 20 marineros, por suicidios o asesinatos provocados por la nula cantidad de provisiones.

Parte superior con las cimas de las pirámides y tempestuoso mar de fondo.

Tras 13 días en el mar fueron rescatados con vida sólo 15 navegantes, los demás habían sido víctimas de la desesperación, la inanición y el canibalismo. Lógicamente, fue un escándalo social de una gran repercusión, la nueva Monarquía francesa abandonaba a sus ciudadanos a su suerte por ser de condición social menor. Se intento tapar la vergüenza de tal hecho, pero Géricault lo inmortalizó para que nunca se olvidara unos de los hechos más crueles que se recuerdan, y como muestra de que la Monarquía abandonaba a su suerte a sus ciudadanos. En palabras del propio artista “Ni la poesía ni la pintura podrán jamás hacer justicia al horror y la angustia de los hombres de la balsa”. Es un cuadro de historia, de crítica política y social abordado con un realismo y dramatismo cuasi insuperables.

La pirámide de moribundos y cadáveres cuya cúspide representa la esperanza de los intentan aún ser rescatados.

En la Balsa de la Medusa, Géricault nos revela con total intensidad esa vejación, desesperación y situación de abandono que sufrieron los tripulantes de la desvencijada balsa. Todo se expresa con gran emotividad, desmesurado dinamismo y dramatismo personificado en los rostros, escorzos, gestos y movimientos de los náufragos de la balsa. Sus rostros trasmiten variadas emociones desde la desesperación a ciertos aires de esperanza, todo perfectamente resaltado por una luz sobrenatural, los contrastes de luces y sombras abundan en el dramatismo de la escena. Una balsa que se nos presenta en oblicuo, movida por las olas, en la que los balseros se mueven con un dinamismo dramático que les hace estar constreñidos en el espacio, con un tempestuoso y oscuro telón de fondo.

La piramide de la desesperanza con la vela que sopla hacia la muerte.

Géricault utiliza una excelsa composición piramidal doble, las figuras de náufragos se estructuran en dos pirámides: una de las pirámides está formada por los cadáveres y moribundos hasta llegar a la cúspide, donde se vislumbra un pequeño halo de esperanza. Dos de los balseros mueven desesperadamente telas para poder ser vistos por el barco de rescate, el Argus, insinuado como un mínimo pigmento en el horizonte. Y la otra pirámide está formada por el resto de figuras y la vela movida por el viento, que curiosamente, sopla en la dirección contraria alejando a la balsa del barco de rescate, añadiendo dramatismo y fatalismo a la escena.

Detalle de los dos balseros que tratan de hacerse ver y ser rescatados por el Argus, punto exiguo del fondo.

La acumulación de personajes sobre la balsa compone un espacio lleno de teatralidad, reduciendo tanto el espacio que el cuadro no cuenta con el punto de fuga de la perspectiva clásica. Unas figuras que parecen hechas de cera, de palidez cadavérica, gracias a una gama de colores escueta. La paleta se reduce del gris al negro, y del beis a los colores pardos con claroscuros. Todo ello contribuye a lograr una atmósfera angustiosa y marcada por la desesperanza, unos colores que nos inducen al fatalismo y la muerte. Unido a una pincelada suelta y rápida, que deja difuminados los contornos de las figuras.

Detalle del anciano resignando a su suerte,

Para los cuerpos cadavéricos de los balseros Gericualt estudió cadáveres y se inspiró claramente en las figuras hercúleas de Miguel Ángel. Por lo que amalgamaba la belleza y el horror, los musculosos cuerpos de los náufragos desprenden dramatismo, pánico y temor a la muerte a la par que belleza. En el Romanticismo la belleza también era emanada por el horror y drama del realismo, la deformidad o la desgracia. El realismo y la fatalidad están expresadas en las expresiones de los personajes que son muy variadas. Desde la desesperada esperanza de los que intentan hacerse ver por el barco de rescate, pasando por la angustiosa expresión de muchos, hasta la resignación del hombre que da la espalda al rescate con su cabeza apoyada en la mano (en un gesto de sublime realismo) y que a sus pies yace su hijo muerto.

Parte inferior en la que apreciamos el movimiento dramático y los escorzos de puro romanticismo.

En definitiva, estamos ante una sublime demostración de como un cuadro puede ser histórico y social a la vez. Ilustra un pasaje histórico dramático y, del mismo modo, critica las diferencias sociales y la desastrosa gestión política de la nueva Monarquía francesa. Géricualt denuncia una brutal injusticia y aprovecha para sublimar el dramatismo y movimiento del Romanticismo, extrayendo belleza del horror y el fatalismo humano. Estamos, por lo tanto, ante otro inmenso icono universal que transciende la pintura para convertirse en símbolo de una sociedad y una época concreta.

Freak Kitchen - Cocking with Pagans. Nuevo disco de una de mis bandas favoritas, Freak Kitchen, liderada por el mago sueco de la guitarra Mathias IA Eklundh. Cinco años después de su magnífico Land of the Freaks, Mathias regresa con otro gran disco de rock/metal fusión lleno de buen rollo. Y en este caso su sonido, propio y único, se ve acentuado por su nueva guitarra Caparison Apple Horn 8, de ocho cuerdas que, si cabe, le da al disco un plus más de groove y calidad orquestal. Es curioso como Freak Kitchen son puro hard rock ecléctico e inclasificable, pero, a la par, son accesibles por sus melodías y estribillos ultra pegadizos. Además de mostrarse como un grupo crudo con una producción cercana a la inmediatez del directo, mantienen sus letras llenas de humor y contenido social. No hay más que escuchar Professional Help, Freak of the Week, Sloopy, la excelente y llevada a su terreno versión del Goody Goody de Benny Goodman, la ultra pegadiza Matematics of Defeat o la divertida declaración de intenciones que supone I Don’t Want To Golf. Recomiendo encarecidamente a todos los que no hayáis escuchado Freak Kitchen que os acerquéis a su discográfica y a su Sobresaliente y último Cooking With Pagans, descubriréis uno de los grupos más originales y atractivos del rock de la última década.

Heartist - Feeding Fiction. Nuevo grupo americano que irrumpe con fuerza en el panorama Roaddrunner Records, tras un Ep muy interesante de hace un par de años, se confirman como grata sorpresa del nuevo metal/rock americano. Combinando diferentes estilos, desde el hardcore más accesible, pasando por punk/rock, y, sobre todo, mucho Metal que combina la potencia y grandes melodías. Los estribillos son magníficos junto con una gran base rítmica se nos revelan en temas como: What Kind Of World, Black Cloud, Skeletons o Pressure Point, tremenda muestra del mejor metal contemporáneo de gran melodía y estribillo. Auguro un gran futuro a esta banda, y creo que incluso pueden mejorar este Interesante y potente Feeding Fiction.

In Flames - Sirens Charms. Nuevo disco de los suecos In Flames, que hace tiempo que abandonaron su linea de death metal melódica, para desgracia de algunos de sus fans y para el deleite de otros. Desde el magnifico y diferente A Sense of Purpose, cada disco de In Flames es un mundo distinto en el que exploran una nueva vertiente más accesible y, del mismo modo, original y compleja. Sus fans clásicos están totalmente desencantados por la falta de guturalidad en la voz de Anders Fridén y la deriva del grupo hacia una estética y un sonido más alternativo. Pero, sinceramente, yo estoy encantado, quien quiera los In Flames clásicos que vuelva al The Jester Race, yo abogo por la evolución musical y este Sirens Charms me ha encantado. Al igual que su anterior Songs of a Playground me quedó frío, pero eso significa arriesgarse y ofrecer cosas nuevas, unas veces encaja y otras no. Desde la inicial In Plain View nos encontramos con unos In Flames inspirados en temas llenos de potencia y excelentes estribillos, incluso agresividad en la destacada Everything's Gone. Una accesibilidad bien entendida y asentada en temas tan originales como Paralyzed, de mis favoritos por su gran estribillo, o la alternativa Through Oblivion y la magnifica melodía de With Eyes Wide Open. El nivel del disco es muy alto combinando crudeza When The World Explodes con modernidad y melodía en Rusted Nail. Notable trabajo de In Flames, que decepcionara a sus clásicos fans, pero que se ganara a otros nuevos.

Islander - Violence & Destruction. Seguimos hablando de metal moderno con otra nueva banda americana, en concreto de Carolina del Sur, que al igual Heartist lanzan su primer larga duración al mercado. Y tienen un sonido genial, diferente, potente, crudo y ecléctico, al combinar muchos elementos del metal contemporáneo groove, post, rap, amalgamados con el metal. Y el resultado es magnífico guiado por la magnífica voz de Mikey Carvajal, no hay más que escuchar temas como The Sadness of Graves o Coconut Dracula para apreciar que estamos ante un grupo diferente y con mucho futuro. Interesantes los Islander, grupo 100% recomendable para amantes del metal heterogéneo, que no se detiene a pensar en etiquetas.

Judas Priest - Redeemer Of Souls. Del metal más moderno vamos al Heavy Metal más clásico de la mano de los eternos Judas Priest. Tras su fallido experimento que fue Nostradamus (aunque tenía grandes temas e ideas no caló entre sus fans, quizás por exceso de densidad) y la marcha de K.K. Downing, los Judas vuelven a su formula tradicional metal clásico sin artificios. Redeemer Of Souls es una forma de congraciarse con sus fans más clásicos, desde las iniciales Dragonaut o Redeemer Of Souls todo es 100% heavy de excelentes guitarras y estribillos en los que reinan la nueva linea vocal media del gran Halford. También hay espacio para el metal épico y desarrollado en Halls of Valhalla o Sword of Damocles, pero enraizando su sonido en sus discos clásicos. Temas de guitarras pesadas como March of the dammed, de mis favoritos por original, al igual que la pegadiza Down In Flames. Gran medio tiempo como Hell and Back y la interesante Cold Blooded, nos presenta unos Judas también modernos. Para volver al metal con Metalizer, todo un nuevo clásico, pero se intercala Crossfire con mucho boogie en las guitarras, otra diferente y que se agradece. Para terminar con épica y mística de Secrets of the Dead o The Begining of the Dead. Y en un segundo disco nos regalan 5 temas extra con mucho rollo rockero y una excelente balada Never Forget, quizás uno de sus mejores temas lentos. Notable disco de Judas, e incluso variado, que evidencia que hay grupos clásicos que nunca mueren.

Killer Be Killed - Killer Be Killed. Otra de las gratas novedades del año es el proyecto de Troy Sanders (Mastodon), Max Cavalera (Soulfly, Sepultura, etc.) Greg Puciato (Dillinger Scape Plan), y el bateria Dave Elich (The Mars Volta). Un supergrupazo que nos regala un gran disco para los amantes del metal contundente, el que el sonido cuasi perfecto es la principal seña de identidad. La producción es sublime tanto en las guitarras y la batería, como en las voces, la combinación de las voces de Troy, Max y Greg es absolutamente sublime y medida, el ejemplo es el single inicial Wings Of Feather And Wax, desde mi punto de vista, uno de los temas metal del año, sino el mejor. Potencia y mediodía combinadas con total perfección, 100% metal del siglo XXI. El disco es sensacional y variado combinando muchas influencias, desde la rabia trashcore de Face Down, pasando por los arreglos y aires progresivos de Melting Of My Marrow, la crudeza de Snakes Of Jehovah, la melodía y estribillo de Curb Crusher. Son magnificas también la progresiva Save The Robots, Dust into the darkness, otra muestra de perfecta amalgama vocal o la final Forbidden Fire. Nuevo y Notable grupo con mucho futuro, el sobresaliente lo reservo para su siguiente obra.

Mike Tramp - Museum. Tras su destacado e intimista Cobblestone Street, Mike Tramp, la gloriosa voz de White Lion, regresa con Museum otra joya musical llena de emotividad, feeling y clase vocal. Canciones de bellas y acústicas melodías que llevadas por su excelsa voz suponen todo un regalo para nuestros oídos. Un disco para relajarse y disfrutar de toda una delicia musical llena de temas de gran belleza, desde el primer acorde de Trust in Yourself, su guitarra acústica y su voz ponen la piel de gallina. Aires americanos y mucha personalidad en New World Coming o Down South, puro sentimiento, profundidad vocal y calidez en Better, Freedom o Commitment. Un disco para emocionar hasta la final y deliciosa Time For Me To Go. Nunca un disco tan básicamente acústico me había llegado tanto, Notable alto para Mike por clase, belleza e intimísimo musical.

Neal Morse - Songs for November. Y seguimos con la belleza musical del mejor hard rock de la mano de uno de los mejores músicos del rock, el polifacético y multinstrumentista Neal Morse. Después de ofrecer con Transatlantic, quizás el mejor disco progresivo del año, ahora se centra en su faceta más rock duro clásico con unos arreglos, coros y estribillos que enamoran. Songs for November es accesible, bello, elaborado, con otra producción para enmarcar, en el que da rienda suelta a sus influencias jazz y blues mezcladas con un hard rock que, personalmente, me ha encandilado. Combina el piano, el saxo y el órgano en grandes y pegadizas canciones de rock con pinceladas de blues y jazz, como en Whatever Days o en el sublime single Heaven Smiled, con un espectacular coro gospel. Aires country acústicos en Flowers in a Vase, tremendas y deliciosas baladas como Love Shot and Arrow o Tell Me Annabelle. La pegadiza Song For The Free, es una delicia de rock con aires folk, con un estribillo y coro insuperables. En definitiva, un disco que seduce en cuanto le damos al play, Sobresaliente para Neal Morse, Songs of November es elegancia y clase en su máxima expresión.

Opeth - Pale Communion. Estamos ante otro grupo que ha cambiado su estilo musical, para desgracia de algunos y deleite de otros, entre los que me encuentro. Ya su anterior y sublime Heritage suponía un radical cambio de rumbo musical, y Pale Communion no hace más que confirmar que Opeth han dejado tras su metal/black progresivo para hacer rock progresivo, intimista y atemporal. Las atmósferas de teclado son sublimes, las guitarras son un constante devenir de escalas prog, los juegos vocales y las armonías están llenas de elegancia. Y es que estamos ante un disco para paladear con tranquilidad, apreciando sus miles de matices y detalles musicales que nos regalan Mikael Åkerfeldt y los suyos. Steven Wilson ayuda en una producción con un sonido perfecto clásico y añejo, a la par que modernizado. Las canciones, pues para escuchar y disfrutar desde la inicial Eternal Rains Will Come, donde ya vemos las señas de identidad del disco, nada de voces guturales ni riffs machacones, sólo puro prog rock de muchos quilates. Cusp Of Eternity, es el tema más “directo” con un gran ritmo y riff de guitarra y unos coros estelares, el progresivo puro de Moon Above, Sun Below, donde luce la voz de Mikael y su nuevo registro. La atmósfera acústica de Elysian Woes, los grandes teclados clásicos de Goblin, la elegancia y delicadeza de las armonías vocales y de guitarra en River, sublime tema, o de Voice of Treason, llena de escalas y cambios. Opeth cambian de estilo para llegar a la Sobresaliente excelencia y ofrecer obras maestras del rock como Pale Communion.

State of Salazar - All the Way. Otro disco de debut, tras un Ep esperanzador, que confirma que estamos ante una gran banda sueca de AOR/West Coast. Aires americanos en un grupo escandinavo, parecen haber nacido en San Francisco y no en Suecia. Sus composiciones son melódicas y están llenas de grandes estribillos, elegantes armonías de guitarra, acertados coros y un sonido que combina la delicadeza y la efectividad. Los fans de los sonidos AOR disfrutaran del brillo de temas elegantes y pegadizos, como las iniciales I Believe in You, Field Of Dreams o All The Way, llenas de buen rollo y delicadas melodías y estribillos. La línea se mantiene con Love Of My Life, balada de piano 100% West Coast, las melodías vocales de Eat Your Heart Out, o los grandes coros de Time to Say Goodbye. Optimismo y rollo pegadizo de Adrian, otra gran balada como Let Me Love, llena de feeling o el gran estribillo de Always. En definitiva, Notable disco que hará las delicias de los oídos que aprecien los sonidos más melódicos y armónicos del hard rock.

Theory Of a Deadman - Savages. Grupo canadiense que está pegando muy fuerte, ya con su quinto disco de estudio y paso a paso van asentando su personalidad y sonido propio, alejándose de sus iniciales e inevitables comparaciones con otras bandas como Nickelback. Lo apuntado en Scars and Souvenirs o The Truth Is… se confirma en este Savages y es su apuesta por el hard rock/metal lleno de contundencia y modernidad, combinado con singles algo más americanos en los que reina la voz de su líder Tyler Conolly. Unen la densidad y los riffs modernos de Drown, con aires más comerciales en Blow, pasando por grandes temas de hard rock enérgico como Savages, en el que colabora Alice Cooper. La potencia de Misery of Mankind, rollo comercial alternativo bien entendido de Salt In The Wound, la pegadiza y llena de feelingAngel. Variedad es la palabra que define el nuevo disco de Theory y la línea heterogénea se mantiene con la contundencia/stoner de Heavy, Panic Room, o el rollo americano de World War Me, junto con otros cortes llenos de melodía como la gran balada The One, o el medio tiempo acústico Livin' My Life Like A Country Song. Notable para Theory Of A Deadman, otro grupo que disfrutaran los amantes del rock/metal americano de variedad y gran sonido.

Unisonic - Light of Dawn. Segundo disco de Unisonic, que supone la confirmación y la mejora de las bondades apuntadas en su homónimo debut. Puro hard rock/metal melódico de muchos quilates, elegancia y calidad guiado por la clase de Michael Kiske, cuyo timbre de voz, único y personal, lo inunda y mejora todo. El sonido es espectacular, no podía ser de otra forma con Dennis Ward, las guitarras de Mandy Mayer y Kai Hansen son impresionantes, alucinantes solos doblados que recuerdan a las mejores épocas de metal melódico y las canciones son variadas y con un gran nivel. Tenemos temas que recuerdan, por clase y potencia, a los mejores momentos de Helloween, como la inicial You Time Has Come, un verdadero cañazo, o la magnífica For The Kingdom. Temas llenos de personalidad y hard rock como Exceptional, de excelente estribillo, donde la clase de Kiske brilla con luz propia, o la pegadiza Not Gonna Take Anymore, muy happy y original. Night of the Long Knives es hard rock con una melodía muy original, la potencia y los aires helloween de Find Shelter, de gran estribillo. La melodía genial de When the Deed is Done, el gran medio tiempo Blood, o la balada You And I, puro soft rock y sentimiento. Notable alto para Unisonic, todo un placer tener la confirmación de que estamos ante un verdadero grupo, que destila clase y calidad y nos permite escuchar a la voz melódica por excelencia, un Kiske recuperado para la causa.

Reconstrucción del rostro de la niña de Dikika, National Geographic.

Célebre esqueleto de Lucy.

Vista Satélite de la depresión del Afar en Roft Valley de Etiopía.

Cráneo de la niña de Dikika.

Vista del río Awash.

Reconstrucción de un Australopithecus afarensis.

Mapa de los hallazgos de australopithecus en África, cuna del proceso de hominización

Bibliografía:

Zeresenay Alemseged y otros. A juvenile early hominin skeleton from Dikika, Ethiopia. Nature 443, 296-301, 2006.

C. P. Sloan. La niña más antigua del mundo. National Geographic. Vol 19, nº 5. 2006.

Fotografias:Wikipedia y National Geographic España.

Fachada de la Catedral.

Desde mediados del siglo XII se produce un florecimiento cultural europeo marcado por una evolución del pensamiento con el despertar del humanismo. Surge una nueva estructura social más artesanal/burguesa y un progresivo aumento del poder de las Monarquías, todo esto va a influir en el desarrollo de un nuevo arte, el Gótico. Un gótico que es artesanal y burgués, frente al feudal y monástico románico, y cuya mayor representación son las grandes catedrales urbanas, cenit arquitectónico inigualable en verticalidad, luminosidad y naturalismo (la técnica de arbotantes y contrafuertes está basada en las nervaduras ligeras y resistentes de las plantas). El gótico nace en Francia, aunque Vasari en el siglo XVI lo denominó gótico al creerlo de origen germánico, y se extiende por Alemania, Italia, Inglaterra y España. El desarrollo del gótico en España está muy ligado a la influencia del Camino de Santiago, y, obviamente, tiene muchas concomitancias con el francés. Destacando la Catedral de León como mejor y más perfecto paradigma del gótico clásico de influencia francesa del siglo XIII, coetáneo de Amiens o Reims.

Vista nocturna de la catedral, con su triple pórtico ojival.

La catedral de León destaca por ser la más pura de las catedrales góticas españolas, con una relevante unidad estilística totalmente inusual en la península, y por ser cenit de la iluminación con un extraordinario conjunto de vidrieras. El templo inicial se construye en tiempos de Ordoño II que cedió el solar de su palacio, luego en época de Alfonso VI y por iniciativa de la infanta Urraca de Zamora se construye una Catedral románica, que sería lógico pensar que seguiría las pautas románicas de la basílica de San Isidoro de León. La catedral gótica, sobre la anterior románica, se inicia a mediados del siglo XIII gracias al interés de Alfonso X "el sabio", ya rey de Castilla y León, con la idea de hacer una catedral eternamente gótica, siendo elegido para tal empresa el célebre Maestro Enrique (que también trabajo en la catedral de Burgos y es posible que fuera originario de Francia). Siendo sustituido tras su fallecimiento en 1277 por Juan Pérez, pero el plan siguió intacto crear un catedral puramente gótica inspirada en las catedrales de Champaña francesa, intentando superar su empuje ascensional y su esplendor lumínico.

Rosetón y vidrieras del triforio.

Los muros quedan reducidos a la mínima expresión, todo es color, luz y vidrieras para conectar con hombre con la espiritualidad divina. La ligereza del muro se combinó con unos serios problemas constructivos en los cimientos desde el inicio de su construcción, al estar asentando sobre unas termas romanas y otras construcciones anteriores. Además la piedra caliza empleada no era de la máxima calidad, en ello reside también la grandeza de su inverosímil ligereza, muchos pensaron que no llegaría a terminarse ni a mantenerse nunca. Esos problemas constructivos explican la célebre leyenda del topo, que por la noche destrozaba lo construido por el día, y que acabo siendo matado por los leoneses y su piel colgada en la catedral, el topo sería una metáfora del déficit de cimentación y piedra.

Vista exterior del ábside, con los livianos arbotantes naturalistas.

León es el paradigma del gótico clásico de raíz francesa, con la altura y esbeltez de sus torres rematadas por pináculos, sus arcos ojivales y magníficas bóvedas de crucería, cuyos empujes son soportados por los contrafuertes y livianos arbotantes exteriores. La verticalidad y luz celestial de las vidrieras, frente a recogimiento e intimísimo románico. Cuenta con una fachada estructurada en tres arcos apuntados abocinados decorados con arquivoltas, jambas y magníficos relieves, rematada con un gran rosetón central que ilumina la nave central. La planta es basílical con tres naves hasta el transepto, nave transversal que corta la nave principal horizontalmente, y desde el transepto a la cabecera y altar se desarrolla en cinco naves. Es decir, cuenta con una gran cabecera, para acoger a más fieles, lo que se denomina macrocefalia, por la influencia del Camino de Santiago. Toda la planta y naves están cubiertas por bóveda de crucería cuatripartita.

Puerta principal, cenit de la escultura gótica española.

La nave central tiene 90 metros de largo y 30 de altura y se une a las naves laterales, de unos 15 metros de altura, a través de la girola o deambulatorio, que permite el paso de los peregrinos por las diferentes capillas hexagonales que jalonan dicha girola, destacando la capilla de la Virgen Blanca. Del exterior destaca el visible y sublime sistema de arbotantes, centrado principalmente en el ábside, donde los arbotantes alcanzan mayor altura y esbeltez. Esos arbotantes desvían los empujes de la bóveda y permiten aligerar el muro con miles de vidrieras policromas, de las luego hablaremos.

Tímpano de Juicio Final, Cristo juez en el centro.

La fachada occidental, es la puerta principal de la catedral, cuenta con un triple pórtico de vanos ojivales, rematado por el rosetón y flanqueado por dos gloriosas torres que se elevan hasta los 65 y 68 metros de altura. La fachada constituye el cenit de la escultura gótica española de raigambre francesa en el siglo XIII, el gran conjunto escultórico se extiende por jambas, arquivoltas, tímpanos y parteluces de las fachadas. Las figuras se nos presentan con un gran humanismo y naturalismo, frente a la frialdad e hieratismo del románico, con expresiones individualizadas en los rostros, detallismo en los ropajes e incluso un logrado movimiento. En el tímpano de la portada central se desarrolla el tema del Juicio Final, en la destaca la figura de Cristo juez que nos muestra sus estigmas. Bajo ese timpano y arquivoltas tenemos la figura del parteluz, la más destaca de la catedral, la llamada Virgen Blanca, humana y sonriente, cuyo original reposa en una capilla interior, para preservarla. Las portadas laterales están dedicadas: a San Juan Bautista, a la izquierda, mostrando en el timpano la Natividad, y a San Francisco la de la derecha.

La célebre Virgen Blanca del parteluz.

Cuenta con otras dos fachadas: la sur, que sufrió gran parte de los problemas constructivos (en la actualidad aún en obras) destaca por su vano ojival central, la célebre Puerta del Sarmental. Con un excelente tímpano que representa a Cristo majestad o Pantocrator, rodeado por los símbolos de los evangelistas o tretamorfos. En el parteluz la destaca figura de San Froilán, patrón de León. Y la fachada norte, cuya visibilidad se ve lastrada por la presencia del claustro (que fue construido a inicios del siglo XIV bajo cánones cistercienses) destaca por su portada central policromada de la Virgen del Dado, que reposa en su parteluz.

Fachada sur (aún en obras) con el mismo sistema tripartito y la Puerta del Sarmental en el centro.

Del interior además de la girola, y el triforio gótico en el segundo piso, hay que destacar el primer lugar el altar mayor en el ábside hacia donde se dirigen inexorablemente nuestros pasos y miradas. Ocupado por un precioso retablo gótico, formado por cinco tablas del original (pérdido) de Nicolas Francés, que narra la vida de San Froilan. Sobre él nos encontramos con uno de los puntos más sublimes y bellos que jamás haya contemplado, los sublimes ventanales de vidrieras que tamizan una luz celestial. Detrás del altar mayor, y frente a la capilla de la Virgen Blanca, hay que destacar el famoso y magnifico Sepulcro del Rey Ordoño II de León.

Altar y retablo góticos.

En el centro, detrás de esa sublime vista, encontramos con un magnífico Coro, con una sillería gótica del siglo XV, hecha en nogal, que es de una belleza y riqueza de detalles sobrenatural. Tras el coro encontramos el único elemento no gótico de la catedral, el altar plateresco del famoso Juan de Badajoz el Mozo.

Sublime vista del ábside desde el coro.

Pero si algo llama, soberanamente, la atención cuando uno se encuentra en el interior es la luz polícroma que penetra de forma mística por todos lados, tamizada por las extraordinarias vidrieras. Uno se encuentra tan impresionando que no puede dejar de mirar hacia arriba y a su alrededor para contemplar el conjunto de vidrieras creado entre los siglos XIII y XVI, que sólo es comparable en belleza o grandeza con Chartres o Saint Chapelle. León cuenta con 134 vanos y 4 enormes rosetones, que hacen un total de 1.764 metros cubiertos con vidrieras. Su iconografía es de una sencillez y belleza sobrehumana, recoge el ideal tripartito de la estructura social medieval.

Mundo vegetal y agrícola.

Enlos vanos inferiores de la naves laterales se representa la naturaleza, la tierra y la vegetación, con sublimes y coloridas representaciones vegetales y trabajos agrícolas. En los vanos del medio, en el llamado triforio, se representan escudos de la nobleza y los eclesiásticos. Y en los vanos más altos y en el glorioso ábside se reprenda el mundo divino, la bóveda celestial, con escenas bíblicas de una belleza que no tiene parangón. Tu mirada queda extasiada ante la belleza de la luz que se filtra, entiendo, absolutamente, que los hombres del medievo la equiparan a la luz divina.

Mundo noble y eclesiástico.

La catedral de León es excepcional por ser puramente gótica, por sus sobrenaturales vidrieras, pero también por sus constantes reformas ante los problemas constructivos de cimentación y la fragilidad del edificio y su piedra. Además se unieron desastres como colocar una gran cúpula barroca en el siglo XVII, que rompía radicalmente la estética de la catedral y también descuadraba el sistema de empujes y contrarrestos góticos. Algo que no fue solucionado por los cuarto pináculos que Joaquin de Churrigera añadió entorno a la gigantesca e inapropiada cúpula. Ambas reformas son desatrosas para el edificio, que esta totalmente debilitado, en grave peligro de colapso. Un peligro que se agravó con el famoso terremoto de Lisboa de 1775, dejando al edificio tocado de muerte.

Vista de la imponente luz policroma y mistica del abside, el mundo divino.

Sin embargo, en el siglo XIX se va a hacer cargo de la dramática situación el gran Juan de Madrazo, experto en el gótico y gran restuador. Que se propuso devolver el esplendor y pureza gótica a la catedral eliminando todos y cada uno los absurdos añadidos barrocos y dotando de estabilidad al edificio. Eliminó la desmesurada cúpula, modificó bóvedas, reconstruyo el crucero y la fachada sur. Para tal empresa ideó un complejo sistema andamios y cimbres que sostenían las bóvedas altas mientras se recuperaba el goticismo del catedral. El momento cumbre de la restauración se produce en 1878, todo el pueblo de León tenía el corazón en un puño, se iba a retirar todo el sistema de andamiaje de la catedral. Se cuenta que todo fue un gran crujido y estruendo, antesala de la reestructuración del edificio. Todo encajó a la perfección los sistemas naturalistas de arbotantes góticos se habían repuesto, la catedral se había salvado. Gracias a la audacia de Madrazo podemos disfrutar de la actual catedral de León, puro y pulcro goticismo, una visión incomparable que merece la pena contemplar, al menos, una vez en la vida. Personalmente, es lo más bello que he visto, de momento.

Bibliografía:

L. A. Grau Lobo. La Catedral de León. Everest, 1998.

G. Duby. La Europa de las Catedrales. Skira, Barcelona. 1966

A. Mayer. El estilo gótico en España. Madrid, 1965.

Fotografías:

Pedro González Miguel.

La Niké alada de Samotracia.

Hacia el año 190 a.C. un autor anónimo, que muy probablemente participó en la creación del célebre Altar de Pergamo (uno de los grandes monumentos del Helenismo), erigió una extraordinaria Niké alada esculpida en mármol de Paros, una pequeña isla griega del archipiélago de las Cícladas en el Egeo que pertenecía a Rodas. La Niké era la diosa griega de la Victoria que, en este caso, fue erigida, soberbia y en equilibrio, sobre un pedestal que representaba la proa de un navío. La espléndida Niké servía para conmemorar la victoria naval obtenida por los rodios en Side sobre Antíoco III Megas, de los Seleúcidas y rey de Siria. Los Rodios la donaron, posteriormente, al Santuario de los Grandes Dioses o Cabiros situado en en la isla de Samotracia, al nordeste del Egeo. Una sublime estatua femenina y conmemorativa de bulto redondo que habría que encuadrar en la escuela de Rodas del periodo Helenístico.

Otra vista de a imponente Victoria de Samotracia.

El Helenismo es consecuencia de la expansión de Filipo y de su hijo Alejandro Magno, que provocó la creación de un imperio de carácter oriental. Algo que introducirá nuevos elementos y cambios fundamentales en el mundo y el arte griego. Unos cambios entre los que destacan: el aumento del realismo, tanto en el moldeado y en el movimiento como en la expresión y el carácter de los temas tratados. Una nueva ambición del artista es ser capaz de representarla multiplicidad de los planos del cuerpo humano. Conseguir exponer movimientos en direcciones opuestas, el carácter y la emoción humana reproduciéndolos con el mayor realismo posible. Ese realismo condiciona los temas elegidos que son: la vejez, la infancia, la deformidad, la ira, la desesperación, la victoria..., temas anteriormente o no tratados o representados esporádicamente en el clasicismo griego. Uno de los grandes paradigmas del Helenismo, junto a la Venus de Milos o el Laocoonte, es la Victoria de Samotracia que hoy nos ocupa, cuyos pliegues arremolinados y postura elástica la diferencian de las Victorias de la escuela de Fidias, el gran escultor clásico.

Plano del Santuario de los Grandes Dioses en Samotracia.

El descubrimiento y la posterior restauración de la Victoria de Samotracia son tan fascinantes como dicha figura. Su descubridor fue un tal Charles Champoiseau, diplomático francés, que no era arqueólogo, aunque si era entusiasta del Arte y Historia, no en vano su padre fue fundador Sociedad Arqueológica de Turena. Otro de esos viajeros y aventureros franceses del siglo XIX que son azuzados por el intento de agradar a Napoleón III, verdadero fanático de las antigüedades y empeñado en aumentar la colección nacional del Louvre. De esta forma. tras ser cónsul en numerosos países, en 1862 se encuentra en el Imperio Otomano, como Cónsul en Adrianópolis (Edirne, Turquía).

Mapa de la Grecia helenística con la costa Tracia y Samotracia.

Fascinado por la costa Tracia de Grecia y, en concreto, por una pequeña isla Samotracia. Isla que se encontraba casi abandonada tras la Guerra de Independencia de Grecia (1821-32), durante la que se produce una gran matanza que los turcos en la isla. Charles entendió que ese hecho favorecía su propósito y no tuvo que pedir permiso para su primera visita de prospección a la isla en septiembre de 1862. En dos días descubre el gran potencial que Samotracia contiene, y escribe una carta al Primer Ministro de Francia en la que expone los hechos: “Por todas partes hay centenares de columnas quebradas, fustes y capiteles de mármol que indican que los templos cubrían aquel lugar. Los campesinos han desenterrado sepulturas, sarcófagos de piedra y cerámicas. No hay duda de que unas excavaciones serias llevarían al descubrimiento de objetos raros y de gran valor”. De modo que, solicitó al gobierno de Napoleón III unos 2.000 francos, ante la magnitud de los posibles hallazgos.

Vista del Hieron del Santuario de los Grandes Dioses, lugar donde se erigió la Niké de Samotracia.

Una gran suma de dinero para esa época, que le fue concedida y en marzo de 1863 Champoiseau regresó a Samotracia con un equipo para realizar excavaciones sistemáticas. Centrándose en el mencionado Santuario de los Grandes Dioses, y al poco de iniciar la excavación los obreros de Adrianópolis atisban un hombro de resplandeciente mármol de Paros en una colina, y al poco ven como aparece un busto. Corren a buscar al Charles al grito de ¡Señor, hemos encontrado una mujer!, y Champoiseau termina por desenterrar un tronco de mujer cubierto con manto de más de dos metros de altura. Junto a ella aparecieron unas espléndidas alas y partes del manto de mármol, que le permitieron saber que era una Niké, una de las más extraordinarias criaturas ideadas por el hombre antiguo había sido descubierta. Y el 15 de abril de 1863, en una carta dirigida al embajador de Francia en Constantinopla se expresa en los siguientes términos: “He encontrado una estatua de la Victoria alada esculpida en mármol y de proporciones colosales. Desgraciadamente, no he encontrado ni la cabeza ni los brazos. Pero el resto está casi intacto y ha sido labrado con un arte que ninguna de las obras griegas que conozco iguala”.

Imagen del proceso de restauración en 1879.

Todos los fragmentos y la Niké son enviados al Louvre, donde llegó en mayo 1864, tras un largo viaje por el Mediterráneo de un año. Desde su llegada la Louvre se inician los trabajos de restauración, en inicio se asegura la figura con una sólida barra metálica, muchos de los fragmentos fueron colocados, pero no se pudo hacer nada para colocar el busto y el ala izquierda, eran muy inestables y quedaron archivados. La Niké casi reconstruida en su totalidad fue expuesta por primera vez en 1866 en la célebre sala de las Cariátides del Louvre. Posteriormente, se produce otro hallazgo sensacional, en 1875 un equipo de arqueólogos austriacos realizó nuevos trabajos arqueológicos en Samotracia. Y sacaron a la luz 23 grandes bloques de mármol gris de Lartos, que correctamente unidos formaban lo que era una proa de un navío de guerra. En muchas monedas helenísticas aparece representada una Victoria alada sobre la proa de un barco, por lo que no había ninguna duda, era la imponente base de la soberbia Niké de Samotracia, que con la base alcanza los 5 metros de alto. Champoiseau recibe la noticia de tal hallazgo y logra que los 23 bloques lleguen al Louvre.

Vista de la Victoria sobre los bloques que simulaban la proa de un navío de guerra.

Ya con los bloques del pedestal entre 1880-1883 se inicia la cuasi final restauración de la Victoria, para tal magna empresa se siguió un modelo creado por el gran arqueólogo de Grecia de la época, el alemán Alexander Conze, que acababa de descubrir el sublime Altar de Pérgamo, que estaba trabajando en Samotracia. Se reforzó la estructura, se colocó el busto, se reconstruyeron varios fragmentos incompletos con yeso y mármol, se colocó el ala izquierda y con un molde inverso de la misma se restauró el ala derecha, incluso se encajaron tres plumas originales. Pero más de viente fragmentos no pudieron ser ubicados por su mal estado, los trabajos de restauración terminan en 1884. La colosal Victoria fue colocada en un lugar de máximo honor del Louvre, a la entrada del museo, en la cúspide llamada escalera Daru, donde se alzaba majestuosa con sus dos alas. En 1891, Champoiseau realizó su última expedición a Samotracia para intentar localizar la cabeza, brazos, y los fragmentos que faltaban, no obstante, nunca se han descubierto. Lo único que se ha descubierto fue la colosal mano derecha en 1950, que una vez reconstruida se conserva en una vitrina del Lovre. Por su forma y disposición de los dedos se infiere que la Nike hacía el gesto de saludo o celebración de la victoria, podría estar incluso sosteniendo una trompeta, como en las monedas de la época, al no contar con cabeza ni brazos siempre será un misterio y fuente de hipótesis.

Mano derecha de la Niké de Samotracia.

La sobrenatural Niké alada, aún no teniendo cabeza ni brazos, asombró y cautivo a generaciones convirtiéndose en un símbolo de la Grecia clásica, de Francia y, por supuesto, de París y del Louvre. Magna, eterna y desafiante en la escalera Daru simbolizaba en palabras de Cézanne “una idea, de todo un pueblo, de un momento heroico en la vida de un pueblo, el tejido se pega, las alas baten, los senos se inflaman. No necesito ver la cabeza para imaginar su mirada”. Nunca abandonó ese lugar prominente, salvo en la Segunda Guerra Mundial, que es trasladada fuera de París. Y, más recientemente, en la última gran restauración que se ha llevado a cabo en 2013, durante la misma se traslado a una sala del museo la figura y los bloques de la base.

Imponente vista de como se alza la Victoria de Samotracia coronando la escalera Daru del Louvre.

Siendo sometida a un minucioso proceso de restauración que se prolongó diez meses, en el que se devolvió a la estatua la blancura original del mármol de Paros, se repararon ranuras y grietas, se añadió una nueva pluma original en el ala, y se eliminó un pedestal de cemento mal colocado en 1934. Además se descubrieron ínfimos restos de pintura azul, que demuestran, como era lógico, que la Victoria de Samotracia como otras muchas esculturas griegas, estaba policromada, llena de color para acentuar su soberbio realismo. Una maravillosa restauración que costó unos 400.000 euros que fueron obtenidos por el novedoso sistema de crowdfunding (micromecenazgo) y donaciones privadas. En 2014 fue expuesta de nuevo al público en su capital emplazamiento sobre su proa de navío, para seguir entusiasmando a generaciones, por la majestuosidad de sus alas desplegadas y el refinamiento de sus pliegues.

Simulación del colorido de la Victoria.

La Victoria de Samotracia se alzará siempre como un icono de la Grecia clásica y helenística, representando un momento sutil y fugaz, cuasi instantáneo, en el que con un grácil movimiento la Victoria se dispone a posarse en la proa del navío. Pisando con el pie derecho y con el izquierdo todavía en el aire, en un movimiento detenido pero, al mismo tiempo, lleno de dinamismo, ya que el logrado equilibrio de la Nike genera un movimiento sinuoso. Es pura teatralidad y virtuosismo helenístico destacando las transparencias de las ropajes, todo un alarde de realismo, sublimando la técnica de "paños mojados" de Fidias, Unas ropas y pliegues llenos de nitidez y detallismo, que centran nuestra mirada en el audaz y bello ombligo y la curvatura del abdomen, puro encanto y que la aleja de la estatuaria clásica griega. Un detallismo y refinamiento que también se trasluce en las alas desplegadas, en contraposición a los ropajes ceñidos, que simbolizan ascensión y vuelo, pero también dramatismo y grandiosidad típicas del Helenismo. En definitiva, una maravilla ideada por un escultor audaz, un genio de sobrenatural habilidad con el mármol, un maestro anónimo que desafió las leyes de la gravedad para esculpir una colosal Victoria, que ha marcado la mirada del hombre desde que fue erigida en Samotracia en el 190 a.C.

Bibliografía:

S. Graham: El mundo griego después de Alejandro. 323-30 a. C. Barcelona, Crítica, 2001.

A. Blanco Freijeiro. Arte Griego. CISC, Madrid, 1971.

Imágenes:

Wikipedia, National Geographic y Louvre.fr.

Enlaces de interés:

http://www.louvresamothrace.fr/fr/#/home

http://www.louvre.fr/expositions/la-victoire-de-samothraceredecouvrir-un-chef-d-oeuvre

http://musee.louvre.fr/oal/victoiredesamothrace/victoiredesamothrace_acc_en.html

Bon Jovi - Burning Bridges. Un disco sin promoción y parece que Bon Jovi lo ha sacado obligado contractualmente. De modo que, es un disco a base de caras b de otras obras anteriores, canciones antiguas y algunas nuevas. Todas con un claro matiz de madurez, temas, básicamente, lentos y cuidados, con gran carga emocional, ideales para el fan de Bon Jovi. Un disco que sirve como calentamiento para su verdadero nuevo disco de estudio anunciado para 2016. Temas tranquilos, con buen sonido y producción de John Shanks, para disfrutar de la incombustible voz de Jon en cortes llenos de melodía, como la inicial A Teardrop To The Sea, la rítmica y rockera We Don’t Run, con un estribillo para no parar de corear, de lo mejor del disco. Luego más y mejores melodías en el moderno medio tiempo Saturday Night Gave Me Sunday Morning, la comercial y corearle We All Fall Down, la bella y llena de un bonito piano Blind love. Interesantes también son: la belleza acústica del original corte Fingerprints, la adictiva y comercial Who Would You Die For y el otro corte rockero y lleno de guitarras del disco, que no es otro que I’m Your Man. En definitiva, un disco melódico del que gustarán los fans de la voz de Bon Jovi, un adelanto Interesante, para hacer menos larga la espera de su esperado nuevo disco, parece que, definitivamente, sin Richie Sambora, una pena.

Buckcherry - Rock N Roll. Séptimo disco de la gran banda californiana de hard rock y rock and roll y es un disco que se disfruta desde la primera escucha. Josh Todd y sus huestes nos ofrecen un ejercicio de rock sleazy, festivo y radiable, mucha carga de adrenalina rockera, de actitud y de buen rollo, puro y directo Rock N Roll, como reza su título. La gran voz de Josh se combina con unas excelentes guitarras de Keith Nelson, que junto con los grandes estribillos inundan todo el disco desde la inicial y gran single Bring It On Back, rock duro de carretera y coche, para ir por la Ruta 66 a todo volumen. Luego Tight Pants, puro rock macara americano con un gran estribillo y ritmo, para escuchar una y otra vez, al igual que la comercial Wish To Carry On, magnifico estribillo y grandes melodías de guitarra. Pasamos a la gran balada The Feeling Never Dies, llena de feeling en el voz de Josh y rollo sureño en las guitarras, muy buena. 100% Buckcherry es Cradle, potente y rockera para mover el cuello sin parar y una gran melodía, como The Madness basada en un gran riff y estribillo. En el final el nivel no decae, continúan los grandes temas de rock and roll como: la radiable y accesible Wood, el gran medio tiempo Rain’s Falling cargado de poso blues, la sleazy y macarra Sex Appeal y la marchosa Get With It, que pone broche de oro a unos de los discos de rock an roll del año, Notable para Buckcherry.

Chris Cornell - Higher Truth. Nuevo disco en solitario de Chris Cornell, el gran cantante de Soundgarden, un disco maduro, largo y, sobre todo, una joya sonora, temas lentos cargados de alma acústica, una BSO que es una delicia para nuestros oídos. Soberbios temas lentos, pero llenos de vitalidad, donde las guitarras electro/acústicas se funden a la perfección la sublime voz de Chris. Desde el primer corte el disco es para sentarse a disfrutar lleno de grandes melodías de guitarra y vocales, arreglos, un sonido espectacular, vitalismo, estribillos vibrantes y soberbios ritmos como la inicial y country Nearly Forgot my Broken Heart, magnífico single y video con unas guitarras de impresión. Le sigue la belleza acústica de Dead Wishes, delicadeza en toda una delicia musical de gran estribillo, junto con el gran ritmo lleno de alegría de Worried Moon, con un estribillo para enmarcar. Seguimos con temas tan adictivos como: Before We Disappear, guitarra y voz, suave, lleno de sentimiento y de embriagador estribillo, Through The Window es muy folk delicado y vibrante, Chris nos envuelve con su profunda voz, Josephine es rock acústico clásico lleno emoción. 15 temas de los que no sobra ninguno, una gozada de disco en el que se suceden los temas maduros como: Murderer Of Blue Skies, las guitarras son de enciclopedia del rock, y que decir de la homónima Higher Truth, mi favorita, totalmente adictiva con un ritmo y estribillo tan embaucador como bello. Los arreglos, teclados, pianos, mandolinas se suceden hasta el final de un disco emocionante, bello y Sobresaliente, rock sincero para escuchar en días de lluviosos de Otoño.

Iron Maiden - The Book Of Souls. Poco se puede decir de Iron Maiden tras 35 años de carrera, una de las grandes bandas del metal/rock de la historia, pero ahora vuelven y nos sorprenden con The Book of Souls, su primer disco doble y más largo y ambicioso de su carrera. Con un sobrenatural y, felizmente, recuperado Bruce Dickinson, cuya voz titánica mejora y sublima unas composiciones colosales y grandilocuentes. Muchos de los fans “clásicos” de la Doncella de Hierro están bramando en contra de, en mi opinión, uno de los mejores y más maduros discos de Iron en toda su carrera, parece que hasta que no pasan 10 años no se aprecian discos como The Book of Souls. Un disco soberbio, que no te cansas de escuchar, hacía mucho tiempo que un disco tan largo terminaba y lo quería escuchar otra vez de inmediato, algo inédito y sorprendente. El inicio es absolutamente original y diferente con unas trompetas rollo pasodoble taurino español, extraño para muchos, pero a mi me parece una inmejorable y sorpresiva forma de iniciar un verdadero temazo como es If Eternity Should Fail. Una pasada de tema lleno de cambios con un estribillos, que se graba a fuego en nuestras mentes y un Dickinson que nos hace disfrutar con su excelso trabajo vocal. Para seguir con el single Speed Of Light, que sorprende por su rollo a rock clásico cambiando con las gloriosas armonías triples de guitarra. The Great Unknown parte de un gran inicio acústico lleno de feeling, para cambiar de ritmo e intensidad a través de unas clásicas e inspiradas melodías vocales y estribillo, otra de mis favoritas. The Red and The Black es gran tema 100% Steve Harris, de las que entra a primera escucha por su ritmo y sus coros que pueden dar mucho juego en los nuevos directos de la banda. Otro tema sensacional es When The River Runs Deep guiado por una gran intro instrumental y la original melodía vocal de Bruce y desembocando en un maravilloso estribillo. Y el primer disco termina con la descomunal The Book Of Souls, marcada por unos aires orientales geniales a base de sintetizadores y arreglos, y con un colosal Bruce cuya voz roza la perfección en el estribillo y los cambios y partes instrumentales no le van a la zaga, gran tema, para sentarse y disfrutar. El segundo disco se abre con Death or Glory, directo y potente corte con mucha carga rockera, adictivo estribillo y unas guitarras triples de impresión. Luego las logradas melodías de Shadows of the Valley, un clásico 100% de Maiden, juegos de guitarras y gran línea vocal. Las grandes melodías continúan con Tears Of A Clown, un cautivador tema dedicado a la figura de Robbin Williams en el que brilla la melodía y la interpretación vocal llena de melancolía, junto con otro estribillo de los que hacen afición. Seguida de The Man of Sorrows con una bella intro acústica, grandes solos de guitarra y otro destacable estribillo. El disco finaliza con Empire of The Clouds, compuesto en solitario por Bruce, que es no sólo la canción más larga del disco si no también de la carrera de Maiden. Basado en el accidente del célebre dirigible inglés R.101, que se quemó y accidentó en octubre de 1930. En mi humilde opinión, es un tema espectacular, con un inicio que enamora con unos inéditos arreglos de piano y sección de cuerdas, que va desarrollándose en en múltiples cambios llenos de intensidad y un Dickinson, estamos todos de enhorabuena, en estado de gracia. Una magna obra que se acompaña de una producción y una presentación espectacular, destaca la edición deluxe con un arte genial obra de Mark Wilkinson inspirada en en el mundo maya. En definitiva, para mi uno de los mejores y más excelsos trabajos de la carrera de Iron Maiden, un disco Sobresaliente, que los años pondrá en el lugar que se merece para la hierática parroquia del Metal.

Riverside - Love, Fear and the Time Machine. Cada año nos encontramos con varias joyas musicales del prog metal-rock, y los polacos Riverside nos regalan una de ellas. Ya su anterior Shrine of the New Generation Slaves de 2013 era un gran disco, y ahora mejoran su formula maestra musical con un disco soberbio de rock progresivo elegante y ecléctico, con unas canciones marcadas por no tener trabas musicales. Rock progresivo clásico combinado como su intimo y desgarrador estilo lleno de grandes riffs, cambios constantes y emocionales. La emoción y la elegancia son dos señas de identidad de Riverside y de Love, Fear and the Time Machine. junto a la gran carga de jazz/ blues, con unas melodías y atmósferas musicales que emocionan y una sublime instrumentación. Bellas y cautivadores composiciones sobre el Amor, el Miedo y el paso del tiempo, que consiguen rezumar emoción y trasmiten vitalismo como: la inicial Lost, Under The Pillow o la rítmica #Addited, y temas artísticos y espirituales como: Saturate Me, Towards the Blue Horizon o Time Travellers, pura exquisitez musical y técnica. En definitiva, un disco magnífico y Sobresaliente para escuchar con calma y disfrutar, para emocionarse y cerrar los ojos, Riverside están a otro nivel.

Shinedown - Threat To Survival. Quinto disco de uno de mis grupos favoritos de los últimos años dentro del metal/rock americano, estaba deseando escuchar su nuevo material, tras dos discos cuasi insuperables como Sound Of Madness y Amaryllis. Tenían complicado superados, y han decidido no repetir la formula y han cambiado su sonido hacia temas más comerciales y accesibles, pero no exentos de su clase y calidad. Se han centrado en sus tremendos y clásicos medios tiempos/baladas, y han reducido su carga de temas potentes y lleno de crudeza. Eso si la capacidad vocal de su cantante Brent Smith llena de sentimiento todas y cada una de las canciones, de los mejores cantantes de la actualidad, quizás el mejor del hard rock contemporáneo. El disco arranca con la rítmica y pegadiza Asking For It, de gran estribillo y melodía, y con el tema crudo y potente del disco, que es el single Cut The Cord, de adictivo ritmo militar y que no te cansas de escuchar, una pasada su estribillo "Freedom, la la la la, Freedom, Follow Me...," otro de los temas bandera del metal/rock moderno. Eso si la caña y la contundencia se queda al margen desde la radiable y llena de buenos coros State Of My Head, y los grandes medios tiempo Outcast y How Did You Love, marcados por unas melodías vocales soberbias. Mencionar Oblivion una de sus mejores baladas, genial melodía y estribillo que se graba a fuego, o la rockera y dinámica Dangerous, junto con la sureña y colmada de ritmo country Black Cadillac, una de las mejores. Treat To Survival es un disco Notable, agradable y accesible para fans del rock moderno, pero que no llega al superlativo nivel de sus dos discos anteriores, no todos los discos pueden ser iguales, ya estoy deseando oír su siguiente obra, Shinedown son de los mejor de la actualidad.

Soilwork - The Ride Majestic. Nuevo disco de uno de los grandes grupos europeos de metal, The Ride Majestic es un buen disco, pero no supera el anterior y ambicioso The Living Infinite, donde ampliaban sus horizontes musicales y facturaban su mejor y más variado disco. No obstante, el gran cantante Björn Strid y sus Soilwork han vuelvo a sacar un potente disco en el que abundan en su formula de death/thrash metal enriquecido de forma excepcional con voces melosas y unas melodías sublimes combinadas con ritmos apabullantes. Un disco 100% Soilwork en el reinan los temas afilados y bien ejecutados, y las melodías vocales del excelso Björn. Tienen su sonido ya consolidado y lo demuestran desde la inicial y homónima The Ride Majestic, Death In General o Enemies of Fidelity, paradigmas de su interesante y lograda amalgama de death melódico y hard rock. Destacan también The Phantom o Whirl of Pain, llenas de cambios de ritmos, de registros vocales y magníficos estribillos llenos de melodía como en la final Father And Son, Watching The World Go Down. En definitiva, Notable disco de Soilwork, que no llega a ser sobresaliente por lo complicado que era superar su anterior obra, mantienen intacto su sonido, quizás falta algo de evolución y sorpresa, para el siguiente seguro.

Stratovarius - Eternal. Tras su tremendo y sobresaliente Nemesis, que recuperaba a los mejores Stratovarius en años, ahora regresan con otro superlativo disco, que continúa con la excelente senda marcada. Gran sonido y producción con unos pletóricos Timo Kotipelto y Jens Johansson, que lo inundan todo con sus prodigiosas melodías vocales y de teclado, y los nuevos: el joven y talentoso guitarrista Matias Kupiainen y el batería Rolf Pilve demuestran estar totalmente compenetrados con el grupo. Los temas de metal melódico del siglo XXI se suceden con grandes coros, estribillos y pegadizas melodías como en las iniciales: My Eternal Dream, gran single con una melodía y estribillo 100% Stratovarius, recuerda el mejor power metal melódico que he escuchado en años. y Shine in the Dark, otra superlativa melodía y un Jens en estado de gracia ten todo el disco. Luego las destacadas: Lost Without a Trace, Feeling The Fire, Man In A Mirror o Fire In Your Eyes, cortes llenos de épica, de melodías y estribillos muy pegadizos. Y para finalizar la gran opus Lost Saga, épica y llena de cambios de ritmo, una montaña rusa de melodías en las que en la que el grupo demuestra estar en su mejor momento. Eternal es un Notable disco, quizás me gustó aún más Nemesis, pero mantienen su gran estado de forma.

Symphony X - Underworld. Tras 4 años desde su completo, elaborado y quizás algo largo Iconoclast, Symphony X regresa a la actualidad con Underworld, un mundo musical brillante, potente, metálico y lleno de nuevos elementos y matices, con un sonido y producción espectaculares. El maestro de las seis cuerdas Michael Romeo y sus huestes se muestran soberbios con unas composiciones variadas, heavys, llenas de melodías pegadizas asociadas una excelsa instrumentación en la que destacan también los teclados de Michael Pinnella. Tras una Overture clásica nos encontramos con Nevermore, corte tan potente como melódico y progresivo accesible, al igual que Underworld, cuya melodía y estribillo rozan la excelencia, Para pasar a Without You cuya sobrenatural melodía lo convierte en uno de los mejores medios tiempos de su carrera, coro y estribillo que hacen afición y unos desarrollos instrumentales llenos de magia prog. Para volver a la caña con Kiss of Fire corte muy heavy y potente con unos riffs de guitarra bestiales, y un Russell Allen que, en mi opinión, muestra un repertorio mucho más amplio de registros. La melodías sobrenaturales regresan con Charon, uno de mis temas favoritos, donde la melodía y la instrumentación encajan a la perfección y confluyen en un estribillo tan genial como pegadizo. Seguida de otro gran tema To Hell And Back, muy original y diferente por la combinación de elementos y estilos que descansan en unas melodías vocales ejecutadas con maestría. Vamos terminando con la cruda y llena de clase In My Darkest Hour, la genial y cambiante Run With The Devil, la progresiva Swan Song y la final y épica Legend, todas colmadas de un trabajo de guitarras y teclados excepcional y un verdadero “inframundo” de divinas melodías y estribillos marca de la casa. En definitiva, el "inframundo" musical de Symphony X se me revela Sobresaliente, demostrando con creces que estamos ante uno de los mejores grupos de la escena rock/metal progresiva.

Otros discos destacados:

Disturbed - Immortalized. Notable sexto disco de la banda americana, que sigue con su estilo de metal moderno y potente. 100% recomendable para sus fans, con grandes temas como Immortalized, Open Your Eyes o el hit What Are You Waiting For.

Fear Factory - Genexus. Gran regreso discográfico que confirma que Fear Factory han vuelto a su buena senda musical, sonidazo y producción impecable, grandes temas de su potente y aplastante metal industrial. Notable disco, para que los fans de Fear Factory.

Kadavar - Berlin. Segundo disco de la interesante banda alemana originaria de Berlin, como reza su nuevo disco, recomendable para fans de la retro hard rock con tientes psicodélicos y stoner, con muchas influencias clásicas, muy Interesantes y recomendables.

Metal Allegiance - Metal Allegiance. Proyecto de thrash metal clásico formado por: Alex Skolnik (Testament), Dave Ellefson (Megadeth), Mike Portnoy (ex-Dream Theater) y muchos invitados de lujo en cada uno de los temas. El disco suena al thrash metal de finales de los 80, puro clasicismo, demasiado en mi opinión, pero del que disfrutaran los amantes del metal más clásico y no experimental. Interesante disco, mucha calidad, pero poco riesgo.

Mike Tramp - Nomad. El soberbio cantante de White Lion saca otro disco en muy breve espacio de tiempo, pero es otra delicia de melodías vocales y guitarras electro/acústicas, temas llenos de sentimiento y que enganchan para escuchar sin parar. Ya fue excelente su anterior Museum y ahora repite formula con el mismo y Notable resultado.

Three Days Grace - Human. Una de las sorpresas del año son Three Days Grace banda de Ontario (Canada), que nos ofrece un verdadero y potente discazo de metal/rock moderno y alternativo. Temas como Human Race o I’m Machine nos muestran a otro gran grupo, que combina a la perfección las melodías y los estribillos pegadizos con la potencia instrumental. Notable y grata sorpresa.

Spock's Beard - The Oblivion Particle. Maestros del progresivo más purista tras su destacado por complejo y a la vez accesible Brief Nocturnes and Dreamless Sleep de 2013, ahora regresan con otra gran opus musical, pero mucho más intrincado y progresivo. Un disco Notable en melodías armónicas, en las sublimes atmósferas y los ritmos sincopados progresivos, del que disfrutarán los entusiastas de prog metal.

The Sword - High Country. Gran grupo de Austin (Texas) maestros del retro hard rock siguen su línea evolutiva hacía sonidos y ritmos más accesibles, sureños y adictivos. Una mirada hacia los años 70 con temas festivos, alegres y rítmicos como Early Snow, ampliando su espectro musical y mostrándose geniales y Notables. Para fans del rock clásico carretera, lleno de canciones para viajar.

Siglo I d.C. el Imperio Romano alcanza su cenit y domina todo el mundo conocido, el Mare Nostrum, un basto territorio articulado a través de una extraordinaria red de obras públicas, calzadas y ciudades cuyo epicentro estaba situado en Roma, la Urbs. Cada ciudad era la cabecera de un territorio sirviendo de centro aglutinador, administrativo, religioso y económico. Unas urbes que contaban con gran autonomía, con elecciones en las que los ciudadanos libres elegían por votación a los magistrados (a imitación de las polis Griegas). Magistraturas ostentadas por los patricios poderosos, que eran un honor y, por lo tanto, no estaban remuneradas. Unas polis romanas construidas ex novo, que con Roma como ejemplo, se dotan de grandes obras públicas y se estructuran de forma ortogonal en extensas cuadriculas de calles que confluyen en el foro y todas bien pavimentadas, con agua corriente de gran calidad y alcantarillado. Calles que podían ser desde grandes avenidas hasta calles y callejuelas secundarias, todas dotadas con sus fuentes, abastecidas por los acueductos. Su estructura ortogonal se basaba en el cruce de dos calles principales, el cardo de norte a sur, y el decumanus de este a oeste. Aunque era un plano muy organizado, las calles carecían de numero o nombre, esto es, era difícil orientarse en un callejero muchas veces ruidoso, sucio y caótico por la aglomeración de gente. Es de destacar que cada calle, casa y barrio estaba protegido por sus propias divinidades, en muchas calles había altares o compita en los cruces de calles, para rendir cultos a los respectivos Lares Compitales protectores, la compleja religión romana así lo establecía.

Mapa con la situación de Pompeya.

En el siglo I esas ciudades funcionaban y bullían, con mercados que se abastecían con productos de la zona y otros venidos de otras partes del imperio, donde la mayoría de la población agrícola y ganadera vendía sus productos, junto a artesanos y comerciantes que llenan sus calles. Las ciudades eran el espacio donde se relacionaba la comunidad de ciudadanos, la Civitas, basada en el derecho, la política y los servicios públicos. Esa Civitas romana es la base de la ahora tan manida y mal entendida Civilización occidental. Una Civitas, el imperio estaba formado por entre 50 y 80 millones de personas, que descansaba en unas magníficas ciudades que en el siglo I no paraban su actividad nunca, en palabras de Elio Aristides, historiador y filósofo griego, “ahora todas las ciudades florecen bajo vuestro Imperio (…) son todas espléndidas de luminosa belleza…”. Una de esas ciudades es Pompeya, que gracias a una hecatombe natural la conocemos muy bien, y nos indica que no todo era luz y civilización, las ciudades romanas tenían muchos de los problemas que aún hoy tienen nuestras ciudades, presión demográfica, atascos, incendios, derrumbes, falta de seguridad o especulación del suelo.

Las ruinas de Pompeya al pie del Vesubio.

En Pompeya, justo antes del 24 de agosto del 79 d.C. cuando acontece la erupción del Vesubio, residían unas 10.000 personas, la mayoría plebe y esclavos. La vida de patricios, mercaderes, artesanos, pobres, libertos y esclavos transcurría en la calle, unas calles llenas de vida y con los elementos que podemos encontrar en una calle del siglo XXI. Aceras, calzadas pavimentadas, y los célebres pasos de peatones, a base de bloques de piedra elevados para evitar mancharse y mojarse las sandalias, el agua de la lluvia se mezclaba con la suciedad y los excrementos de los animales que tiraban de los miles de carros, por lo que esos pasos eran una solución genial. Tanto era el tráfico de carros que desde tiempos de Julio César se prohibe la circulación diurna de carros para evitar accidentes. Esa suciedad fluía hacía las magníficas alcantarillas romanas, que confluían en una cloaca máxima. Además por debajo de las calles tuberías de plomo llevaba agua limpia y de gran calidad a las fuentes públicas, letrinas, termas y a las casas de los patricios y nobles. Un agua que llegaba a la ciudad por los acueductos, hasta un gran deposito llamado castellum aquae, desde donde se repartía por la cuidad por el entramado de tuberías de plomo.

Calle de Pompeya con los geniales pasos de peatones.

La mayoría de la población no contaba con agua corriente en casa y por ello existían las mencionadas fuentes públicas. Ni tenía una letrina privada, de modo que en las calles se establecían las Letrinae públicas de uso colectivo, mixtas para hombres y mujeres, y para todos los habitantes desde esclavos a senadores. Letrinas con bancos de madera corridos sobre canales con agua corriente constante limpia para trasladar los residuos al alcantarillado, y la documentada spongia unida a una palo y cubo para limpiarse. Un lugar de verdadera confluencia y relación social, para ligar, para hacerse amigo o conocer a poderosos. Además había soberbias termas públicas para todos los ciudadanos. Junto al Foro con Basílica, edificio público de usos múltiples, núcleo central de las ciudades romanas donde se impartía justicia y se comerciaba, y era lugar de encuentro de la población, que luego iba a las Termas o al Anfiteatro a ver los juegos sangrientos, gran afición de los romanos del siglo I.

Termas de Pompeya.

En Pompeya, como en otras ciudades romanas, había distintos tipos viviendas: la mayoría de la población vivía en Insulae o bloques de pisos con varias plantas con apartamentos de alquiler, muy similares a nuestros edificios actuales. Solían construirse de forma precipitada, para alojar la población creciente de las urbes (campesinos arruinados, veteranos de las legiones…), siempre con materiales pobres y sufrían muchos incendios y derrumbamientos. Es curioso que los obreros de la construcción o fabri hacían las veces de cuerpo de bomberos contaban con bombas de mano y mantas húmedas para apagar los constantes incendios. Muchos de estos apartamentos de las insulas no tenían cocina, y estaba por ley prohibido cocinar, pero muchos se saltaban la prohibición y se generan los incendios. La gran demanda hacía que los propietarios especularán con los solares que habían sufrido un incendio, construyendo de nuevo y haciendo grandes fortunas. Incluso incumplían las leyes y los hacían de demasiadas plantas, lo que generaba los derrumbes. A comienzos del siglo I d.C. Augusto fijó por ley en 70 pies (21 metros) la altura máxima de las insulae, la legislación imperial debía ser respetada en todas la cuidados del imperio.

Vista del Foro de Pompeya.

En las aceras de las calles, a ambos lados, se situaban las Tabernae, típicas viviendas con negocios, comercios o talleres de artesanos en la planta baja, con pequeñas habitaciones y viviendas en la planta superior, llamadas pergulae. En ellas vivían artesanos, comerciantes y libertos, ciudadanos libres y también muchas veces el dueño de la tienda alquilaba dichas habitaciones. Entre esas tabernas destacaba la fullonicae o lavandería, donde ricos (sacerdotes o magistrados) llevaban la ropa que lucían en las ceremonias públicas. Fullonicae viene de Fullones o niños esclavos, que lavaban esa ropa pisándola en grandes pilas. Cuanto más pequeño era el pie más perfecto era el lavado y más caro, muy triste la vida de estos Fullones. Obviamente, no había jabón, la ropa era lavada con una curiosa mezcla de agua, orina humana fermentada y tierra batán, un tipo de arcilla desengrasante natural. La orina era importante en Pompeya, se recogía en las letrinas y con ánforas colocadas en la calle o testae, donde los habitantes orinaban, una vez fermentada la orina humana es amoniaco puro y era básico para lavar. Tan importante era la recogida de la orina en Roma, que Vespasiano la acabó gravando con un impuesto. Su hijo Tito le recriminó la medida por poco noble, y Vespasiano cogió un denario de oro recaudado con este impuesto y se lo puso en la nariz a Tito y le cuestiónó “¿acaso huele mal?”. En Italia aún hoy en día llaman "vespasianos" a los baños públicos.

Vista de una calle de Pompeya, a ambos lados estarían en las aceras las tiendas o tabernae.

Otra de esas tabernae eran las sastrerías o vestuarius donde se vendía la ropa, normalmente a hombres y mujeres patricios. La toga era el vestido oficial de los ciudadanos de lino o lana y para los ricos muselina o seda. En Pompeya se documenta como estos negocios utilizaban las paredes para hacerse publicidad con pinturas murales. Las paredes eran la forma de comunicación en Pompeya, se utilizaban para hacer propaganda electoral, para hacer escarnio público de una persona, para declaraciones de amor, para amenazas, como vemos los grafittis ya estaban inventados en el siglo I).

Uno de los miles de graffitis que hay en Pompeya, una declaración de amor de un tal Secundus a su prima.

Las más destacadas eran las cauponae o thermopolium, los restaurantes de comida rápida de la época, eran el negocio más extendido por Pompeya y las ciudades romanas. Cada caupona tenía su propio menú, desde gachas y legumbres para los más pobres, hasta carne asada, vino y queso para los ricos. Se solían situar cerca del foro que era el epicentro de Pompeya, donde se hacían los negocios, se impartía justicia o se establecía el mercado. El hostelero o caupo muchas veces establecía su vivienda en la parte superior con su familia. Pero otras veces alquilaba habitaciones, que a la postre se acaban convirtiendo en hostales. Y muchas veces los caupos estaban ligados a la prostitución y el juego, en Pompeya estaban bien señalizados ese tipo de negocios.

Vista de la Caupona de Vetitus Placidus.

La nobilitas y los patricios se hospedaban en los llamados Hospitia, lujosas domus muy amplias y tranquilas con atrio, jardines o peristilo trasformadas en lujosos hoteles. E incluso estaban los stabula, mesones y albergues en las entradas de Pompeya y de las ciudades relevantes, con cuadras y grandes patios, para mercaderes y viajeros. Otra curiosidad es que el vino que consumía era de mala calidad, muchas veces se mezclaba con agua, frutas o elementos para endulzarlo, y caliente en invierno. El beber estaba relacionado la conversación y el juego, los locales que tenían cierta calidad ofrecían una zona con triclinos para charlas distendidas. En Pompeya, o también en Ostia, hay muchos ejemplos de estos negocios como el Thermopolium de Vetitus Placidus, perfectamente conservados hasta sus asadores, menús y pinturas murales.

Vista de los frescos de la Casa de los Misterios de Pompeya.

Al igual que están conservados los pistrium o tahonas, hasta 34 se han encontrado en Pompeya, el pan era el alimento más popular y básico, se vendía, amasaba y almacenaba en estas panaderías. Que contaban con su molino grandes de piedras volcánicas en dos piezas tirado por esclavos o animales. El pan romano se caracterizaba por ser muy duro, al estar hecho con mosto de uvas como levadura. Pero, al mismo tiempo, duraba mucho, y para endulzarlo, como el vino, se añadía miel, fritos secos, fruta, sésamo, higos… En Pompeya, después de la erupción, se han llegado a documentar hasta 80 panes carbonizados, de aspecto redondeado muy similar al actual. En época de crisis los emperadores repetían ese pan, recordemos el celebre y, totalmente, actual lema “pan y circo”.

Magnífico Atrio de la Domus del fauno, con el fauno dentro del Impluvium.

Además de las viviendas populares y las tabernas, Pompeya contaba con las domus o casas señoriales de patricios, aristócratas o burgueses pompeyanos, como comerciantes ricos. Viviendas que nada tienen que ver con las de la plebe, grandes viviendas de entre 450 y 3000 metros cuadrados, que contaban con todo tipo de lujos, amplias habitaciones, atrio, peristilo con jardín y una deslumbrante decoración. Destacar la famosa Villa de los misterios, la Domus del Fauno o la espectacular Domus del patricio Marco Lucrecio Frontón, conocemos el nombre del paterfamilias o cabeza de la casa por que su nombre aparece en un frontón del peristilo y en varios grafitos electorales de la fachada.

Soberbia vista del Atrio de la Domus de Marco Lucrecio.

Imaginemos un día en Pompeya alrededor a tan lujosa y refinada Domus en el año 14 d.C. Desde primera hora de la mañana en la Domus de Marco se congregaban a su puerta los clientes del llamado Patronus y sentaban a esperar la celebre Salutatio en bancos de piedra adosados a la fachada. La Salutatio era la ceremonia diaria por la cual el patrono y dueño de la domus saludada o hacia pasar a sus clientes a su casa para tratar sus asuntos. Ese clientelismo era una institución básica en Roma, ya que permitía a los ciudadanos libres sin recursos entrar en patronazgo y protección de los patricios más poderosos. Los clientes de Marco Lucrecio eran básicamente juristas, comerciantes e intelectuales sin recursos, que le ayudan en sus negocios comerciales y en sus campañas electorales para magistrado. A cambio recibían la denominada Sportula, comida y dinero, o una cosa y no otra.

Ejemplo de Larario.

Son las 9 de la mañana y se iniciaba la Salutatio cuando el Nomenclator o portero, que guardaba la puerta, abría y accedían a la Domus los clientes más cercanos al Patronus, leales clientes que entraban al Atrio o patio por un estrecho pasillo llamado Fauces decorado siempre como un mosaico. En la casa de Marco estaba el típico mosaico del perro y la frase Cave Canem o “cuidado con el perro”, una advertencia a extraños. Y guiados por el “perro” o esclavo doméstico, que dormía en las propias Fauces (los esclavos no tenían la consideración de personas en Roma), los clientes habían llegado al Atrio, eje sobre el cual se estructuraba la Domus y que estaba pensado para impresionar al visitante. Era la zona pública donde uno de los clientes, que era un poeta pobre llamado Marcial, se fija en varios elementos: una mesa o mensual, donde se exhibe la vajilla de plata, y el celebre larvario, a un lado del atrio, para rendir culto a la multiplicidad de dioses de los romanos o Lares (como Jano dios bifronte protector de las puertas) y los antepasados o Manes. La lujosa decoración con pintura murales en rojo y negro, colores preferidos de los patricios, y le llaman la atención las cajas con fuertes candados, para demostrar que eran ricos y tenían objetos lujosos que guardar.

Mosaico de las Fauces con el típico Cave Canem.

Ese día estaba lloviendo y otro de los clientes, un liberto, que se quitaba el gorro cónico, que le identificaba como tal, al levantar su mirada se fija en el sistema que estas domus ricas tenían en el atrio para recoger el agua de la lluvia. El atrio contaba con un tejado a cielo abierto llamado Compluvium, que hacia caer el agua en el Impluvium o estanque, que recogía ese agua, que se filtraba a un deposito inferior y por un brocal de un pozo se sacaba el agua. Además la casa de Marco tenía, como otras de los ricos, agua corriente.

Vista del Atrio de Domus con el Implivium y la mensula, al fondo el lujoso Tablinum.

Los clientes estaban impresionados por el patio y Marcial, el poeta, se percata del silencio que reina en la Domus, el bullicio y ruido del exterior queda al margen de estas viviendas, Incluso Marco había alquilado el exterior para hacer Tabernae, no quería saber nada del mal olor y ruido exterior, no había ni ventanas. Otro de los clientes, un jurista que gustaba del buen comer, se fija en el olor que llegaba desde la cocina, en el jardín o peristilo, un buen olor que emanaba del guiso típico de diario, una especie de cocido, que combinaba las legumbres con las carnes y aderezado con muchas especies. Ellos no podían acceder a la cocina o culina, que ya os digo yo que era pequeña y bien equipada, con un horno de ladrillo, ollas y todo tipo de utensilios, con una chimenea para la salida del humo. Además tenia algo muy curioso, su propia letrina o baño, que hacía las veces de cubo de la basura. La cocina era el hábitat del esclavo doméstico más respetado y relevante, el cocinero, que si hacía una buena labor podía ser recompensado con la libertad. Y era un privilegiado, la cocina siempre estaba caliente y le llegaba el calor de la calefacción de la zona privada, el celebre hipocausto, o sistema de calor por suelo radiante inventado por Sergius Orata, que ahora estamos recuperando, pero estaba ya en las Domus del Imperio.

Vista de la decoración del Tablinum de Marco con la escena de Baco en el centro entre rojos y negros.

Los clientes llegaron al Tablinum donde Marco les espera sentado en su lujosa Tabula o mesa de mármol, donde se acumulan los volumina, los pergaminos enrollados con documentos y libros. El Patronus en su despacho recibe a los primeros clientes y les entrega la Sportula, y se van enseguida, y entran otros que vienen a tratar asuntos de mayor enjundia. Como un intelectual e historiador sin recursos, que venía a ofrecerse para instruir a los hijos de Marco. Se llamaba Petrus y se percata de la solemnidad del tablinum rodeado de las máscaras funerarias o realistas retratos de los ilustres antepasados de la familia. Mientras Petrus convencía a Marco para ser el tutor de sus hijos, su nariz percibe un delicioso olor a higuera, el ambientador preferido por los patricios mediterráneos, y ve como tras el tablinum, pasando unas lujosas columnas se aprecia un espectacular jardín o peristilo. Era la zona privada de la familia y a su alrededor se establecían las sencillas cubiculas o habitaciones, todo un frondoso hortus con árboles frutales y plantas aromáticas, era el núcleo de la vida y la ventilación de la domus. El historiador había logrado llegar a un acuerdo, se convierte en cliente de Marco y va a ser el pedagogo de sus hijos. Antes de irse Petrus no puede evitar fijarse en la decoración y pintura mural del despacho, era magnífica, identifica que es del llamado Tercer Estilo Romano, brillan sus rojos y negros, y en el centro se quedo unos segundos absorto mirando una bella escena, que representaba el triunfo de Baco y Ariadna.

Vista del Peristilo de la Domus Vettii.

Aún quedan otros dos clientes en el Tablinum con el Patronus, uno era jurista y el otro lanista (tenía una escuela de gladiadores o Ludi) y eran los más cercanos consejeros de Marco. Le aconsejaban en sus negocios comerciales, básicamente basados en la lucrativa venta de esclavos, y en la organización de sus campañas para magistrado, desempeñar un cargo público era un honor para un patricio. Ambos se quedaron en el tablinum departiendo largo tiempo con Marco. Con el lanista trataba la venta de varios esclavos para unos juegos, y con el jurista la forma de amplían su red de clientes para favorecer su carrera como Edil, pasaron horas hasta que llegó la hora de la comida.

Tipica decoración mural de un Triclium de Pompeya.

Y Marco invitó a sus clientes de confianza al comedor o Triclinum, llamado así por los triclinos o tres divanes, donde se comía reclinado entorno a una mesa o mensae baja también con tres patas, el tres era un número mágico para los supersticiosos romanos. El lanista y el jurista animados por el patrono se reclinaron cada uno en un triclino, respetando el estricto protocolo según el cual cada invitado debía estar colocado según su condición social, el jurista se reclinó en el diván más cercano a Marco. Él se llamaba Secundus y tenía un olfato superlativo, por lo que notó un agradable olor que desprendían dos bellas lamparas para infusiones, y percibió que era una infusión de azafrán, Marco quería demostrar que era tan rico que podía quemar esa apreciada y cara especie. Unos bellos candiles (lucernae) de aceite iluminaban el comedor, y permitieron al lanista, de nombre Primus, fijarse en los suntuosos mosaicos que decoran el suelo y las bellas pinturas de las paredes, con el omnipresente rojo, que ilustraban escenas mitológicas y del buen comer y beber. Primus también pone sus ojos en una lujosa vajilla de plata y bronce, en los platos de excelente cerámica, y en unas copas cristal de una finura que se le antoja sobrenatural.

Fresco del Triclinum de la Domus de Marco, que representa una escena de la tragedia Andrómeda, la lucha entre Orestes y Neoptólomeo por el amor de Hermione.

Primus y Secundus se sienten honrados de poder asistir a tan elevado banquete, momento en el que entran los esclavos domésticos con la comida. Ambos se percatan de que van a disfrutar del verdadero tranpamtojo de la época, Marco había ordenado al cocinero hacer que el pollo parezca pescado y el pescado se asemeje al pollo, todo cortado en pequeños trozos, para poder ser comido con las manos mientras estaban reclinados en las almohadas y la comodidad de los triclinos. La comida se alargó sobremanera, no había prisa y estar en los divanes (costumbre heredada de Grecia) permitía comer y beber más, conversar de forma más distendida mientras bebían el vino de falerno, uno de los pocos buenos vinos de la época, que proveía de las fértiles laderas del monte Falerno. Una vez resueltos los asuntos de comercio y electorales Primus, Secundus y Marco hablaron de temas tanto triviales como más elevados hasta terminar siendo casi de noche.

Fresco de una de la cubiculas de la Casa de Marco que representa Narciso enamorado de propio reflejo.

Marco termina despidiendo a sus fieles clientes y son acompañados a la puerta por el incansable nomenclator. Primus y Secundus algo afectados por los efectos del vino de Baco salen a la calle y se ven rodeados por un tumulto provocado por unos juegos de gladiadores, los pompeyanos se enfrentaban los aficionados de la ciudad de Nuceria, algo muy habitual. Primus huye despavorido y al llegar a su apartamento de su insulae, rememora la tranquilidad y buena vida de su patrono en su lujosa Domus y recordó las palabras del poeta Juvenal en “Roma solo pueden dormir los ricos”. Mientras Secundus, antes de ir a su Ludi, como buen lanista, se une a la refriega y sale herido en una pierna.

Fresco que representa a una pareja de pompeyanos.

Este episodio mezcla de ficción y realidad, toda buena historia merece ser adornada, creo que ilustra a la perfección como era la vida en Pompeya y en cualquier ciudad del Imperio en el cenit de la civilización romana. Pompeya tuvo la desgracia de sufrir un terremoto primero en el 62 d.C, y en el 79 d.C quedar sepultada por la erupción volcánica del cercano Vesubio, que enterró a sus habitantes y viviendas bajo sus cenizas. Una desgracia que nos ha permitido descubrir con todo lujo de detalles, como era la vida en los inicios de nuestra era en la mayor civilización de la Historia.

Bibliografía para saber más:

R. Etienne.La vida cotidiana en Pompeya. Aguilar, Madrid, 1971.

M. Beard. Pompeya: Historia y leyenda de una ciudad romana. Crítica, Barcelona, 2014.

R. Hanoune y John Scheid. La Antigua Roma: como vivían los romanos. National Geographic.

E. Castillo. Vivir en una casa de Pompeya. Historia de National Geographic. Nº 136. 2015.

Web y visita virtual a la exposición Romanorum Vita de la Obra Social de la Caixa:

http://multimedia.lacaixa.es/lacaixa/ondemand/obrasocial/interactivo/romanorumvita/es/visita_virtual.htm

Fotografías: Wikimedia, National Geographic.

Antimatter - The Judas Table. Uno de los muchos descubrimientos del año es Antimatter, la banda de Duncan Patterson, bajista de Anathema, que explora todas las vertientes del rock, para ofrecer composiciones alejadas de cualquier tipo de etiquetas. Con una base metal/rock cocinan temas llenos de melodías elegantes, atmósferas melancólicas y oscuras, partes acústicas de gran belleza combinadas con sutilezas vocales sensacionales del cantante Mick Moss. Escuchar temas como Killer, Comrades, Stillborn Empires, Hole o The Judas Table supone transportarse a un mundo mágico de rock atemporal lleno de arte. Notable disco, para descubrir por todos aquellos amantes del metal/rock al margen de estereotipos.

Baroness - Purple. Cuarto disco del impresionante cuarteto musical de Savannah (Georgia) liderado por John Dyer Baizley, que con su anterior Yellow And Green alcanzó su cima musical con un disco maduro, variado, accesible, lleno de personalidad y emocionantes canciones, suponiendo un soplo de aire fresco en el rock progresivo, el hard rock y sludge metal técnico, y demostrando que no todo está inventado. Y ahora en Purple no hacen más que abundar y sublimar su estilo y rica formula musical, un rock/metal emotivo, personal y lleno de matices que no sigue ninguna línea estilística concreta, ampliando sus miras musicales, y, de nuevo, sonando accesibles y aditivos, incluso más directos y depurados. Purple es otro sensacional disco de adictivas, poderosas y sensacionales canciones como la inicial Morningstar, con un riff sobrenatural y estribillo lleno de positivismo, la vitalidad y la armonía son dos señas de identidad de Purple, como en la genial Shock Me, de armonías de guitarras magistrales y un estribillo que engancha y se graba a fuego en nuestras mentes. Purple es un temazo tras temazo, Try To Disappear, es una gozada con un ritmo potente y, una vez más, otro estribillo perfecto, a igual que Kerosene, soberbia demostración de potencia y de su personal hard rock progresivo. Y lejos de decaer el disco se cierra con cuatro temas para enmarcar: Chlorine & Wine, una maravilla de tema épico que va in crescendo llenos de cambios de ritmo y unos coros alucinantes, termina y tu cerebro sigue canturreándola. The Iron Bell, de soberbia base rítmica, los nuevos Sebastian Thomson a la batería y Nick Jost al bajo y a los teclados se han aclocado a la perfección. La descomunal potencia y ritmo de Desperation Burns y If I Have To Wake Up (Would You Stop The Rain), suave y llena de belleza, nos cautiva la voz de Dyer, gran y épico epílogo de un disco Sobresaliente. Baroness no dejan de sorprenderme para bien, un grupo para todos aquellos que han perdido la esperanza en el hard rock del siglo XXI, en mi opinión, uno de los grupos de los últimos años.

Caligula's Horse - Bloom. Grupo revelación del progresivo y del sello Inside Out, ya su nombre denota originalidad en homenaje al caballo Incitatus que veneraba el sátiro y loco emperador Caligula. y su música es un ejercicio de renovación del progresivo más melódico y de buen gusto en unas composiciones caracterizadas por la belleza, la técnica instrumental y, sobre todo, melodías adictivas llenas de sentimiento, que te transportan y embelesan. Y es que se ven las múltiples influencias musicales y estilos que estos australianos combinan con maestría, desde el nostálgico inicio con Bloom, los ritmos progresivos cambiantes y los estribillos accesibles se combinan en Marigold, la belleza evocadora de Firelight o Drangonfly donde lucen la bonita voz edulcorada de Jim Grey y las guitarras de Zac Greensill y Sam Vallen. Son buenísimos y lo demuestran también en Rust, genial ritmo y melodía, y en la excelsa opus Daughter of the Mountain con complejos cambios rítmicos y, a la vez, te atrapan con unas melodías y estribillos sensacionales. Sobresaliente para los sorprendentes Caligula’s Horse, un nuevo grupo a tener muy en cuenta para el futuro en la escena metal prog.

Coheed and Cambria - The Color Before The Sun. Octavo disco de uno de mis grupos favoritos de rock progresivo y adictivo, con unas melodías tan elegantes y accesibles que no puedo dejar de escucharlos. Es que Claudio Sánchez y sus huestes neoyorquinas no hacen solo purista rock prog sino que combinan potentes y elegantes melodías, guitarras pop/rock mezcladas con otras metálicas y, sobre todo, unos estribillos y coros que se graban a fuego en nuestras mentes, y el resultado es un mix de rock/metal exuberante, variopinto que no te cansas de escuchar. The Color Before The Sun es, de nuevo, todo eso y más, otro discazo lleno de variedad musical y sus sobrenaturales melodías vocales y de guitarra. Desde la inicial y adictiva Island, la pegadiza Eraser, la progresiva y llena de sentimiento Colours, el sensacional medio tiempo Here To Mars. Pasando por la opus Atlas, en la que subliman su estilo, el adictivo single You've Got Spirit, Kid, la metálica y potente The Audience, o la belleza acústica de Peace To The Mountain. Sobresaliente para Coheed and Cambria, con cada lanzamiento me alegran el año y no puedo dejar de escucharlos.

Clutch - Psychic Warfare. Uno de los mejores grupos de rock duro y rock and roll con una larga carrera, desde 1993, pero que muchos aún no conocen. Pues yo os invito a conocer a Neil Fallon y los suyos, ya que cada uno de sus discos es un verdadero puñetazo sobre la mesa del rock duro y el stoner, con su poderoso ritmo y un estilo único e inigualable. Los chicos de Maryland (USA) vuelven a bordar su rock and roll lleno de adrenalina y energía, guiados por la profunda voz de Neil y tremendos riffs para romper tu cuello, unido a mucha carga de blues. Es sólo escuchar el single X-Ray Visions y sentirte embaucado por su energía desbordante, un verdadero cañonazo de decibelios rockeros y adictivo estribillo. Las desatadas lineas vocales y riffs siguen con temas como: Firebirds, A Quick Death in Texas, Sucker for the Witch o Noble Savage, también temas más sosegados llenos de poso blusero como Our Lady Of Electric Light o el soberbio corte final con Son Of Virginia. Notable disco de rock duro americano, ideal para todos los entusiastas del rock, si no los conocen estás tardando en descubrir a Clutch.

Def Leppard - Def Leppard. Uno de los grandes grupos del hard rock elegante y melódico de los 80 ha regresado a la actualidad con un disco homónimo a la altura de su excelsa carrera. Se han tomado su tiempo tras el notable Songs from the Sparkle Lounge de 2008, pero la espera ha merecido la pena para los fans de Def. Su nuevo disco es 100% su estilo de toda la vida desde la contagiosa Let’s Go, todo un himno de la banda con un sonido y un estribillo genial, seguida por el pegadizo y potente Dangerous, lleno de grandes coros y soberbias guitarras de Phil Collen y de Vivian Campbell unidas a un estribillo marca de la casa. Curiosa es Man Enough llevada por el bajo de Rick Savage al más puro estilo Queen, en un corte de homenaje adictivo, luego el medio tiempo We Belong, como escuchar a los Leppard de finales de los 80 en un estribillo genial. Grandes melodías llenas de buen rollo en Invincible y la rítmica Sea of Love. El nivel del disco es muy bueno, aunque muchos no lo verán así, con temas como All Time High, lleno de pegada y ritmo con un estribillo superlativo y un solo de guitarra que engancha, al igual que otro gran tema como Broke 'n' Brokenhearted, de melodía contagiosa y estribillo ideal para el directo. Para el final la acústica y bella Last Dance y otro tema genial como Wings Of An Angel, donde luce la peculiar voz de Joe Elliott. En definitiva, Notable disco de Def Leppard, para reproducir una y otra vez por sus verdaderos fans.

Eagles Of Death Metal - Zipper Down. El grupo de Jesse Hughes y Josh Homme (Queens of the Stone Age) regresa para entregar otro disco de rock desenfadado y puramente divertido que básicamente esa la esencia de Eagles Of Death Metal. Rock cargado de buen rollo para pasar un buen rato, diversión y guitarras llenas de ritmo en temas de buen rock bailable y positivo. Todo es 100% EODM cuya idea es trasmitir buen rollo desde la inicial y bailable Complixity, un tema antiguo de Jesse Hughes que se hace puro EODM, seguida de la genial Silverlake, adictiva y alegre, y la cañera Got A A Woman, llena de ritmo californiano. La alegría y el rimo nos inundan hasta el final del disco con temas como: I Love You All The Time, de curiosa melodía, Got the Power, una de mis favoritas de puro rock and roll buenrollero, o The Reverend, cuyo ritmo hace que tu cuello no deje de moverse. Notable para EODM, Zipper Down nos ofrece un buen rato de rock fresco, divertido, sencillo y directo, justamente lo que pretendían. Una pena que vayan a ser recordados por los atentados de Paris en la sala Bataclan.

Halestorm - Into the Wild Life. Lzzy Hale y sus huestes se están convirtiendo poco a poco, desde Pennsilvania, en uno de los mejores grupos de rock/metal americano. Into The Wild es otro paso adelante en su carrera y potencian aún más las cualidades y sonido de la banda, que descansa fundamentalmente en el vozarrón y presencia de Lzzy junto a muchos buenos temas llenos de pegada, contundencia y melodía. El portento vocal de Lzzy lo inunda todo en himnos como Scream de gran y directo estribillo, seguida de un I Am Fire, que me parece uno de los temas del año del metal/rock americano, lleno de pegada y derroche vocal de una Lzzy desatada. La original y llena de ritmo Sick Individual se combina con la comercial y efectiva Amen y la gran balada Dear Daughter. Temas accesibles como New Modern Love junto con otros potentes como Apocalyptic, eso son Halestorm potencia y melodía sabiamente combinada. Notable grupo y disco lleno de singles sensacionales guiados por, en mi opinión una de las voces del momento en el rock, los fans del rock made in USA.

Phantasma - The Deviant Hearts. Interesante y lleno de elegancia nuevo proyecto de metal/rock sinfónico europeo de Georg Neuhauser (Serenity), Oliver Philipps (Everon) and Charlotte Wessels (Delain). The Deviant Hearts es un decálogo de como aunar dos elegantes voces, como son las de Gearg y Charlotte, en composiciones llenas de calidad y delicadas melódicas. Si estas buscando metal convencional Phantasma no es lo tuyo, ahora si disfrutas las melodías, la belleza musical y unos soberbios arreglos orquestales si disfrutarás de Phantasma. Delicado metal sinfónico combinado con hard rock en temas llenos de melodías que enamoran, temas como Try, Crimson Course,Let It Die, Runaway Gray o Miserable Me, son verdaderos ejemplos de metal elegante colmado de estribillos pegadizos, dulces y arabescos melodías, unidas a mucho feeling y dulzura en un trabajo vocal soberbio. Notable disco 100% recomendable para amantes del metal ultra melódico lleno de elegancia, pocos discos de ese estilo encontramos en la actualidad, y Phantasma nos regalan una joya musical.

Red Beard - Nobody's Gonna Bring Me Down. Sorprendente disco del canario Jaime Jiménez Fleita, cuya música cuesta creer que sea hecha en España. Realmente, logran unos temas y sonido que más bien parece proceder Kentacky, rock sureño en su máxima expresión con una gran voz y grandes guitarras. Temas como Ain't Got Nothing, Hard Feelings, nos trasladan al profundo mundo sureño americano con limpias guitarras y dulce melancolía. Here Comes The Storm, Nobody's Gonna Bring Me Down o Fence los sitúa como hermanos canarios de los Blackberry Smoke, una gozada escuchar temas tan buenos venidos desde Canarias. De lo mejorcito y Notable que he escuchado en España en años, enhorabuena para Red Beard.

Strawberry Girls - American Graffiti. Otro de los descubrimientos del año un trio de músicos sencillamente sobrenatural el formado por Zac Garren (ex-Dance Gavin Dance), Ben Rosett y Ian Jennings, que hacen un math groove metal/rock melódico, inclasificable y cuasi instrumental, que no aburre, más bien lo contrario, estimula los sentidos y entusiasma. Prodigiosos ritmos entrecortados, melodías originales y diferentes, desde la inicial y homónima American Graffitti, geniales desarrollos instrumentales que se transportan y te hacen moverte en Violent Night o la genial Spanish Bay, con unas guitarras sorprendentes. La originalidad y la calidad no cesa en temas como: Gospel y Buddha, donde las melodías lo llena todo. Improvisación, jazz, rock, metal todo magníficamente ejecutado y mezclado en South American Eclipse, y mi favorita Volcano Worship, con la melosa voz de Sarah Glass y unos ritmos llenos de potencia groove y cambios en toda una montaña rusa instrumental. Geniales. diferentes, recomendables 100% para oídos abiertos y paladares exquisitos que gusten del rock/metal sin complejos, la experimentación y el buen gusto se dan la mano en los Notables Strawberry Girls.

Swallow The Sun - Songs From The North I, II, III. No soy especial entusiasta del doom metal, pero los fineses Swallow The Sun son la luz dentro de un estilo tan oscuro. Su anterior luminoso y relajarte Emerald Forest and the Blackbird ya era el reino de elaboradas y cadenciosas composiciones, mucha tristeza en las letras, y grandes combinaciones de melodías vocales, tanto desgarradoras y guturales como limpias y delicadas. Todo eso está presente en Songs From The North pero llevado al extremo, nada menos que 3 discos en una de las obras más ambiciosas, excelsas y grandilocuentes de 2015, que se caracteriza por una extremada variedad musical y estilística. Ponían haber sacado tres discos diferentes espaciados en el tiempo, pero estos chicos no entienden de medias tintas y se marcan una joya, una obra maestra del metal oscuro y melódico, que se me antoja cuasi inabarcable. Entrar en detalles de cada canción sería eterno, cada disco es un mundo en si mismo, un todo armonioso, melódico, melancólico y atmosférico, mucha oscuridad y también mucha rutilante luminosidad. Tres Actos muy densos, pero a la vez accesibles, sobre todo los dos primeros, en el tercero la aflicción y la desesperación del Doom lo inunda todo. Lógicamente apto para amantes de los sonidos más oscuros y desgarrados, Swallow The Sun, desde luego, son Sobresalientes y han facturado una obra cuasi insuperable en su estilo.

Teramaze - Her Halo. Otra de las joyas escondidas del 2015 para los amantes del rock/metal progresivo melódico, el guitarrista Dean Wells y sus Teramaze se destapan como un grupazo que explora las distintas vertientes del progresivo, pero siendo muy accesibles al reinar la melodía y la elegancia en los temas. Desde el soberbio inicio con la opus An Ordinary Dream (Enla Momento) llena de cambios de ritmo y grandes pasajes y desarrollos de guitarra electro-acústicos. Sensacional es To Love, A Tyrant llena de matices, grandes teclados, y luciendo la melódica y genial voz del cantante Nathan Peachey. Las atmósferas electro-acústicos y las melodías se combinan con los cambios y los desarrollos prog el mejor ejemplo es Her Halo, de inicio calmado para llevar a un cambio ultra melódico en un estribillo para enmarcar. Sensacionales melodías vocales en cortes sinfónicos como; Out Of Subconscious muy potente, la desbordante instrumentación de Trapeze o la melancólica y bella Broken. Notable disco de rock progresivo apto para todos los oídos y para añadir a la colección, sin duda.

Trivium - Silence In The Snow. Uno de los grandes grupos de la escena metal americano, que además se está atreviendo a no ofrecer siempre lo mismo, intentan evolucionar y enriquecer su inicial metalcore contundente con nuevas melodías, algo que para mi es de agradecer siempre. Silence In The Snow es muy diferente a lo que han hecho antes, un nuevo giro e intento de mejorar y abrir su estilo a nuevos sonidos e influencias, empezando por la voz de Matt Heafy (muy mejorada por sus clases de canto) que destierra totalmente las voces rasgadas y guturales, para decepción de sus fans más monolíticos, que se están cebando con el nuevo estilo de Trivium y sus voces, limpias y bien entonadas por primera vez, cambiar a mejor para algunos no supone mejorar, por la obsesión de escuchar siempre lo mismo. Trivium ya no son sólo machacón hardcore ahora exploran todas las vertientes del rock/metal moderno, desde la inicial y homónima Silence In The Snow, de gran ritmo y melodía, como la movida y diferente a la par que clásica Blind Leading The Blind. Muy buenos los nuevos sonidos y ritmos modernos de The Ghost That's Haunting You y Until The World Goes Cold, una de mis favoritas por su lograda melodía vocal y gran estribillos. Las melodías rock/metal y los pegadizos estribillos se suceden en Rise Above The Tides o Breathe In The Flames, genial tema y melodía potente y adictiva. Lo siento por los machacones amantes del inmovilismo, pero Trivium ofrecen un disco diferente y Notable, creo, firmemente, que la evolución es la clave del metal/rock.

The Winery Dogs - Hot Streak. Segundo disco del power trio del momento en el hard rock, nada más y nada menos que Richie Kotzen, Mike Portnoy y Billy Sheehan, no hace falta ni presentarlos. Lo mismo que dije para su primer disco vale para Hot Streak, donde tres verdaderos genios, cada uno en su instrumento nos ofrecen uno de los discos de Hard rock clásico del año, sin duda alguna. Estamos ante un homenaje a los clásicos por pasado por el tamiz de tres genios, por lo que todo suena genuino y original, desde mi punto de vista ya suenan a The Winery Dogs. Richie da un recital a las voces y las guitarras, Mike demuestra que es uno de los grandes baterías de la música (le da igual el metal que el rock), y que decir de Billy, que con su particular sonido de bajo lo inunda todo, el trío musical perfecto. Y la perfección se aprecia en temas muy movidos, llenos de cambios de ritmo, con unas melodías y riffs sensacionales, y una base rítmica para poner en las escuela de rock. Todo combinado con geniales estribillos y sublimes juegos instrumentales entre los tres virtuosos en grandes temas para dar y tomar como: Oblivion, que espectáculo de single no te cansas de escucharlo, ritmo endiablado y adictivo, Capitan Love, Hot Streak, Fire, genial balada llena de feeling, o How Long, bueno todos los temas son magníficos. Notable disco que si eres amantes del hard rock de muchos quilates, que no debes dejar escapar, a finales de los 80 hubiera sido todo un clásico.

Shining - International Blackjazz Society. Otra de las sorpresas totales de 2015, por originalidad y capacidad de crear un nuevo estilo renovando el metal actual, un grupo noruego que tras años de carrera, ahora, por evolucionar y cambiar, se convierte en un referente dentro del progresivo y del metal en general. En International Blackjazz SocietyJørgen Munkeby y sus huestes hacen un ejercicio de experimentación y amalgama estilística digan de mención, logran algo nuevo, te guste o no. Simplificando su enrevesado y potente estilo y haciéndolo más audible y directo. No es metal progresivo cañero es mucho más, es rock and roll, leves toques industriales, y jazz como mucho saxo, que le da un aire genial a su metal ecléctico de grandes riffs de guitarra y un base rítmica sensacional. El jazz y metal se dan la mano en unos ritmos para no dejar de mover el cuello desde la inicial The Last Stand, pasando por la genial Burn It All, la descomunal Last Day, mi favorita, todo un hit de metal/jazz progresivo, directo y accesible. Geniales también la progresiva Thousand Eyes y la orgía instrumental jazz/metal que supone House Of Warship. Son originales y Sobresalientes, merece la pena acercarse a International Blackjazz Society, si tus oídos son de pabellón amplio no puedes dejar escapar esta joya de la experimentación metálica bien entendida.

W.A.S.P. - Golgotha. El amigo Blackie Lawless ha tratado 6 años en presentar una nueva obra, pero la espera ha merecido la pena, Golgotha supera tanto en sonido, como composiciones a sus anteriores últimas obras: Babylon o Dominator, que no eran malas pero les faltaba algo. Ese algo lo tiene Golgotha, con una producción sobresaliente y un sonido genial, para un disco a la altura de la carrera de Blackie, uno de los tíos que más me ha emocionado, tanto en estudio como en directo, con su peculiar voz, y donde luce sobremanera el desconocido guitarrista Doug Blair, que se revela como un maestro de las seis cuerdas ejecutando unos solos que hacen afición, sensacional guitarrista, Blackie sabe elegir, desde luego. Y es que Golgotha es un derroche de elegancia, clase y también técnica, desde la inicial estrofa y melodía de Scream, 100% WASP con un estribillo genial, al igual que Last Runaway, me recuerda al mejor Lawless de los 80, pura clase y melodía genial en su estribillo. La peculiar voz de Blackie nos envuelve en otro gran tema como Shotgun, hard rock elegante en su máxima expresión y como no, es un grande de los medios tiempos y baladas, y con Miss You crea un nuevo clásico de maravillosa melodía acústica que va in crescendo, soberbia. El disco no decae en ningún momento grandes estribillos como en Fallen Under y Slaves Of The New World Order, quizás el tema del disco lo tiene todo, los "oooooh" de Blackie, unas guitarras descomunales y un ritmo y estribillo glorioso. No le van a la zaga la preciosa Hero of The World, emocionante escuchar a Blackie en ese nivel, y la descomunal belleza del medio tiempo/balada Golgotha, todo un decálogo de como hacer un tema lento, con Blackie y Doug desatados, que pone el broche de oro a un disco Sobresaliente, con tanto carisma como Blackie.

Otros discos de finales de 2015:

A Thousand Horses - Southernality (para fans de rock americano sureño)
Gazpacho - Molok (rock fusión desde Noruega con nombre español jaja)
Ghost - Meliora (rock prog)
Jess and the Ancient Ones - 2nd Psychedelic Coming: the Aquariu (original rock psicodélico)
Magnus Karlsson's Free Fall - Kingdom Of Rock (hard rock/heavy classic)
Rendezvous Point - Solar Storm (metal progresivo y ecléctico)
Safire - For the Greater Good (hard rock con aires prog)
Skindred - Volume (reggae metal)
Trans-Siberian Orchestra - Letters from the Labyrinth (épica opera rock)
Vanden Plas - Chronicles Of The Immortals: Netherworld II (teatral metal progresivo europeo)
Voodoo Circle - Whisky Fingers (Classic Hard Rock)

En 2016 más Mundo de Babel, con más Historia, Arte, Arqueología, Música...., ¡Feliz Año!

1. Iron Maiden - The Book Of Souls.

2. Muse - Drones.

3. The Neal Morse Band - The Grand Experiment.

4. Baroness - Purple.

5. Nightwish - Endless Forms Most Beautiful.

6. Kamelot - Haven.

7. Symphony X - Underworld.

8. Riverside - Love, Fear and the Time Machine.

9. Coheed and Cambria - The Color Before The Sun.

10. Revolution Saints - Revolution Saints.

Mejor Vocalista: Bruce Dickinson (Iron Maiden).
Mejor Guitarrista: Michael Romeo (Symphony X).
Mejor Bajista: Christopher Wolstenholme (Muse).
Mejor Baterista: Deen Castronovo (Revolution Saints).
Mejor Teclista: Thomas Holopainen (Nightwish).
Mejor Músico del año: Matthew James Bellamy (Muse)
Mejor Sonido y Producción: Drones by Robert John “Mutt” Lange and Muse.
Mejor Tema: Alive Again (The Neal Morse Band).
Grupo revelación del año: Caligula's Horse.

Otros Discos Sobresalientes:
Beardfish - +4626-Comfortzone.
Blackberry Smoke - Holding All the Roses.
Caligula's Horse - Bloom.
Chris Cornell - Higher Truth.
Eclipse - Armageddonize.
Thunder - Wonder Days.
Swallow The Sun - Songs From The North I, II, III.
Steven Wilson - Hand. Cannot, Erase.
The Answer - Raise a Little Hell.
The Night Flight Orchestra - Skyline Whispers.
W.A.S.P. - Golgotha.

Otros discos Notables:
Antimatter - The Judas Table.
Apocalyptica - Shadowmaker
Angra - Secret Garden.
Blind Guardian - Beyond The Red Mirror.
Children of Bodom - I Worship Chaos.
Clutch - Psychic Warfare.
Def Leppard - Def Leppard.
Enter Shikari - The Mindsweep.
Europe - War Of Kings.
FM - Heroes and Villains.
Ghost - Meliora.
Halestorm - Into the Wild Life.
Keith Richards - Crosseyed Heart.
Leprous - The Congregation.
Luca Turilli's Rhapsody - Prometheus, Symphonia Ignis Divinus.
Phantasma - The Deviant Hearts.
Royal Thunder - Crooked Doors.
Scorpions - Return to Forever.
Shinedown - Threat To Survival.
Shining - International Blackjazz Society.
Soilwork - The Ride Majestic.
Stratovarius - Eternal.
Strawberry Girls - American Graffiti.
Teramaze - Her Halo.
The Darkness - Last Of Our Kind.
The Sword - High Country.
The Winery Dogs - Hot Streak.
Three Days Grace - Human
Tremonti - Cauterize.
Trivium - Silence In The Snow.

Le Bain Turc, 1862. Museo del Louvre, París.

Hace, relativamente, poco que tuve la suerte de redescubrir a Jean Auguste Dominque Ingres y su dibujo. Siempre pensé que el dibujo y la forma de tratar el cuerpo humano de Rafael o Miguel Ángel eran insuperables, pero Ingres iguala los genios del Renacimiento, e incluso los mejora por su original, personal y maravilloso estilo. Se inspira, lógicamente, en Rafael, Poussin o David, pero logra trascender su aparente academicismo neoclásico. Es un renovador del dibujo y el cuerpo con sus anatomías humanas llenas de evocación al pasado griego, el llamado estilo Trovador, pero les da su toque de distorsión, de exóticas lineas y orientalismo que lo hacen único. Ingres se inició con su padre, pintor mediocre, y en la Academia de Toulouse, donde despuntó su genial talento pictórico. Luego, desde 1796 en Paris, bajo la tutela del grande del neoclasicismo Jacques-Louis David, según uno de los discípulos de Ingres “... ya era hábil en el manejo del pincel cuando David se hizo cargo de la tarea de enseñarle”, en realidad a los 10 años ya era maestro del dibujo. Ingres pronto se desmarcó del academicismo de la escuela de David, con su dibujo exótico, sus colores y anatomías se desvinculaba del estilo neoclásico.

Ingres en un autorretrato a los 24 años.

En 1806 se fue a Roma, donde vivió 18 años, y completó su formación, su conocimiento de la Antigüedad y del Quattrocento, de paso descubrió el genio de Rafael, que marcó, totalmente, su estilo. Ingres con su desbordante sensibilidad encumbró el prodigio del arte y anatomías humanas de Rafael. Ingres va a igualar al maestro del Quattrocento y desarrollar un estilo propio marcado por voluptuosas lineas en sus desnudos femeninos llenos de pureza y exactitud en el dibujo, en obras magnificas como: su Gran Bañista, Zeus y Tetis o La Gran Odalisca. Unas primeras obras que no gustaron en inicio, no fue hasta 1841 a su regreso a París donde empieza a ser reconocido su genio y su obra es acogida de forma triunfal, exponiendo por primera vez en la Galería de Bellas Artes junto a Delacroix. Es curioso, que Ingres era también un gran músico, violinista de la orquesta del Capitolio de Toulouse, un genio en todos los sentidos.

Jupiter y Tetis.

Hacía el final de su vida, 1862, Ingres va a sublimar su dibujo, sus figuras femeninas y su suntuosa desnudez en su obra maestra El Baño Turco, cenit de su exótico estilo, su orientalismo sinuoso y suave erotismo. Ingres trata el desnudo femenino desde una visión y carga erótica alejada de los cánones estéticos del academicismo neoclasicista. Dominique en sus desnudos nos sumerge y orienta nuestras miradas hacia el placer sensual y carnal, como en La Gran Odalisca, considerado el primer gran desnudo de tradición moderna, paradigma de sus figuras femeninas ideales, sensuales, exóticas y su orientalismo. El desnudo de la mujer era su tema favorito, junto a escenificación de la tradición clásica, de Roma y sus mitos.

La gran Odalisca.

El Baño Turco es su obra más llena de erotismo y sensualidad, siempre con su aire oriental y exotismo. En el Baño representa a un grupo de mujeres desnudas en un harén, creando un icono de cálido erotismo sin causar escándalo en su época. Ingres se inspiró en un relato del siglo XVIII que escribió Lady Montagu, esposa de un embajador inglés, tras visitar un baño turco, donde cuenta como un grupo de mujeres se arreglaban para la boda de una de ellas. En palabras de Lady Montagu “…había unas doscientas mujeres (…) bellas mujeres desnudas en poses diversas…unas conversando entre sí, otras dedicadas a su labor, otras bebiendo café o degustando un helado, y muchas tendidas indolentemente, mientras sus esclavas (odaliscas) se dedicaban a peinar sus cabellos a su capricho…”.

La Bañista de Valpiçon o la Gran Bañista.

Ese relato es la inspiración para el Baño Turco de Ingres, un cuadro de velado erotismo y vaporosa sensualidad que el pintor siempre mantuvo con él, trabajando sobre el cuadro durante años. Digamos que lo ocultó al ojo masculino y se comprueba que reflexionó mucho sobre su obra al decidir cambiar su formato. En origen era rectangular pero, finalmente, se decanta por un tondo (disco o medallón circular utilizado para la pintura desde la Antigüedad, aunque no sea muy habitual). Con el tondo rinde homenaje a su querida tradición clásica y al Renacimiento, y además le da mucho más sentido a su carga erótica. La circularidad del nuevo Baño Turco insinúa que el baño del grupo de mujeres sería contemplado a través de un óculo o vano circular a modo de sublime delectación voyeurista, los espectadores miramos de forma furtiva al interior.

Centro del Baño Turco con la Bañista tocando el laúd, y la sutil escena lésbica de la sultana y la joven detrás de la esclava con brazos elevados.

Ingres tiene ya 82 años cuando termina el Baño Turco, como el desnudo femenino es una de sus constantes, no utiliza modelos para su grupo de mujeres, los miles de bocetos y estudios anatómicos que había hecho son los que reutiliza como modelos. En el centro de la composición tenemos una mujer de espaldas con un turbante en la cabeza que está tocando un laúd, que no es otra que su celebre bañista de Valpinçon. Ingres la colocó en la misma posición, sólo variando su brazo izquierdo para insinuar su seno, que está tocando el laúd al resto de mujeres de la escena. Una figura que es punto de luz en contraste con la mujer que está bailando al fondo en la penumbra. A la derecha, también en primer plano, tenemos una odalisca o esclava con los brazos en alto, que parece inspirada en un bocetos que el pintor hizo de su mujer Madeleine en 1818. Delante de la odalisca con los brazos levantados, tenemos la curiosa inclusión de un bodegón en forma de manta roja y mesita con una tetera plateada, una taza, una jarra y otro elemento de porcelana de un colorido y florido azul. Ingres sublima su estilo, alarga de forma exagerada y consciente la espalda de la esclava, una alargada y exótica anatomía con la que busca el efectismo dejando de la lado la coherencia de lo real y logró expresar belleza a través de lo inverosímil.

Parte baja y primer plano con la mesita bodegón y las anatomías alargadas y peculiares como la de la odalisca.

Detrás de la odalisca el atrevimiento de Ingres le hace incluir una escena de claros aires lésbicos, una mujer tocada con una corona (la madre del Sultán) acaricia el pecho de otra mujer más joven, una osadía llena de erotismo. Detrás de esa escena otra mujer sostiene un incensario mientras mesa los cabellos rubios de una joven, otra muestra de una genial composición de ritmo cadencioso, las mujeres se reparten en planos yuxtapuestos sin mirarse. Un gran grupo de cuerpos femeninos en múltiples ademanes y posturas, algunas están charlando, otras bailando, comiendo o tomando café, todo el grupo está tumbado o sentado alrededor a una piscina, muchas acaban de salir del agua y están secándose. El pintor lograr su objetivo la idealización de la belleza erótica del cuerpo femenino con sus curvaturas y variaciones, el Baño Turco es el cenit de su genuino estilo. Ingres cambió el desnudo y el universo femenino, se nos revela como un espectador indiscreto de sus mujeres ideales y colmadas de un original erotismo.

Otra vista del centro con el cadencioso y sensual grupo de mujeres.

Su devoción por el desnudo femenino no puede ir desligada de su influencia orientalista. Un orientalismo muy evidente y que está muy presente en su suntuosa desnudez, como en La Gran Odalisca (con su abanico, turbante y pipa) y, como no, en el Baño Turco. Es muy curioso que Ingres nunca visitó las civilizaciones orientales, ni Oriente Medio o Próximo. A diferencia de otros contemporáneos suyos, como el romántico Delacroix, que estuvo en Argelia. Ingres utiliza lo orientalizante como excusa para dar sensualidad a sus desnudos femeninos, ya que la inclusión de elementos orientales tales como: un turbante, un abanico, incensarios, instrumentos musicales, una pipa, o el propio baño, como en este caso, le permite que sus mujeres tomen posturas exóticas y de cierto tono lascivo. Ese atrevimiento por ser diferente en las lineas y su descomunal dominio del dibujo, lo llevan a los altares de la pintura y se ha convertido en uno de mis pintores favoritos.

Parte superior con la soberbia yuxtaposición de cuerpos femeninos y con el penumbroso fondo que hace contraste con la luz de las mujeres.

Su influencia es muy amplia en el arte, desde ser un referente para los impresionistas como Edgar Degas, que poseía hasta 20 cuadros del pintor. Hasta influir en nuestro gran Pablo Picasso, mencionar su obra de 1907 La Gran Odalisca a partir de Ingres, o, en mi opinión, en las mismas Señoritas de Aviñón veo mucho del sublime Baño Turco de maestro de la sensualidad femenina. Ingres creo verdaderos iconos del cuerpo desnudo de la mujer, marcó nuestra mirada y modernizó la tradición clasicista llegando al nivel de su idolatrado Rafael. En definitiva, suscribo las palabras de Vincent Pomarède, comisario del Lovre, Ingres “sentía un deseo de renovar el género, inventando otras posturas y con una nueva concepción del cuerpo humano, más basado en la luz y el movimiento”, y creo, firmemente, que lo logró.

Imágenes: Wikimedia.

Enlace de la Exposición de Ingres en el Museo del Prado:

https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/ingres/00e24782-cbd7-4f3e-af2b-46aa5a34d983

Ladera del volcán Rano Raraku y sus moai, impresionante símbolo de Rapa Nui.

Desde inicios del siglo XVIII exploradores europeos llegan a la Isla de Pascua, nombre dado en 1722 por el holandés Jacob Roggevven, al llegar el día de la Pascua de Resurrección. Jacob fue uno de los primeros en llegar a este lejano mundo del Pacifico y embelesarse ante las colosales estatuas que poblan la isla. Luego llegaron otros viajeros, como el francés Jean-Francois de La Pérouse, que exploraba el pacifico y se encontró la isla en 1789, quedando asombrado ante la imponente mirada hierática de las cientos de estatuas. Antes en 1770, una expedición organizada por el Virrey de Perú, Manuel de Amat, encabezada por el capitán Felipe González de Haedo, es la primera en hacer una descripción pormenorizada de la Isla, llamada Rapa Nui por sus oriundos. La expedición española exploró la costa norte durante cinco días y entablaron relación con los amistosos indigenas, también llamados rapanui, observando de cerca las gigantescas y numerosas estatuas, que habían levantado sin ayuda de ningún tipo de tecnología.

La Isla fue formada hace medio millón de años por sus tres volcanes, el más relevante para los rapanui es el sur, el que vemos en la imagen en primer plano.

Localización de la Isla de Pascua en el Pacífico, Chile la anexionó en 1888.

A finales del siglo XIX otro explorador francés llegó a Pascua, una isla a unos 4.000 kilómetros de las costas de Chile, era Pierre Poti que exploraba el pacífico en su fragata La Flore, y exploró la isla, sus costas y superficie de volcanes inactivos. Definió la isla como un lugar de aspecto inhóspito con una población reducida “a unas decenas de salvajes”. Fue el primero en describir a los Moai, gigantescas esculturas hincadas en la superficie de Pascua con estas palabras son “… grandes personajes que proyectan sobre la hierba tristes sombras desmesuradas. Están plantados sin orden y miran hacia nosotros como para saber quién llega (…) no tienen cuerpo, no son más que cabezas colosales que salen de tierra (…) ¿De qué raza humana representan el tipo, con su nariz en punta y sus labios finos? No tienen ojos, y sin embargo dan la impresión de mirar y pensar…”. Lógicas palabras ante unas estatuas nunca antes vistas y que causaron en Poti un obvio halo de misterio.

Grabado de una expedición francesa en 1786.

Moai del Volcán Rano Raraku, el más importante por su simbolismo y ser cantera de piedra metafórica.

Más de 900 estatuas colosales estaban repartidas por toda la Isla, con unas dimensiones espectaculares de entre unos 5 metros hasta los 22 metros. Son estatuas antropomorfas, con la parte superior del cuerpo y cabeza desproporcionada, con los hombros y brazos totalmente pegados al cuerpo (casi al modo egipcio), en algunos grandes brazos y manos se colocan sobre el vientre. Las cabezas y caras tienen rasgos muy similares, largas fosas nasales y grandes narices, orejas estiradas, labios prominentes, los arcos de los ojos muy marcados, y frente prominente en expresiones llenas de hieratismo. Algunas tienen el cuerpo enterrado y sólo se ven la cabeza y los hombros. Así lo demostró en 1987 el explorador noruego Thor Heyerdahl en sus excavaciones en la cantera del volcán Rano Raraku. Y todas, o casi todas, son figuras masculinas, sólo se ha descubierto una de rasgos femeninos la denominada Ava Rei Pua, pequeña figura de basalto que representaba a la hermana del mítico y primer rey de Rapa Nui, Hotu Matu’a.

Imagen de las excavaciones de Thor Heyerdahl en el Rano Raraku, vemos como algunos Moai tienen el cuerpo enterrado, el que vemos en imagen tiene unos 9 metros de alto situado en el centro de la cantera.

Los moai de los rapanui fueron esculpidos en tres canteras: la dicha en Rano Raraku, la más importante, en el sureste de la isla, gran reserva de roca metamórfica, ideal para esculpir los moai. Otra en el cerro Puna Pau, en el interior, y otra en la zona sur en un volcán llamado Rano Kau, gran reserva de basalto. En Rano Raraku con su roca metamórfica se construyeron unos 800 moai, destaca en el interior el llamado "gigante" o Te Tokanga, un coloso de 22 metros de altura y unas 270 toneladas, que está sin terminar pegado al lecho de la roca, de haber sido terminado hubiera sido la estatua más grande de la Isla, no se sabe el motivo de dejarlo inacabado, es posible que el deterioro de la civilización de Rapa Nui.

Uno de los moais que se quedaron inacabados al igual que el gigante Te Tokanga.

En el mismo Rano Raraku, muchos moais se erigieron y se quedaron en la misma cantera, hasta 40 semienterrados y de pie, algunos tenían unos extraños y bellos grabados en la espalda, que no se han descifrado con exactitud e incluso dibujos realistas. Uno de esos moais con grabados se conserva en el Museo Británico, el llamado Ho Hakananai’a (“amigo perdido o robado” en la legua de los rapanui) esculpido hacia el 1200, momento cenit de Rapa Nui, y que fue llegado a Londres en 1869 por Richard Ashmore Powell. Todos los símbolos grabados en su espalda parecen representar un ritual de la isla llamado Tangata Manu o "hombre-pájaro", para rendir culto al dios creador de los rapanui, Make-Make. Los moai de Rano Rataku se esculpían con azuelas de basalto desde arriba y en sólo bloque. Los primeros suelen tener una posición en cuclillas o arrodillados con el moai Tukuturi o "arrodillado" del siglo VI, en clara referencia a los Tiki, figuras antropoides de gran tamaño, de las Islas Marquesas, es evidente que el origen de los rapanui estaría en la Polinesia.

Espalda del moai Ho Hokananai'a en el Museo Británico, con sus grabados como en el cuello donde vemos dos hombres-pájaros enfrentados, uno de los rituales más míticos de los rapanui.

Un Tiki de las Islas Marquesas de clara influencia en los moai.

Hay muchos tipos de moais con diferentes rasgos y proporciones, eran muy importantes los ojos y las orejas, que daban aires vitales a las estatuas. Una vez colocados en su plataforma o Ahu se le colocaban ojos a base de coral blanco y las pupilas de obsidiana, dando a los moai vida. Tras las guerras tribales que hubo en la Isla, los moai de los vencidos son derribados y se les quitan los ojos para despojarles de su poder vital o “mana”. Los ojos o “mata” (que también significa "clan" en rapanui) eran muy relevantes, las estatuas sin ellos estaban desprovistas de vida, al tenerlos eran retratos de los jefes, antepasados o caciques del clan, simbolizando su poder y protección sobre el clan. Como ejemplo destacar el célebre moai Ahu Ko Te Riku, cuya mirada es hipnótica. Tan relevantes eran los ojos para los pobladores rapanui que uno de los nombres con los que llamaba a la isla era Mata Ki Te Rango o “ojos que miran al cielo”, también en referencia a sus lógicas creencias y dioses. Todo buen moai para estar completo debía estar coronado por una especie de gorro llamado Pukao, pieza rojiza de restos volcánicos de casi dos metros de altura. Es lógico creer que representan una jerarquía o diferente estatus, los tocados con el pukao serían los reyes o caciques más relevantes. La teoría más lógica es que representaran el espíritu de reyes, caciques o guerreros. Muchos de estos pukao se quedaron en la cantera o camino de sus respectivos moai.

La mirada pétrea del colosal Moai Ahu Ko Te Riku.

Uno de los grandes misterios es como se movían esas colosales estatuas desde las canteras y se llevaban a distintos puntos de la isla cercanos a las costas, recorriendo distancias de hasta 18 kilómetros. Hay que decir que los rapanui carecían de animales de tiro y no tenían ruedas. ¿Cómo pudieron mover cientos de colosales figuras?. Pues en mi opinión, que pienso que la explicación lógica es siempre la más plausible, con grandes dosis de ingenio y un gran esfuerzo colectivo en el cenit de la civilización de Pascua. Teorías hay muchas, la mayoría disparatadas con los omnipresentes extraterrestres en la ecuación. Unas teorías azuzadas por la leyenda que tenía los rapanui de que los moais “andaban solos” gracias a una fuerza sobrenatural que los hacía caminar kilometros, el llamado “mana”.

Impresionante moai en el santuario Hanga Roa, con su posición de espaldas al mar.

La explicación es más lógica, y formas tenían muchas, eso si muy complejas y llenas de ingenio. Lo primero era esculpir en pendiente el lecho rocoso y construir caminos en leve pendiente, desde las canteras, para que los moai llegaran de una pieza hasta ser erigidos en sus plataformas o ahu. Una vez en sus plataformas podían ser trasladados sobre rodillos trasversales móviles de madera o sobre trineos de madera siendo arrastrados por muchas personas, al igual que hacen los polinesios para arrastrar al mar sus enormes canoas. Esto fue comprobado por Jo Anne Van Tilburg en 1998 con unos 40 voluntarios logró mover un moai de 4 metros y 10 toneladas unos 70 metros. Y teniendo en cuenta el origen polinesio de sus habitantes es una teoría muy factible. Otra forma de moverlos era ponerlos de pie y hacerlos bascular con cuerdas a cada lado, haciendo que se muevan. Todas las formas lógicas necesitaban altas dosis de ingenio y compromiso colectivo de una sociedad volcada en la construcción y colocación de estas estatuas. Un gran nivel de organización colectiva es la única explicación posible y real, los que gusten de divagar con fuerzas no humanas o extraterrestres también tienen en Rapa Nui un filón. Pero la realidad es otra, una sociedad de reyes o caciques, que ponía y coordinaba todo su colectivo humano para la construcción de los cientos de moai.

Mapa de la Isla de Pascua con las rutas que debieron seguir para el traslado de los moai

Un complejo proceso de traslado que llevaba a los moai hasta muchos santuarios o complejos funerarios llamados Ahu-Moai, cercanos a las playas y de estructura similar: una plaza rodeada por muros de mampostería, con una rampa de piedra para llegar al Ahu o terraza con varios moai, debajo de la dicha terraza se situaba el enterramiento. En los Ahu los moais daban la espalda al mar con sus ojos pétreos mirando hacia la plaza o aldea ceremonial. El primer Ahu que se levantó fue en el 650, Ahu Tahai con moai de cabeza redonda, desde el 800 fue evolucionando su estilo. Hasta 300 de estos santuarios se han encontrado en Pascua y como siempre hay muchas teorías sobre su simbolismo y función. Para mi, lo más lógico es que son enterramientos de la elite social rapanui, son una práctica funeraria y lugares destinados a los ceremoniales religiosos y sociales, también relacionados con la territorialidad de clanes o grupos, muchas similitudes con el Megalitismo.

Vista de los estilizados moai de Ahu Nau Nau, con sus espectaculares pukao.

Uno de los Ahu más espectaculares y de moai más refinados en estilo, tocados con sus soberbios pukao, es el Ahu Nau Nau, situado en la playa de Anakena. Lugar donde se produjo la llegada de los primeros pobladores a Rapa Nui de la mano del legendario rey Hotu Matu’a. Hacia el 600 llegan los primeros habitantes a Pascua, muy probablemente procedentes de una las Islas Marquesas. La leyenda de los rapanui cuenta que de la Isla de Hiva, donde reinaba Hotu Matu’a. Una leyenda que merece la pena ser contada: el mago de la corte del rey, el poderoso Haumaka, viaja astralmente hasta la playa de Anakena desde Hiva, y queda embelesado por la belleza de la isla, llegando a la conclusión que era el lugar ideal para el rey y su familia. Al regresar del sueño se lo contó al rey, que antes de marchar a la isla envió una expedición con sus mejores exploradores. Tras revisar el terreno la familia (su esposa Vakai y su hermana Ave Rei Pua) y el Rey desembarcan en Anakena, donde se quedaron. Es muy curioso que "mo-ai" en rapanui significa “para copular”, parece ser que junto al Rey llegó un estatua polinesia en forma de falo viril, que sirvió de modelo para los moai.

Los 15 colosales moai Ahu Tongariki el santuario de los Reyes, el mas grande de Rapa Nui.

Algunos de los Ahu Moai, no todos, parecen estar orientados de forma intencionada, como el Ahu Akivi, que mira hacia la Polinesia, origen de los rapanui. Otros parecen estar mirando al Sol y las estrellas como el antiguo y mencionado Ahu Tahai (“lugar donde se pone el sol”) o el magnífico Ahu Tongariki o “residencia de los reyes”, el complejo funerario más grande y bien construido de la isla. Lógicamente, estos santuarios funerarios estaban relacionados con los rituales y creencias de los rapanui, que como tantas otras civilizaciones miraban al cielo, para buscar explicación a su existencia, y el Sol y las estrellas eran el origen de sus deidades y religión. También eran hitos para marcar la territorialidad y delimitación de las zonas de los clanes de rapanui, enemigos acérrimos, Y servían como lugar de enterramiento y culto de sus caciques o reyes de clanes (los akiri), y, como no, eran símbolos relacionados con la fertilidad de la tierra y prosperidad del clan. Todo muy social y humano, nada de fuerzas astrales o extraterrestres, la Isla de Pascua es otro ejemplo más de poder colectivo de las sociedades humanas, de su capacidad de antropización de la naturaleza y de autodestrucción.

Vista de los moai del Ahu Akivi, que miran en dirección a Polinesia.

Y así llegamos a otra de las curiosidades de Rapa Nui, su repentino y trágico final a mediados del siglo XVII, tras varios siglos de esplendor. Un final, nada misterioso, que tiene que ver con dos clásicos en la destrucción de las civilizaciones humanas: la antropológica guerra entre humanos y la sobrexplotación, por superpoblación, de los recursos naturales. Desde 1650 se dejan de levantar moai, la isla contaba con unos 10.000 pobladores, un crecimiento demográfico muy por encima de la capacidad natural de la isla, lo que provocó la excesiva explotación de los escasos recursos de la isla, generando una hecatombe medioambiental. Y con ello una gran carestía de alimentos y recursos, que llevó una lucha encarnizada entre clanes, ya enemigos, por la supervivencia en un medio muy frágil. La guerras entre clanes provocaron a la destrucción de la sociedad de Rapa Nui, su población quedó totalmente diezmada, de unos 10.000 se paso a 111 habitantes en el siglo XIX. Las guerras tribales se cebaron con sus propios símbolos religiosos y de identificación social, los moai, que no sólo dejaron de erigirse, también fueron destruidos y derribados a cientos, fundamentalmente los de los santuarios o ahu, al ser símbolos de clanes vencidos en las luchas por la supervivencia. Un lógico y triste final para una de la civilizaciones más curiosas y alucinantes de la Historia.

Imagen de un moai mirando al firmamento.

En mi opinión, los moai de la Isla de Pascua, además de con los tiki de las Marquesas, mucho tienen que ver con los monumentos megalíticos que podemos encontrar en Europa. Intuyo los mismos fines e ideales funerarios, territoriales, de cohesión social, ceremoniales y astronómicos en los alineamientos de Carnac en Francia o en Stonehenge en Gran Bretaña que el los Moai de la Isla de Pascua. Colosales construcciones cultuales generadas por un organizado esfuerzo colectivo de las sociedades humanas. Los imponentes Moai aún hoy dirigen su mirada al firmamento, como queriendo buscar una explicación a la innata capacidad de autodestrucción de las sociedades humanas.

Bibliografía y fuentes de ampliación:

Francesc Amorós I Gonell. Rapa Nui. Un mundo perdido al este de Polinesia. Última expedición de Thor Heyerdahl. Sirpus, Barcelona, 2010.

P. Bahn y J. Flenley. Isla de Pascua. Isla Tierra. Santiago, Rapanui Press, 2011.

Imágenes:Wikipedia, Wikimedia y National Geographic.

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